ژاپنی ها زیبایی های نهفته در اشیاء را در قرون 9 تا 12 ، در دوران هیان (794-1185) کشف کردند و حتی آن را با مفهوم ویژه "mono no avare" (ژاپنی ؟؟؟؟ (؟؟؟؟؟ ؟)) ، به معنی "جذابیت غم انگیز چیزها". "جذابیت اشیاء" یکی از اولین تعاریف زیبایی در ادبیات ژاپنی است ، با اعتقاد شینتو مبنی بر این که هر چیزی خدای خاص خود - کامی - و جذابیت منحصر به فرد خود را دارد ، همراه است. Avare جوهر درونی چیزهاست ، چیزی که باعث لذت ، هیجان می شود.

واسی یا واگامی.
ساخت کاغذ دستی ژاپنی های قرون وسطی از واشی نه تنها به دلیل ویژگی های عملی آن ، بلکه به دلیل زیبایی آن نیز قدردانی می کردند. او به دلیل ظرافت و تقریباً شفافیت خود مشهور بود ، اما این قدرت را از او سلب نکرد. واشی از پوست درخت کوزو (توت) و برخی از درختان دیگر تهیه می شود.
کاغذ واشی برای قرن ها حفظ شده است ، که توسط آلبوم ها و حجم های خوشنویسی قدیمی ژاپنی ، نقاشی ها ، پرده ها ، حکاکی هایی که از قرن ها تا به امروز باقی مانده است ، اثبات می شود.
کاغذ واسیا فیبری است ، اگر از طریق میکروسکوپ نگاه کنید ، شکاف هایی را خواهید دید که هوا و نور خورشید از طریق آنها نفوذ می کند. این کیفیت در ساخت صفحه نمایش و فانوس های سنتی ژاپنی استفاده می شود.
سوغات واشی در بین اروپایی ها بسیار محبوب است. بسیاری از وسایل کوچک و مفید از این کاغذ تهیه شده است: کیف پول ، پاکت ، پنکه. آنها به اندازه کافی قوی و در عین حال سبک هستند.

کومونو
بعد از گذراندن دوران کیمونو ، چه چیزی از آن باقی می ماند؟ فکر می کنید آنها آن را دور می اندازند؟ چیزی شبیه این! ژاپنی ها هرگز این کار را نمی کنند. کیمونو یک چیز گران قیمت است. دور انداختن آن بسیار آسان است غیرقابل تصور و غیرممکن است ... در کنار انواع دیگر استفاده مجدد از کیمونو ، زنان صنعتگر از قطعات کوچک سوغات کوچکی تهیه کردند. اینها اسباب بازی های کوچک برای کودکان ، عروسک ها ، سنجاق ها ، گلدسته ها ، جواهرات زنانه و سایر محصولات است ، از کیمونوی قدیمی برای ساخت چیزهای کوچک زیبا استفاده می شود که در مجموع "کومونو" نامیده می شود. چیزهای کوچکی که زندگی خود را خواهند داشت و مسیر کیمونو را ادامه می دهند. این معنی کلمه کومونو است.

میزوهیکی
آنالوگ macrame. این یک هنر کاربردی قدیمی ژاپنی است که گره های مختلف را از طناب های مخصوص می بندد و الگوهایی از آنها ایجاد می کند. چنین آثار هنری دارای طیف وسیعی از کاربردها بودند - از کارت هدیه و نامه تا مدل مو و کیف های دستی. در حال حاضر ، mizuhiki به طور گسترده ای در صنعت هدیه استفاده می شود - برای هر رویدادی در زندگی ، یک هدیه باید به روش خاصی بسته بندی و بسته شود. گره ها و ترکیبات زیادی در هنر میزوهیکی وجود دارد و همه ژاپنی ها همه آنها را به صورت قلبی نمی شناسند. البته ، رایج ترین و ساده ترین گره ها وجود دارد که بیشتر اوقات استفاده می شود: هنگام تبریک تولد کودک ، برای عروسی یا مراسم خاکسپاری ، تولد یا پذیرش دانشگاه.

گوهی
طلسم از نوارهای کاغذی. Gohei یک میله آیینی از یک کشیش شینتو است که نوارهای زیگزاگ کاغذی به آن وصل شده است. همان نوارهای کاغذی در ورودی حرم شینتو آویزان شده است. نقش کاغذ در مذهب شینتوئیسم به طور سنتی بسیار بزرگ بوده است و همیشه به محصولات ساخته شده از آن معنای باطنی پیوسته است. و این اعتقاد که هر چیز ، هر پدیده ، حتی کلمات ، حاوی یک کامی - یک الوهیت - نیز ظاهر چنین هنرهای کاربردی مانند gohei را توضیح می دهد. شینتوییسم از جهاتی بسیار شبیه به بت پرستی ماست. از نظر شینتوئیست ها ، کامی با میل و رغبت خاصی در همه چیز غیر معمول مستقر می شود. به عنوان مثال ، در کاغذ. و حتی بیشتر در gohei پیچیده به یک زیگزاگ پیچیده ، که امروز جلوی در ورودی زیارتگاههای شینتو آویزان شده و نشان دهنده وجود خدایی در معبد است. 20 گزینه برای تا کردن gohei وجود دارد ، و مواردی که بسیار غیر معمول هستند ، kami را جذب می کنند. در بیشتر موارد ، gohei سفید است ، اما رنگ های طلایی ، نقره ای و سایه های دیگر نیز وجود دارد. از قرن نهم ، در ژاپن رسم بر این بود که قبل از شروع مسابقه گوئی را روی کمربند کشتی گیران سومو تقویت کنند.

آنساما
این ساخت عروسک های کاغذی است. در قرن نوزدهم ، زنان سامورایی عروسک هایی از کاغذ می ساختند که بچه ها با آن لباس می پوشیدند و لباس های مختلف می پوشیدند. در زمانی که اسباب بازی وجود نداشت ، آنساما تنها گفتگوی کودکان بود که نقش مادر ، خواهر بزرگتر ، کودک و دوست را "بازی" می کرد.
عروسک از کاغذ واش ژاپنی جمع شده است ، موها از کاغذ مچاله شده ساخته شده ، با جوهر رنگ آمیزی شده و با چسب پوشانده شده است ، که به آن براق می دهد. یک ویژگی متمایز یک بینی کوچک زیبا بر روی صورت کشیده است. امروزه ، تولید این اسباب بازی ساده ، که به چیزی جز دستان ماهر نیاز ندارد ، به همان شیوه قبلی تولید می شود.

اوریگامی
هنر باستانی تا زدن ارقام کاغذی (ژاپنی ؟؟؟ ، به معنای واقعی کلمه: "کاغذ تا شده"). ریشه هنر اریگامی در چین باستان است ، جایی که کاغذ اختراع شد. در اصل ، اوریگامی در مراسم مذهبی استفاده می شد. برای مدت طولانی ، این شکل هنری فقط برای نمایندگان طبقات بالا در دسترس بود ، جایی که نشانه فرم خوب تسلط بر تکنیک تا کردن کاغذ بود. تنها پس از جنگ جهانی دوم ، اریگامی از شرق فراتر رفت و در آمریکا و اروپا به پایان رسید ، جایی که بلافاصله طرفداران خود را پیدا کرد. اوریگامی کلاسیک از یک ورق کاغذ مربع جمع می شود.
مجموعه خاصی از نمادهای معمولی وجود دارد که برای ترسیم طرح تاشو حتی پیچیده ترین محصول ضروری است. اکثر نمادهای متداول در اواسط قرن بیستم توسط استاد مشهور ژاپنی آکیرا یوشیزاوا به کار گرفته شد.
اوریگامی کلاسیک استفاده از یک ورق کاغذ مربع و یکنواخت بدون چسب یا قیچی را تجویز می کند. اشکال هنر معاصر گاهی از این قانون منحرف می شوند.

منبع عکس: http://sibanime.ru/2152-yaponskie-tradicii-origami.html

کیریگامی
کیریگامی هنر بریدن اشکال مختلف از یک ورق کاغذی است که چندین بار با قیچی تا شده است. یک نوع اریگامی که امکان استفاده از قیچی و برش کاغذ را در فرآیند ساخت مدل فراهم می کند. این تفاوت اصلی بین kirigami و سایر تکنیک های تاشو کاغذ است که در نام آن تاکید شده است: ؟؟ (kiru) - برش ،؟ (گامی) - کاغذ. در دوران کودکی ، همه ما دوست داشتیم دانه های برف را برش دهیم - یک نوع کیریگامی ، شما می توانید در این تکنیک نه تنها دانه های برف ، بلکه ارقام مختلف ، گل ها ، گلدسته ها و سایر چیزهای زیبا از کاغذ را برش دهید. از این محصولات می توان به عنوان شابلون برای چاپ ، تزئین آلبوم ، کارت پستال ، قاب عکس ، در طراحی مد ، طراحی داخلی و سایر دکوراسیون های مختلف استفاده کرد.

ایکبانا
Ikebana ، (yap ؟؟؟ or ؟؟؟؟) در ترجمه از ژاپنی- ike "- زندگی ،" bana "- گلها ، یا" گلهای زنده ". هنر گل آرایی ژاپنی یکی از زیباترین سنت های مردم ژاپن است. هنگام ساختن ایکبانا ، شاخه ها ، برگها و شاخه های بریده به همراه گل استفاده می شود. اصل اساسی اصل سادگی فوق العاده است ، برای دستیابی به آن سعی می شود بر زیبایی طبیعی گیاهان تأکید شود. Ikebana ایجاد یک فرم طبیعی جدید است ، که در آن زیبایی یک گل و زیبایی روح استاد که ترکیب را ایجاد می کند به طور هماهنگ ترکیب شده است.
امروزه در ژاپن 4 مدرسه بزرگ ikebana وجود دارد: Ikenobo ، Koryu ، Ohara ، Sogetsu. علاوه بر آنها ، حدود هزار جهت و روند مختلف وجود دارد که به یکی از این مدارس پایبند هستند.

اوریبانا
در اواسط قرن 17 ، دو مدرسه اوهارا (شکل اصلی ایکبانا - اوریبانا) و کوریو (شکل اصلی - سسکا) از ایکنوبو خارج شدند. به هر حال ، مدرسه اوهارا هنوز فقط اوریبانا را مطالعه می کند. همانطور که ژاپنی ها می گویند ، بسیار مهم است که اریگامی به اوریگومی تبدیل نشود. گومی در زبان ژاپنی به معنی آشغال است. پس از همه ، چگونه اتفاق می افتد ، یک تکه کاغذ را تا کرده و سپس با آن چه باید کرد؟ اوریبانا ایده های زیادی برای دسته گل برای دکوراسیون داخلی ارائه می دهد. ORIBANA = ORIGAMI + IKEBANA

اشتباه.
نوعی هنر زیبا که متولد گلکاری است. گل فروشی ما هشت سال پیش ظاهر شد ، اگرچه بیش از ششصد سال است که در ژاپن وجود دارد. روزی روزگاری در قرون وسطی ، سامورایی راه یک جنگجو را درک می کرد. و اشتباه بخشی از این مسیر بود ، مانند نوشتن هیروگلیف و شمشیر زدن. منظور از اشتباه این بود که در حالت حضور کامل در لحظه (satori) ، استاد تصویری از گل های خشک شده (گل های فشرده) ایجاد کرد. سپس این تصویر می تواند به عنوان یک کلید ، راهنمای کسانی باشد که آماده ورود به سکوت و تجربه این ساتوری بودند.
اصل هنر "اشتباه است" این است که نویسنده با جمع آوری و خشک کردن گلها ، گیاهان ، برگها ، پوست زیر پرس و چسباندن آنها به پایه ، یک اثر واقعاً "نقاشی" را با کمک گیاهان خلق می کند. به عبارت دیگر ، او اشتباه می کند - این نقاشی با گیاهان است.
خلاقیت هنری گل فروشان بر اساس حفظ شکل ، رنگ و بافت مواد خشک شده گیاهی است. ژاپنی ها تکنیکی را برای محافظت از نقاشی های "اشتباه" در برابر فرسودگی و تیره شدن ابداع کرده اند. جوهر آن این است که هوا بین شیشه و نقاشی به بیرون پمپ می شود و خلا ایجاد می شود ، که از خراب شدن گیاهان جلوگیری می کند.
نه تنها با طبیعت غیر سنتی این هنر ، بلکه با فرصت نشان دادن تخیل ، طعم ، دانش از خواص گیاهان نیز جذب می شود. گل فروشی ها زیور آلات ، مناظر ، طبیعت بی جان ، پرتره و نقاشی های موضوعی را اجرا می کنند.

تماری.
اینها توپ های سنتی ژاپنی با گلدوزی هندسی هستند که با ساده ترین بخیه ها ساخته شده اند و زمانی به عنوان اسباب بازی کودکان عمل می کردند و اکنون به یک هنر کاربردی تبدیل شده اند که نه تنها در ژاپن ، بلکه در سراسر جهان طرفداران زیادی دارد. اعتقاد بر این است که مدتها پیش ، این محصولات توسط زنان سامورایی برای سرگرمی ساخته شده است. در ابتدا ، آنها واقعاً به عنوان یک توپ برای بازی توپ مورد استفاده قرار می گرفتند ، اما گام به گام آنها عناصر هنری را به دست آوردند ، بعداً به زیورهای تزئینی تبدیل شدند. زیبایی ظریف این توپ ها در سراسر ژاپن شناخته شده است. و امروزه محصولات رنگارنگ و با دقت ساخته شده یکی از انواع صنایع دستی ژاپنی است.

یوبینوکی.
انگشتان شست ژاپنی هنگام دوختن یا گلدوزی با دست ، روی فالانکس میانی انگشت وسط دست کار گذاشته می شوند ، با کمک نوک انگشتان به سوزن جهت مورد نظر داده می شود و حلقه انگشت وسط سوزن را به داخل فشار می دهد. کار. در ابتدا ، انگشتان یوبینوکی ژاپنی کاملاً ساده ساخته می شدند - یک نوار پارچه متراکم یا چرم به عرض 1 سانتی متر در چند لایه محکم دور انگشت پیچیده شده بود و با چند بخیه تزئینی ساده به هم چسبیده بود. از آنجا که دامن ها در هر خانه یک مورد ضروری بودند ، تزئین آنها با گلدوزی هندسی با نخ های ابریشمی آغاز شد. الگوهای رنگارنگ و پیچیده از در هم آمیختن بخیه ها ایجاد شد. یوبینوکی از یک شیء ساده روزمره نیز تبدیل به یک شی برای "تحسین" ، زینتی از زندگی روزمره شده است.
یوبینوکی هنوز در خیاطی و گلدوزی استفاده می شود ، اما می توان آنها را به سادگی روی دستان انگشتان ، مانند حلقه های تزئینی پوشید. گلدوزی به سبک یوبینوکی برای تزئین اشیاء مختلف حلقه ای استفاده می شود-حلقه های دستمال ، دستبند ، نگهدارنده تماری ، دامن های گلدوزی شده و همچنین پینکاس های گلدوزی شده به همین سبک وجود دارد. الگوهای دامن می تواند منبع خوبی برای الهام دوزی در تماری باشد.

کانزاشی
هنر تزئین گیره مو (اغلب با گل (پروانه و غیره) تزئین شده از پارچه (عمدتا ابریشم). کانزاشی ژاپنی (کانزاشی) یک گیره موی بلند برای مدل موهای سنتی ژاپنی است. آنها از چوب ، لاک ، نقره ساخته شده بودند. ، لاک پشت در مدل موهای سنتی چینی و ژاپنی استفاده می شود. حدود 400 سال پیش ، مدل موی زنانه در ژاپن تغییر کرد: زنان شانه کردن موهای خود را به شکل سنتی - taregami (موهای صاف بلند) متوقف کردند و شروع به حالت دادن به آن در اشکال پیچیده و عجیب کردند. - nihongami. از اشیاء مختلف - گیره مو ، چوب ، شانه استفاده کرد. در آن زمان بود که حتی یک کوشی ساده شانه به یک لوازم جانبی زیبا با زیبایی فوق العاده تبدیل می شود ، که تبدیل به یک اثر هنری واقعی می شود. لباس سنتی زنان ژاپنی اجازه تزئین مچ را نمی دهد و گردنبند ، بنابراین دکوراسیون مو اصلی ترین زیبایی و زمینه برای بیان خود بود - و همچنین نشان دادن طعم و ضخامت کیف پول bka مالک در چاپها می توانید ببینید - اگر دقیق نگاه کنید - چگونه زنان ژاپنی به راحتی بیست کانزاشی گران قیمت را در مدل موهای خود آویزان کردند.
در حال حاضر ، سنت استفاده از کانزاشی در بین زنان جوان ژاپنی که می خواهند پیچیدگی و ظرافت را به مدل موهای خود اضافه کنند ، احیا شده است ، گیره موی مدرن را می توان تنها با یک یا دو گل دست ساز زیبا تزئین کرد.

کومی هیمو
Kumihimo یک بافت بافته ژاپنی است. هنگام بافتن نخ ، روبان و بندها به دست می آید. این بندها روی ماشینهای مخصوص - Marudai و Takadai بافته می شوند. از بافندگی مارودایی برای بافتن بندهای دور استفاده می شود ، در حالی که از تار تاکادایی برای بافتن بندهای تخت استفاده می شود. Kumihimo در زبان ژاپنی به معنی "طناب بافی" (کومی - بافتن ، تا زدن با هم ، himo - طناب ، توری). علیرغم این واقعیت که مورخان سرسختانه تأکید دارند که چنین بافتی را می توان در بین اسکاندیناوی ها و ساکنان آند یافت ، هنر ژاپنی کومیهیمو در واقع یکی از قدیمی ترین انواع بافندگی است. اولین ذکر آن به سال 550 باز می گردد ، زمانی که بودیسم در سراسر ژاپن گسترش یافت و مراسم خاص نیاز به تزئینات خاصی داشت. بعداً ، بندهای کومیهیمو به عنوان ثابت کننده کمربند اوبی روی کیمونوی زنانه مورد استفاده قرار گرفتند ، به عنوان طناب هایی برای "بسته بندی" کل زرادخانه سامورایی (سامورایی ها از کومیهیمو برای اهداف تزئینی و کاربردی برای بستن زره و زره اسب خود استفاده کردند) ، و همچنین برای قرار دادن اجسام سنگین.
الگوهای مختلف کومیهیمو مدرن به راحتی روی بافهای مقوایی خانگی بافته می شوند.

سویبوکوگا یا سومی.
نقاشی جوهر ژاپنی. این سبک نقاشی چینی توسط هنرمندان ژاپنی در قرن 14 و در پایان قرن 15 پذیرفته شد. تبدیل به جریان اصلی نقاشی ژاپنی شد. Suibokuga تک رنگ است. مشخصه آن استفاده از جوهر سیاه (سومی) ، یک شکل جامد ذغال یا تهیه شده از دوده است ، جوهر چینی که با جوهر آسیاب شده ، با آب رقیق شده و روی کاغذ یا ابریشم بریده می شود. مونوکروم یک انتخاب بی پایان از گزینه های رنگی را به هنرمند ارائه می دهد ، که چینی ها مدتهاست آن را "رنگ" جوهر می شناسند. Suibokuga گاهی اوقات امکان استفاده از رنگ های واقعی را می دهد ، اما آن را به ضربات ظریف و شفاف که همیشه تابع خط جوهر است محدود می کند. نقاشی جوهر با هنر خوشنویسی دارای ویژگیهای اساسی مانند بیان دقیق و تسلط فنی بر فرم است. کیفیت نقاشی با جوهر ، مانند خوشنویسی ، به یکپارچگی و مقاومت در برابر پاره شدن خطی که با جوهر کشیده شده است ، کاهش می یابد ، که همانطور که گفته شد ، یک اثر هنری را بر روی خود نگه می دارد ، همانطور که استخوان ها بافت ها را روی خود نگه می دارند.

اتاگامی
کارت پستال های کشیده (تصویر الکترونیکی ، برچسب ها - نامه). ساخت کارت پستال با دستان شما عموماً در ژاپن بسیار محبوب است و قبل از تعطیلات محبوبیت آن حتی بیشتر می شود. ژاپنی ها دوست دارند برای دوستان خود کارت پستال ارسال کنند و آنها نیز دوست دارند که آنها را دریافت کنند. این یک نوع نامه سریع در جاهای خالی است ، می توان آن را از طریق پست بدون پاکت ارسال کرد. هیچ قانون یا تکنیک خاصی در etegami وجود ندارد ؛ هر کسی بدون آموزش خاص می تواند این کار را انجام دهد. اتاگامی به بیان دقیق خلق و خو ، برداشت ها کمک می کند ، این یک کارت پستال دست ساز است که شامل یک تصویر و یک نامه کوتاه است و احساسات فرستنده مانند گرما ، اشتیاق ، مراقبت ، عشق و غیره را منتقل می کند. آنها این کارت ها را برای تعطیلات ارسال می کنند و درست مانند آن ، فصل ها ، اقدامات ، سبزیجات و میوه ها ، مردم و حیوانات را نشان می دهند. هرچه این تصویر ساده تر کشیده شود ، جالب تر به نظر می رسد.

فوروشیکی
تکنیک بسته بندی ژاپنی یا هنر پارچه تاشو. Furoshiki برای مدت طولانی وارد زندگی ژاپنی ها شد. طومارهای باستانی دوره Kamakura -Muromachi (1185 - 1573) با تصاویری از زنان که بسته های پارچه ای بسته بندی شده روی سر خود را حمل می کردند ، باقی مانده است. این تکنیک جالب به تاریخ 710 - 794 بعد از میلاد در ژاپن برمی گردد. کلمه "furoshiki" به معنای واقعی کلمه به "حمام حمام" ترجمه می شود و یک پارچه مربع شکل است که برای پیچیدن و حمل اشیاء در هر شکل و اندازه استفاده می شد.
در قدیم ، در حمام های ژاپنی (فورو) ، مرسوم بود که با کیمونوهای نخی سبک ، که بازدیدکنندگان از خانه با خود می بردند ، قدم بزنند. حمام کننده همچنین یک قالی مخصوص (شیکی) آورد که هنگام برهنه شدن روی آن ایستاده بود. با تبدیل شدن به یک کیمونوی "حمام" ، بازدید کننده لباسهای خود را با یک فرش پیچید و پس از حمام یک کیمونوی خیس را در یک فرش پیچاند تا آن را به خانه بیاورد. بنابراین ، تشک حمام به یک کیف چند منظوره تبدیل شده است.
استفاده از Furoshiki بسیار آسان است: پارچه شکل جسمی را که می پیچید به خود می گیرد و دسته ها حمل بار را آسان می کنند. علاوه بر این ، هدیه ای که نه در کاغذ سخت ، بلکه در یک پارچه نرم و چند لایه پیچیده شده است ، جلوه خاصی می یابد. طرح های زیادی برای تا کردن furoshiki برای هر مناسبت ، روزمره یا تعطیلات وجود دارد.

کینوسایگا
سوزن دوزی فوق العاده از ژاپن. کینوسایگا (؟؟؟) تلاقی بین باتیک و تکه دوزی است. ایده اصلی این است که از کیمونوهای ابریشمی قدیمی ، قطعات در نقاشی های جدید - آثار هنری واقعی - جمع آوری می شوند.
ابتدا هنرمند یک طرح روی کاغذ می کشد. سپس این نقاشی به یک تخته چوبی منتقل می شود. خط الگو با شیارها یا شیارها بریده می شود ، و سپس از یک کیمونوی ابریشمی قدیمی ، تکه های کوچکی که از نظر رنگ و تناسب دارند ، بریده می شوند و لبه های این تکه ها شیارها را پر می کنند. وقتی به چنین تصویری نگاه می کنید ، احساس می کنید که به یک عکس نگاه می کنید یا حتی منظره بیرون پنجره را تماشا می کنید ، واقع بینانه هستند.

آمیگورومی
هنر ژاپنی بافندگی یا قلاب بافی حیوانات نرم کوچک و موجودات انسان نما. آمیگورومی (ژاپنی ؟؟؟؟ ، به معنای واقعی کلمه: "بافتنی پیچیده") - اینها اغلب حیوانات ناز (مانند خرس ، خرگوش ، گربه ، سگ و غیره) هستند ، مردان کوچک ، اما اینها همچنین می توانند اجسامی بی جان باشند که دارای خواص انسانی به عنوان مثال ، کیک ، کلاه ، کیف دستی و موارد دیگر. آمیگورومی بافتنی یا بافتنی یا قلاب بافی است. اخیراً آمیگورومی بافندگی محبوب تر و رایج تر شده است.
با یک روش ساده بافندگی از نخ بافته می شوند - به صورت مارپیچ و بر خلاف روش بافندگی اروپایی ، دایره ها معمولاً به هم متصل نیستند. آنها همچنین در اندازه کوچکتر نسبت به ضخامت نخ قلاب دوزی می شوند تا پارچه ای بسیار متراکم و بدون هیچ شکافی برای بیرون آمدن لنت ایجاد شود. آمیگورومی اغلب از قسمتهایی ساخته می شود و سپس متصل می شود ، به استثنای برخی از آمیگورومی ، که اندام ندارند ، اما فقط یک سر و تنه دارند که یک کل را تشکیل می دهند. اندام ها گاهی اوقات با قطعات پلاستیکی پر می شوند تا وزن زنده به آنها داده شود ، در حالی که بقیه بدن از فیلر فیبر پر می شود.
زیبایی شناسی آمیگورومی با زیبایی آنها ("kawaii") گسترش می یابد.

بونسای
بونسای ، به عنوان یک پدیده ، بیش از هزار سال پیش در چین ظاهر شد ، اما این فرهنگ تنها در ژاپن به اوج خود رسید. (بونسای - jap. ؟؟ lit. "گیاه در گلدان") - هنر پرورش یک نسخه دقیق از یک درخت واقعی در مینیاتور. این گیاهان چندین قرن قبل از میلاد توسط راهبان بودایی پرورش داده شدند و بعداً به یکی از فعالیتهای اشراف محلی تبدیل شدند.
بونسای خانه ها و باغ های ژاپنی را تزئین کرد. در دوران توکوگاوا ، طراحی پارک انگیزه جدیدی به خود گرفت: پرورش آزالیا و افرا به سرگرمی ثروتمندان تبدیل شد. رشد گیاه کوتوله (hachi-no-ki-"درخت گلدانی") نیز توسعه یافت ، اما بونسای آن زمان بسیار بزرگ بود.
امروزه درختان معمولی برای بونسای استفاده می شوند ، آنها به لطف هرس مداوم و روشهای مختلف دیگر کوچک می شوند. در عین حال ، نسبت اندازه سیستم ریشه ، محدود به حجم کاسه ، و قسمت زمینی بونسای با تناسب درختان بالغ در طبیعت مطابقت دارد.

یک سری پیام "":
قسمت 1 - انواع سوزن دوزی ژاپنی

آثار هنرهای تزئینی و کاربردی ژاپن به طور سنتی شامل لاک ، چینی و سرامیک ، حکاکی روی چوب ، استخوان و فلز ، پارچه ها و لباس های تزئین شده هنری ، آثار اسلحه و غیره است. ویژگی آثار هنری تزئینی و کاربردی به شرح زیر است: به عنوان یک قاعده ، یک کاربرد کاملاً کاربردی و مفید است ، اما در عین حال آنها یک نقش کاملاً زیباشناختی را نیز ایفا می کنند و به عنوان زینت زندگی روزمره افراد عمل می کنند. زیبایی شناسی اشیاء اطراف برای ژاپنی ها اهمیتی کمتر از هدف عملی آنها نداشت: تحسین زیبایی. علاوه بر این ، آگاهی سنتی ژاپنی ها با نگرش خاصی به زیبایی به عنوان یکی از رازهای جهان مشخص می شود. زیبایی برای ژاپنی ها پدیده ای فراتر از دنیای معمولی ما است که می توان آن را با کلمات توصیف کرد و با عقل فهمید. بعلاوه ، فرهنگ غربی مدرن تر سعی می کند زندگی انسان را به چارچوب ادراک عقلانی و روزمره از جهان ، جایی که قوانین به اصطلاح "عقل سلیم" بر آن حاکم است ، تقلیل دهد. از نظر ژاپنی ها ، علیرغم کاربردی بودن و عمل گرایی شدید آنها در مسائل روزمره ، البته جهان عادی و مادی به عنوان یک توهم و گذرا تلقی می شد. و اینکه فراتر از مرزهای آن جهان دیگری بدون تجلی وجود دارد که اصولاً خود را معیارهای "عقل سلیم" نمی داند و نمی توان آن را با کلمات توصیف کرد. موجودات عالی در آنجا زندگی می کنند ، رمز و راز زندگی و مرگ با آن همراه است ، و بسیاری از اسرار زندگی ، از جمله اصول زیبایی. آن جهان در جهان ما منعکس شده است ، مانند ماه در سطح آبکی ، در روح مردم با حسی حاد و دردناک از زیبایی و راز پاسخ می دهد. کسانی که قادر به دیدن و درک این بازی ظریف و چند وجهی از معانی و سایه های زیبایی نیستند ، از نظر ژاپنی ها بربرهای ناامید و بی ادب هستند.

ژاپنی ها (اول از همه - نخبگان ، اشراف) برای تثبیت خود در مشارکت خود در جهان ماورایی ، اهمیت زیادی به اقدامات آیینی و به ویژه جنبه زیبایی شناختی آنها می دادند. از اینجا ، مراسم تحسین شکوفه ساکورا ، افرا قرمز ، اولین برف ، طلوع و غروب خورشید و همچنین مسابقات شعر ، گل آرایی (ایکبانا) ، اجرای تئاتر و غیره برگزار می شود. حتی موقعیت های ساده روزمره مانند نوشیدن چای یا ساکی ژاپنی ها ، هنگام ملاقات با مهمانان یا وارد صمیمیت ، به اجرای عرفانی اهمیت می دادند. در عین حال ، وسایل خانه به طور همزمان نقش ویژگی های آیینی را ایفا می کردند. صنعتگرانی که چنین اشیایی را ایجاد می کردند ، سعی کردند ظاهری زیبا و بی عیب و نقص به آنها ببخشند. به عنوان مثال ، بسیاری از کاسه ها برای مراسم چای ، در نگاه اول ، خشن و ناهموار ، در درجه اول به دلیل این واقعیت که مهر زیبایی "اخروی" را به همراه داشتند ، به نظر می رسید که کل جهان را در خود دارند.

همین امر به طور کامل در مورد بسیاری دیگر از آثار هنری تزئینی و کاربردی اعمال می شود: مجسمه ها ، - نتسوکه ، جعبه ها - inro ، لاک الکل ، کوزود زیبا (کیمونو با آستین کوتاه) با دکور نفیس و غریب ، صفحه نمایش ، فن ، فانوس و به ویژه ژاپنی سنتی سلاح ما اجرای عملی اصول زیبایی شناسی سنتی در هنرها و صنایع دستی ژاپن را با استفاده از نمونه شمشیرهای هنری ژاپنی در نظر خواهیم گرفت.

برای هر ژاپنی ، شمشیر تقریباً مورد تحسین مذهبی است ، که نه تنها با سرنوشت صاحب فعلی ، بلکه با نسل های كل جنگجویان صاحب آن ارتباط عرفانی دارد. علاوه بر این ، بسیاری از شمشیرها زنده تلقی می شوند - آنها روح خود ، اراده و شخصیت خود را دارند. از زمان های قدیم ، شمشیر به عنوان نمادی از قدرت ، نمادی از روحیه جنگندگی سامورایی عمل می کرد و با فرقه های شینتو و بودایی در ارتباط بوده است. فرایند جعل شمشیر با یک مراسم مذهبی و رمز و راز شینتو برابر است. یک آهنگر-اسلحه ساز ، با شروع به ساختن شمشیر ، اقدامات تشریفاتی سختی را انجام می دهد: او روزه می گیرد ، وضو می گیرد ، برای خدایان دعا می کند ، که به طور نامحسوس به کار او کمک می کنند و هدایت می کنند. روح کامی به شمشیر ایجاد شده تزریق می شود ، بنابراین شمشیر باید از هر نظر بی عیب و نقص باشد.

در واقع ، شمشیرهای سنتی ژاپنی دارای ویژگی های خاصی هستند ، هم جنگی و هم زیبایی. صاحب نظران می توانند شمشیری خوب را به مدت بی نهایت در نظر بگیرند و تحسین کنند ، به عنوان یک اثر هنری واقعی با جزئیات منحصر به فرد. اعتقاد بر این است که شمشیر ژاپنی دارای "چهار نوع زیبایی" است: 1) شکل عالی زیبا (گزینه های زیادی برای شکل شمشیر وجود دارد ؛ به عنوان یک قاعده ، تیغه های ژاپنی دارای یک تیغه و یک خم برازنده هستند ؛ با این وجود ، تیغه های دو لبه و مستقیم) ؛ 2) ساختار ویژه فولاد هنگام جعل (به عنوان مثال ، در برخی از تیغه ها یک الگو شکل می گیرد که شبیه یک ساختار لایه ای از کریستال یا چوب است ، در برخی دیگر "دانه" های کوچک یا بزرگ ظاهر می شود ، و توهم شفافیت را به فولاد می دهد) ؛ 3) یک خط درخشان ویژه (هامون) در امتداد تیغه در نتیجه سخت شدن تیغه ایجاد شده است (انواع مختلفی از هامون وجود دارد - برخی شبیه قله های تیز کوه هستند ، برخی دیگر به آرامی امواج را برجسته می کنند ، برخی دیگر ابرهای عجیب و غریب و غیره هستند). 4) صیقل دادن دقیق ، به تیغه درخشندگی و درخشندگی خاصی می بخشد. بر روی برخی تیغه ها ، نقش برجسته اژدها ، نشان های سامورایی ، هیروگلیف های جداگانه و غیره نیز حک شده است.در ساقه بسیاری از تیغه ها ، سازندگان آنها کتیبه های خوشنویسی ، گاهی منبت کاری شده با فلزات گرانبها ، حک کرده اند.

اهمیت ویژه ای نیز به کوه شمشیر داده می شد ، که شامل تعداد زیادی قسمت جداگانه بود ، که بسیاری از آنها آثار هنری مستقل هستند. دسته شمشیر از درخت ماگنولیا کنده شد ، سپس با پوست زنجیر یا کوسه پوشانده شد و با بند نخی ابریشمی یا چرمی بافته شد. محافظ شمشیر (تسوبا) به عنوان تزئین اصلی دستگیره عمل می کرد. تسوبا می تواند دارای اشکال مختلف (گرد ، بیضی ، مربع ، ذوزنقه ای ، شکل گل داودی ، و غیره) باشد ، آنها از آهن ، مس ، برنز جعل شده اند ، بسیاری از آنها با نقره ، طلا یا آلیاژهای خاص ژاپنی تزئین شده اند. هر تسوبا دکور منحصر به فرد خود را داشت (شبح های بریده ، حکاکی ، منبت ، روکش فلزات مختلف به شکل اژدها ، ماهی ، انواع حیوانات ، مردم ، خدایان ، گل ، درخت) و در واقع یک اثر بود از جواهرات مانند تیغه ها ، بسیاری از تسوباها با امضای هیروگلیف استادانی که آنها را ایجاد کرده بودند تزئین شده بود. علاوه بر تسوبا ، دسته دارای چندین عنصر تزئینی دیگر بود ، از جمله مجسمه های کوچک فلزی - منوکی ، که در زیر بند ناف قرار دارد. مانوکی ، که اغلب با نقره و طلا آراسته شده است ، می تواند عجیب ترین شکل ها را داشته باشد: اژدها با مروارید بازی می کند. ماه در ابرها ؛ مردی که روی گل پائولونیا خوابیده است ؛ دیو - تنگو ؛ خرچنگ دریایی یا حشره. مانوکی ها نقش طلسم ها را بازی می کردند ، علاوه بر این ، آنها اجازه نمی دادند دست شمشیر از کف جنگجو بیرون بیاید. توجه زيادي به زيبايي غلاف شد. غلاف معمولاً از چوب تراشیده شده و لاک زده شده - مشکی ، قرمز ، طلایی. گاهی اوقات آنها را با صفحات چرمی یا فلز جلا داده شده پوشانده بودند. گاهی اوقات آنها را از عاج بریده یا با مروارید ، تراش طلا یا نقره و غیره برش می دادند. غلاف بسیاری از شمشیرها دارای شیارهای مخصوص چاقوهای کوچک بود-کوگاتانا و کوگای (سنجاق پرتاب) ، که تزئینات خاص خود را نیز داشتند. تخته سنگ می تواند تزئیناتی شبیه به روی دسته داشته باشد ، بنابراین یک سبک یکنواخت طراحی تزئینی برای شمشیر ایجاد می کند - به عنوان مثال ، نقاشی با اژدها یا ساکنان دریا رایج بود. علاوه بر این ، غلاف شمشیرهای بسیاری (مخصوصاً تاتی ، که روی آویزهای مخصوص با تیغه پایین پوشیده شده بود ، برخلاف کاتانا که با تیغه به بالا به کمربند وصل شده بود) با بندهای ابریشمی مجلل با منگوله و گره های تزئینی تزئین شده بود. با توجه به رنگ ، شکل و دکوراسیون غلاف ، می توان رتبه سامورایی را قضاوت کرد. علاوه بر این ، در تعدادی از موارد ، آداب معاشرت نوعی خاص از روکش را تجویز می کرد: به عنوان مثال ، سامورایی ها با شمشیر در یک غلاف سیاه ساده ، بدون هیچ گونه تزئین ، به مراسم تشییع جنازه می رفتند. نمایندگان بالاترین اشراف شمشیرهایی در غلاف طلاکاری شده داشتند که با سنگهای قیمتی تزئین شده بودند.

در ژاپن ، از دیرباز بسیاری از مدارس خانوادگی اسلحه ساز وجود داشته است که در زمینه تراش تیغه ها ، صیقل دادن آنها ، ساخت غلاف و زیور آلات برای شمشیر ، ساخت کمان ، تیر ، تیر ، زره و کلاه مشغول به کار بوده اند. مهارت بسیاری از اسلحه سازان (مانند ماسامونه ، که در اواخر قرن 13 و اوایل قرن 14 زندگی می کرد) افسانه ای بود ، آنها جادوگران ارتباط با ارواح محسوب می شدند و ویژگی های جادویی به خلاقیت دستان آنها نسبت داده می شد.

ظروف لاک در ژاپن از زمان های قدیم شناخته شده بود ؛ بقایای آنها در محوطه های باستان شناسی دوران جومون یافت می شود. در آب و هوای گرم و مرطوب ، پوشش های لاکی از چوب ، چرم و حتی محصولات فلزی در برابر تخریب محافظت می کند. ظروف لاک در ژاپن وسیع ترین کاربرد را پیدا کرده است: ظروف ، وسایل خانه ، اسلحه ، زره و غیره. لاک الکل همچنین به عنوان تزئین برای فضای داخلی ، به ویژه در خانه اشراف ، عمل می کرد. لاک های سنتی ژاپنی قرمز و سیاه و همچنین طلایی هستند. در پایان دوره ادو ، تولید لاک زرد ، سبز ، قهوه ای آغاز شد. در آغاز قرن بیستم. لاک سفید ، آبی و بنفش به دست آمد. لاک روی یک پایه چوبی در یک لایه بسیار ضخیم - تا 30-40 لایه استفاده می شود ، سپس به سطح آینه پرداخت می شود. بسیاری از تکنیک های تزئینی در ارتباط با استفاده از لاک وجود دارد: maki -e - استفاده از پودر طلا و نقره. urushi -e - نقاشی با لاک ؛ هیومون - ترکیب ؛ نقاشی لاک با طلا ، نقره و منبت مروارید. ظروف لاکی هنر ژاپنی نه تنها در ژاپن بلکه در غرب از ارزش بالایی برخوردارند و تولید آن تا به امروز رونق زیادی یافته است.

ژاپنی ها به سرامیک علاقه زیادی دارند. اولین آنها از کاوش های باستان شناسی شناخته شده و مربوط به دوره جومون است. توسعه سرامیک های ژاپنی و بعداً پرسلان به طور قابل توجهی تحت تأثیر فناوری های چینی و کره ای ، به ویژه شلیک و پوشش لعاب رنگی قرار گرفت. ویژگی بارز سرامیک ژاپنی - استاد نه تنها به شکل ، تزئینات تزئینی و رنگ محصول ، بلکه به احساسات لامسه ای که هنگام تماس با کف دست فرد ایجاد می کند توجه کرد. برخلاف رویکرد ژاپن غربی نسبت به سرامیک ، بی نظمی شکل ، زبری سطح ، ترک های پراکنده ، قطرات لعاب ، اثر انگشت استاد و نمایش بافت طبیعی مواد فرض شد. سرامیک های هنری قبل از هر چیز شامل کاسه هایی برای مراسم چای ، قوری ، گلدان ، گلدان ، ظروف تزئینی ، ظروف به خاطر سلیقه و غیره می باشد. بخش قابل توجهی از پرسلن ژاپنی مخصوص صادرات به کشورهای غربی ساخته شد.

محتوای مقاله

هنر ژاپنیاز زمان های قدیم ، هنر ژاپن با خلاقیت فعال مشخص می شد. علیرغم وابستگی آنها به چین ، جایی که گرایش های هنری و زیبایی شناسی جدید دائما در حال ظهور بود ، هنرمندان ژاپنی همیشه ویژگی های جدیدی را معرفی کرده و هنر معلمان خود را تغییر داده و جلوه ای ژاپنی به آن بخشیده اند.

تاریخ ژاپن به تنهایی در اواخر قرن 5 شکل خاصی به خود گرفت. اقلام نسبتاً کمی از قرون گذشته (دوره باستان شناسی) پیدا شده است ، اگرچه برخی از یافته ها در حین حفاری یا کار ساختمانی نشان دهنده استعداد هنری قابل توجهی است.

دوره باستان شناسی

قدیمی ترین آثار هنری ژاپنی گلدان های سفالی از نوع جومون (چاپ طناب) است. این نام از تزئین سطح با چاپهای مارپیچی طناب پیچیده شده در اطراف چوب ها گرفته شده است که استاد از آن برای ساخت ظرف استفاده می کند. شاید ، در ابتدا ، استادان به طور تصادفی آثار بافته را کشف کردند ، اما سپس عمداً از آنها استفاده شد. گاهی اوقات فرهای رشته ای رشته ای به سطح چسبانده می شوند و جلوه تزئینی پیچیده تری ایجاد می کنند ، تقریباً تسکین دهنده است. اولین مجسمه سازی ژاپنی در فرهنگ جومون ایجاد شد. دوگو (به معنای واقعی کلمه "تصویر خاک رس") از یک شخص یا یک حیوان احتمالاً دارای اهمیت مذهبی بوده است. تصاویر مردم ، بیشتر زنان ، بسیار شبیه به الهه های سفالی دیگر فرهنگ های ابتدایی است.

قدمت رادیوکربن نشان می دهد که برخی از یافته های مربوط به فرهنگ جومون به 6000-5000 سال قبل از میلاد مسیح برمی گردد ، اما چنین تاریخ اولیه ای به طور کلی پذیرفته نیست. البته ، چنین غذاهایی برای مدت طولانی ساخته شده اند و اگرچه هنوز تاریخ دقیق آن مشخص نشده است ، اما سه دوره وجود دارد. نمونه های اولیه دارای پایه نوک تیز بوده و تقریباً بدون تزیین هستند ، به جز آثار یک ابزار سفالگری. ظروف دوره میانی بسیار تزئین شده اند ، گاهی اوقات با عناصر قالب دار که جلوه ای از حجم ایجاد می کنند. شکل ظروف دوره سوم بسیار متنوع است ، اما دکور مجدداً مسطح می شود و بیشتر مهار می شود.

تقریباً در قرن 2. قبل از میلاد مسیح. سرامیک Jomon جای خود را به سرامیک Yayoi داد که با فرم های زیبا ، سادگی طراحی و کیفیت فنی بالا مشخص می شود. تکه ظرف نازک شد و زیور کمتر خیالی شد. این نوع تا قرن سوم رایج بود. آگهی

از نظر هنری ، شاید بهترین آثار دوره اولیه هانیوا ، استوانه های سفالی مربوط به قرن 3 تا 5 باشد. آگهی بناهای معمول این دوران تپه ها یا تپه های عظیم ، بناهای دفن امپراطوران و اشراف قدرتمند است. اغلب از نظر اندازه بسیار بزرگ هستند ، آنها شواهدی از قدرت و ثروت خانواده شاهنشاهی و درباریان هستند. امپراتور نینتوکوتنو (حدود 395-427 میلادی) 40 سال طول کشید تا چنین بنایی را بسازد. قابل توجه ترین ویژگی این تپه ها استوانه های سفالی ، خانیوا بود که آنها را مانند حصار احاطه کرده بود. معمولاً این استوانه ها کاملاً ساده بودند ، اما گاهی اوقات آنها با پیکره های انسانی تزئین می شدند ، و کمتر با اسب ها ، خانه ها یا خروس ها. هدف آنها دو چیز بود: جلوگیری از فرسایش توده های عظیم زمین و تامین موارد لازم برای متوفی که در زندگی زمینی استفاده می کرد. به طور طبیعی ، سیلندرها به طور همزمان در مقادیر زیادی تولید می شدند. تنوع موضوعات ، حالات چهره و حرکات پیکره هایی که آنها را تزئین می کند ، عمدتا نتیجه بداهه پردازی استاد است. علیرغم این واقعیت که این آثار بیشتر از صنعتگران است تا نقاشان و مجسمه سازان ، به عنوان یک هنر هنری مناسب ژاپنی از اهمیت بالایی برخوردار هستند. ساختمانهایی که با پتوهای اسب پیچیده شده اند ، خانمها و رزمندگان اولیه تصویر جالبی از زندگی نظامی ژاپن فئودالی اولیه ارائه می دهند. شاید نمونه های اولیه این استوانه ها در چین ظاهر شدند ، جایی که اشیاء مختلف مستقیماً در قبرها قرار می گرفتند ، اما طراحی و روش استفاده از حنیوا متعلق به سنت محلی است.

دوره آرکائیک اغلب به عنوان زمانی خالی از آثار در سطح هنری بالا ، زمان تسلط بر چیزهایی که عمدتا دارای ارزش باستان شناسی و قوم شناسی هستند ، در نظر گرفته می شود. با این حال ، باید به خاطر داشت که آثار این فرهنگ اولیه به طور کلی از نشاط بالایی برخوردار بودند ، زیرا اشکال آنها زنده ماند و به عنوان ویژگیهای ملی خاص هنر ژاپنی در دوره های بعدی به حیات خود ادامه داد.

دوره آسوکا

(552-710 میلادی). معرفی بودیسم در اواسط قرن ششم تغییرات مهمی در شیوه زندگی و تفکر ژاپنی ها ایجاد کرد و انگیزه ای برای توسعه هنر در این دوره و دوره های بعدی شد. ورود بودیسم از چین از طریق کره به طور سنتی به 552 بعد از میلاد باز می گردد ، اما احتمالاً قبلاً شناخته شده بود. در سالهای اولیه ، بودیسم با مخالفت مذهب ملی شینتو با مخالفت سیاسی روبرو شد ، اما تنها چند دهه بعد ، ایمان جدید تأیید رسمی شد و سرانجام تثبیت شد. در سالهای اولیه نفوذ خود به ژاپن ، بودیسم یک دین نسبتاً ساده با تعداد کمی از خدایان بود که به تصاویر نیاز داشتند ، اما تنها پس از صد سال قدرت گرفت و پانتئون رشد فوق العاده ای کرد.

در این دوره ، معابد تاسیس شد که نه تنها به منظور تبلیغ ایمان ، بلکه مراکز هنر و آموزش بود. معبد صومعه در هوریوجی یکی از مهمترین معابد برای مطالعه هنر بودایی اولیه است. در میان گنجینه های دیگر مجسمه ای از سه گانه بزرگ سایاکا-نرای (623 میلادی) وجود دارد. این اثر از توری بوسی ، اولین مجسمه ساز بزرگ ژاپنی که می شناسیم ، یک تصویر برنزی سبک است که شبیه معابد غارهای بزرگ چین است. در ژست Shaki نشسته (رونوشت ژاپنی کلمه "shakyamuni" ، بودای تاریخی) و دو چهره ایستاده در کناره های او جلوه ای دقیق دارند. اشکال پیکره انسانی توسط چین های متقارن سنگین لباس های طرح شده پنهان می شود و در چهره های صاف و کشیده احساس می شود که خود را جذب و تفکر می کند. مجسمه سازی اولین دوره بودایی بر اساس سبک و نمونه های اولیه پنجاه سال پیش از سرزمین اصلی است. این وفادارانه از سنت چینی که از طریق کره به ژاپن آمده است پیروی می کند.

برخی از مهمترین نمایش های مجسمه سازی این زمان از برنز ساخته شده بود ، اما از چوب نیز استفاده می شد. دو مجسمه چوبی معروف مجسمه های الهه کانون هستند: یومادونو کانون و کودارا کانن ، هر دو در هوریوجی. آنها با لبخندهای قدیمی و عبارات رویایی خود جذابیت بیشتری برای پرستش از سه گانه شکی دارند. اگرچه فیگورهای کانن نیز شماتیک و متقارن هستند ، اما سبک تر و پر جنب و جوش هستند. چهره های بلند و باریک بر معنویت چهره آنها ، مهربانی انتزاعی آنها ، دور از همه دغدغه های دنیوی ، اما نسبت به دعای رنج کشان حساس هستند. مجسمه ساز به طرح کلی شکل کودارا کانون ، که در چارچوب لباس هایش پنهان شده بود ، توجه کرد و برخلاف شبح ناهموار یومدونو ، حرکت هر دو شکل و پارچه به طور عمیق انجام می شود. از نظر مشخصات ، کودارا کانن دارای شکل S برازنده ای است.

تنها نمونه باقیمانده از نقاشی که ایده ای در مورد سبک اوایل قرن 7 ارائه می دهد ، نقاشی تماموشی زوشی ، "پناهگاه بالدار" است. این پناهگاه مینیاتوری نام خود را از بالهای رنگین کمانی سوسک ها که در لبه های فلزی سوراخ دار تعبیه شده اند ، گرفته است. بعداً با ترکیبات مذهبی و چهره های شخصیت های جداگانه ، تزئین شده با لاک رنگی تزئین شد. مشابه مجسمه سازی این دوره ، برخی از تصاویر نشان دهنده آزادی زیاد طراحی است.

دوره نارا

(710-784). در سال 710 ، پایتخت به نارا منتقل شد ، شهری جدید با الگو برداری از پایتخت چین چانگان. خیابانهای وسیع ، کاخهای بزرگ ، معابد متعدد بودایی وجود داشت. نه تنها بودیسم در همه جنبه های آن ، بلکه کل زندگی فرهنگی و سیاسی چین به عنوان یک الگو تلقی می شد. شاید هیچ کشور دیگری تا این حد احساس ناتوانی فرهنگ خود را نکرده و چندان مستعد تأثیرات بیرونی نبوده است. دانشمندان و زائران آزادانه بین ژاپن و قاره حرکت می کردند و زندگی دولت و کاخ بر اساس الگویی که در چین در زمان سلسله تانگ وجود داشت ، الگوبرداری شد. با این حال ، باید به خاطر داشت که علیرغم تقلید از نمونه های تانگ چین ، به ویژه در هنر ، با درک نفوذ و سبک آن ، ژاپنی ها تقریباً همیشه اشکال دیگران را با خودشان تطبیق می دهند.

در مجسمه سازی ، تقابل و تقارن دقیق دوره قبلی Asuka جای خود را به اشکال آزادتری داد. توسعه مفهوم خدایان ، افزایش مهارت فنی و آزادی مالکیت مواد به هنرمندان اجازه می دهد تا تصاویر نمادین نزدیکتر و در دسترس تری خلق کنند. تأسیس فرقه های جدید بودایی ، پانتئون را گسترش داد و حتی مقدسین و بنیانگذاران بودیسم را نیز شامل شد. علاوه بر مجسمه سازی برنزی ، تعداد زیادی از آثار چوبی ، خاک رس و لاک نیز شناخته شده است. این سنگ کمیاب بود و تقریباً هرگز برای مجسمه سازی استفاده نمی شد. لاک خشک مخصوصاً محبوب بود ، شاید به این دلیل که با همه پیچیدگی های فرآیند تهیه ترکیب ، آثار حاصل از آن دیدنی تر از چوبی و قوی تر از محصولات سفالی ساخته شده بودند. اشکال لاک بر روی چوب یا خاک رس ، که سپس برداشته شد ، یا بر روی چوب یا سیم تقویت شد. آنها سبک و بادوام بودند. علیرغم این واقعیت که این تکنیک سفتی خاصی از حالت ها را تعیین می کند ، آزادی زیادی در به تصویر کشیدن چهره ها مجاز است ، که تا حدی به توسعه آنچه ممکن است مجسمه سازی پرتره نامیده شود کمک کرد. تصویر چهره الوهیت مطابق دستورات دقیق قوانین بودایی انجام شده است ، اما محبوبیت و حتی خدایی شدن برخی از بنیانگذاران و مبلغان ایمان فرصت های فوق العاده ای برای انتقال شباهت به چهره ارائه داد. این شباهت را می توان در مجسمه ساخته شده از لاک خشک پدرسالار چینی جنجین در ژاپن ، که در معبد توشداجی واقع شده است ، پیدا کرد. جنجین هنگام ورود به ژاپن در سال 753 نابینا بود ، و چشمان بی بین و حالت روشن فکر او در داخل توسط یک مجسمه ساز ناشناس به زیبایی منتقل می شود. این گرایش واقع بینانه به وضوح در مجسمه چوبی واعظ کوئی ، که توسط مجسمه ساز کوشو در قرن 13 و 14 ایجاد شده بود ، به وضوح بیان شد. واعظ لباس یک گدای سرگردان با عصا ، گونگ و چکش پوشیده است و از دهان نیمه باز او چهره های کوچکی از بودا بیرون می آید. مجسمه ساز که به تصویر یک راهب خواننده بسنده نکرد ، سعی کرد درونی ترین معنی کلمات خود را بیان کند.

تصاویر بودا در دوره نارا نیز با واقع گرایی بزرگ متمایز می شود. این معبد که برای تعداد روزافزون معابد طراحی شده است ، مانند قبل از خود آرام و خویشتن دار نیستند ، زیبایی و اشراف برازنده تری دارند و برای افرادی که آنها را با لطف بیشتری می پرستند جذاب است.

تعداد کمی از نقاشی های این زمان باقی مانده است. نقاشی چند رنگ روی کاغذ زندگی گذشته و حال بودا را به تصویر می کشد. این یکی از معدود نمونه های قدیمی نقاشی emakimono یا طومار است. طومارها به آرامی از راست به چپ باز می شوند و بیننده می تواند تنها از آن قسمتی از تصویر که بین دو دست در حال باز کردن طومار است لذت ببرد. برخلاف طومارهای بعدی ، جایی که قسمتی از متن با تصویر توضیحی جایگزین می شد ، تصاویر مستقیماً بالای متن قرار می گرفتند. در این قدیمی ترین نمونه های برجای مانده از نقاشی طومار ، پیکره های خطی در پس زمینه منظره ای به سختی ترسیم شده ، با شخصیت اصلی ، در این مورد Syaka ، در قسمت های مختلف ظاهر می شوند.

هایان اولیه

(784-897). در سال 784 ، پایتخت به طور موقت به Nagaoka منتقل شد ، تا حدی برای جلوگیری از تسلط روحانیت بودایی نارا. در سال 794 وی به مدت طولانی به شهر هیان (کیوتو کنونی) نقل مکان کرد. اواخر قرن 8 و 9 دوره ای بود که ژاپن با موفقیت ، بسیاری از نوآوری های خارجی را با ویژگی های خاص خود تطبیق داد. دین بودایی نیز زمان تغییر را تجربه کرد ، ظهور فرقه های جدید بودیسم باطنی ، با آیین و آداب توسعه یافته آن. از این میان ، فرقه های Tendai و Shingon که از هند سرچشمه گرفته بودند ، به چین رسیدند و از آنجا توسط دو دانشمند به ژاپن آورده شدند که پس از کارآموزی طولانی به خانه بازگشتند. فرقه شینگون ("کلمات واقعی") به ویژه در دادگاه مورد پسند واقع شد و به سرعت موقعیت غالب را به دست آورد. صومعه های اصلی آن در کوه کویا نزدیک کیوتو قرار داشت. مانند دیگر مراکز مهم بودایی ، آنها به مخزنی از مجموعه های عظیم آثار هنری تبدیل شده اند.

مجسمه سازی قرن 9. بیشتر چوبی بود تصاویر خدایان با شدت و عظمت غیرقابل دسترس آنها متمایز می شد ، که با جلوه ظاهری و انبوه آنها تأکید می شد. پارچه های پارچه ای به طرز ماهرانه ای بر اساس الگوهای استاندارد بریده می شدند و روسری ها موج می زدند. شکل ایستاده شکی از معبد مروجی نمونه ای از این سبک است. برای این و تصاویر مشابه قرن 9. با یک نخ سفت با چین های عمیق تر و سایر جزئیات مشخص می شود.

افزایش تعداد خدایان مشکلات بزرگی را برای هنرمندان ایجاد کرد. در ماندالاهای پیچیده و شبیه کارت (الگوی هندسی با معنای جادویی) ، خدایان بر اساس سلسله مراتب اطراف بودا در مرکز قرار گرفته بودند ، که خود تنها یکی از مظاهر مطلق بود. در این زمان ، شیوه جدیدی از به تصویر کشیدن خدایان نگهبان احاطه شده توسط شعله ها ، در ظاهر وحشتناک ، اما از نظر ماهیت نیکوکار ظاهر شد. این خدایان به صورت نامتقارن واقع شده بودند و در حالت های متحرک به تصویر کشیده شده بودند ، با ویژگی های چهره ای ترسناک که به شدت از ایمان در برابر خطرات احتمالی دفاع می کرد.

دوره میانی و اواخر هیان یا دوره فوجی وارا

(898-1185). انتقال پایتخت به هیان ، به منظور فرار از خواسته های دشوار روحانیت ، باعث تغییراتی در نظام سیاسی شد. اشراف نیروی غالب بودند و خانواده فوجی وارا مشخص ترین نمایندگان آن شدند. دوره 10-12 قرن. اغلب با این نام مرتبط است دوره ای از قدرت ویژه آغاز شد ، هنگامی که به امپراتورهای واقعی "شدیداً توصیه" شد که امور دولتی را به خاطر کارهای دلپذیرتر شعر و نقاشی کنار بگذارند. تا زمان بلوغ ، امپراتور تحت فرمانروایی شدید - معمولاً از خانواده فوجی وارا - اداره می شد. این عصر تجملات و دستاوردهای قابل توجهی در ادبیات ، خوشنویسی و هنر بود. در همه چیز تنبلی و احساساتی وجود داشت که به ندرت به عمق می رسید ، اما در کل جذاب بود. پیچیدگی زیبا و فرار از واقعیت در هنر این زمان منعکس شد. حتی پیروان بودیسم به دنبال راههای ساده تری بودند و پرستش بودای آسمانی ، آمیدا ، محبوبیت خاصی پیدا کرد. تصورات شفقت و لطف نجات دهنده بودا آمیدا عمیقا در نقاشی و مجسمه سازی این دوره منعکس شد. انبوه و مهار مجسمه های قرن 9. در قرن های 10-11 جای خود را به سعادت و جذابیت داد خدایان به صورت رویایی ، آرام و متفکرانه به تصویر کشیده شده اند ، کنده کاری عمیق تر نمی شود ، سطح آن رنگارنگ تر است ، با بافتی بسیار توسعه یافته. مهمترین آثار تاریخی این دوره متعلق به مجسمه ساز جوچو است.

آثار هنرمندان همچنین دارای ویژگی های نرم تری بود ، شبیه نقاشی روی پارچه و حتی خدایان وحشتناک - مدافعان ایمان کمتر ارعاب می کردند. سوتراس (متون بودایی) با رنگ طلایی و نقره ای روی کاغذ با رنگ آبی عمیق نوشته شده بود ، خطاطی زیبا از متن اغلب با یک تصویر کوچک مقدم شده بود. مشهورترین شاخه های بودیسم و ​​خدایان مرتبط با آنها نشان دهنده ترجیحات اشراف و خروج تدریجی از آرمان های خشن بودیسم اولیه است.

فضای این زمان و آثار او تا حدی مربوط به خاتمه روابط رسمی با چین در سال 894 است. بودیسم در چین در آن زمان مورد آزار و اذیت قرار گرفت و دادگاه فاسد تانگ در حال افول بود. وجود جزیره خلوت که به دنبال این قطع روابط انجام شد ، ژاپنی ها را واداشت تا به فرهنگ خود روی آورند و سبک جدید و تمیزتر ژاپنی را توسعه دهند. در واقع ، نقاشی سکولار قرن 10-12. تقریباً ژاپنی بود - هم در تکنیک و هم در ترکیب بندی و موضوعات. ویژگی بارز این طومارهای ژاپنی ، به نام yamato-e ، رواج توطئه های engi (مبدا ، تاریخ) بود. در حالی که طومارهای چینی اغلب طبیعت شگفت انگیز عظیم ، چشم اندازهای کوه ها ، نهرها ، صخره ها و درختان را به تصویر می کشیدند و مردم نسبتاً بی اهمیت به نظر می رسیدند ، در طومارهای روایی ژاپنی ، شخص اصلی و متن اصلی بود. منظره فقط نقش زمینه ای برای داستان بیان شده ، تابع شخصیت یا افراد اصلی دارد. بسیاری از طومارها وقایع نگاری زندگی واعظان مشهور بودایی یا شخصیت های تاریخی ، سفرها و مبارزات نظامی آنها را ترسیم کردند. دیگران در مورد قسمت های عاشقانه از زندگی اشراف و درباریان گفتند.

سبک متمایز طومارهای اولیه از طرح های ساده جوهر در صفحات دفترهای بودایی نشأت می گیرد. اینها نقاشی های ماهرانه ای هستند که به طرز کاریکاتوری رفتار انسان را از طریق تصاویر حیوانات منتقل می کنند: میمونی با لباس رهبانی ، پرستش قورباغه ای باد کرده ، مسابقه ای بین خرگوش ها ، میمون ها و قورباغه ها. این طومارها و دیگر طومارهای هایان بعدی به عنوان پایه ای برای طومارهای پیچیده تری از شیوه توسعه یافته قرن 13 و 14 عمل کردند.

دوره کاماکورا

(1185-1392). پایان قرن دوازدهم تغییرات عمده ای در زندگی سیاسی و مذهبی ژاپن و البته هنر آن ایجاد کرد. ظرافت و زیبایی شناسی دربار کیوتو جایگزین شد یا در سنت دولت "ویژه" ، در قالب یک قاعده جدید جدید ، سختگیرانه و شجاعانه - شواگانی کاماکورا "اضافه شد". اگرچه کیوتو به طور پایتخت همچنان پایتخت باقی ماند ، اما شوگان میناموتو نو یوریتومو (1147-1999) مقر خود را در کاماکورا تأسیس کرد و تنها در 25 سال یک سیستم سفت و سخت دیکتاتوری نظامی و فئودالیسم را ایجاد کرد. بودیسم ، كه به قدری پیچیده و آیینی شده بود كه فهم آن برای مردم عادی عادی دشوار بود ، نیز دستخوش تغییرات عمده ای شد ، كه به هیچ وجه حمایت از هنرها را نوید نمی داد. فرقه یودو ("سرزمین خالص") ، نوعی پرستش بودا آمیدا ، تحت رهبری هونن شونین (1133-1212) ، سلسله مراتب بوداها و خدایان را اصلاح کرد و به همه کسانی که به سادگی به آمیدا اعتقاد داشتند ، نجات بخشید. این آموزه درباره بهشتی که به آسانی قابل دستیابی است بعداً توسط راهب دیگری به نام شینران (1173-1262) ، بنیانگذار فرقه گناه ، ساده شد و تشخیص داد که اغماض آمیدا آنقدر زیاد است که نیازی به اعمال مذهبی ندارد ، کافی است به سادگی شعار "نامو آمیدا بوتسو" را تکرار کنید (کلمه اول به معنی "اطاعت" است ؛ دو مورد دوم "بودا آمیدا"). این روش ساده برای نجات روح بسیار جذاب بود و اکنون میلیون ها نفر از آن استفاده می کنند. یک نسل بعد ، واعظ مبارز نیچیرن (1222–1282) ، که فرقه به نام او نامگذاری شده است ، این شکل ساده دین را رها کرد. پیروان او لوتوس سوترا را می پرستیدند ، که نجات فوری و بی قید و شرط را نوید نمی داد. او در خطبه های خود غالباً به موضوعات سیاسی می پرداخت و اعتقادات وی و اصلاحات پیشنهادی کلیسا و ایالت با استقبال کلاس نظامی جدید در کاماکورا مواجه شد. سرانجام ، فلسفه ذن ، که در اوایل قرن 8 ظهور کرد ، نقش فزاینده ای در اندیشه بودایی این دوره ایفا کرد. ذن بر اهمیت مدیتیشن و تحقیر هرگونه تصویری که بتواند در تمایل فرد برای ارتباط با خدا اختلال ایجاد کند ، تأکید کرد.

بنابراین ، این زمانی بود که اندیشه دینی تعداد نقاشی ها و مجسمه هایی را که قبلاً برای عبادت مورد نیاز بود ، محدود می کرد. با این وجود ، برخی از بهترین آثار هنری ژاپنی در دوره کاماکورا تولید شدند. محرک عشق به هنر در ذات ژاپنی ها بود ، اما کلید راه حل در نگرش مردم به ایمان های جدید نه در اصول جزم به این شکل است. در واقع ، آثار خود دلیل ایجاد آنها را نشان می دهند ، زیرا بسیاری از این مجسمه ها و نقاشی های سرشار از زندگی و انرژی ، پرتره هستند. اگرچه فلسفه ذن ممکن است اشیاء عادی مذهبی را مانعی برای روشنگری تلقی کند ، اما سنت تجلیل از معلمان کاملاً قابل قبول بود. این پرتره به خودی خود نمی تواند مورد عبادت باشد. این نگرش به پرتره نه تنها برای بودیسم ذن مشخص بود: بسیاری از خدمتگزاران فرقه سرزمین پاک تقریباً مانند خدایان بودایی مورد احترام بودند. به لطف پرتره ، یک شکل معماری جدید حتی ظاهر شد - mieido ، یا کلیسای پرتره. توسعه سریع رئالیسم کاملاً در روح زمانه بود.

علیرغم این واقعیت که پرتره های تصویری کشیشان ، بدیهی است ، در واقع تصاویر افراد خاصی بودند ، اغلب آنها نقاشی هایی بودند که بنیانگذاران چینی بودایی را به تصویر می کشیدند. آنها به عنوان واعظ نقاشی شده بودند ، دهان باز بود ، دست ها اشاره می کردند. گاهی راهبان دلسوز به تصویر کشیده می شدند که مسیر دشواری را برای جلال ایمان ایجاد می کردند.

یکی از محبوب ترین موضوعات رایگو (محله خوش آمدید) بود که بودا آمیدا را به همراه همراهانش نشان می داد که بر روی ابر فرود می آید تا روح مieمن را در بستر مرگ نجات دهد و به بهشت ​​منتقل کند. رنگ چنین تصاویری غالباً با طلای روکش شده تقویت می شد و خطوط موج دار ، شنل های تکان دهنده ، ابرهای در حال چرخش ، حرکتی را در نزول بودا ایجاد می کرد.

Unkei ، که در نیمه دوم قرن 12 و اوایل قرن 13 کار می کرد ، نویسنده نوآوری ای بود که منبت کاری را تسهیل می کرد ، که در دوران کاماکورا به عنوان مورد علاقه مجسمه سازان باقی ماند. قبلاً ، استاد با اندازه و شکل چوب یا چوب که شکل از آن کنده شده بود ، محدود می شد. دست ها و لباس ها جداگانه استفاده می شد ، اما قطعه نهایی اغلب شبیه شکل استوانه ای اصلی بود. در تکنیک جدید ، ده ها قطعه کوچک با دقت بر روی یکدیگر تنظیم شدند و هرمی توخالی را تشکیل دادند ، که از آن پس شاگردان می توانستند تقریباً یک شکل را برش دهند. به مجسمه ساز مواد چکش پذیر و توانایی ایجاد اشکال پیچیده تر داده شد. محافظان عضلانی معبد و خدایان در شنل ها و روپوش های جاری نیز زنده تر به نظر می رسیدند زیرا کریستال یا شیشه در کاسه چشم آنها وارد می شد. مجسمه ها با برنز طلاکاری شده شروع به تزئین کردند. با خشک شدن چوب آنها سبک تر شده و احتمال ترک خوردن آنها کمتر می شود. مجسمه چوبی فوق الذکر کویا شونین ، اثر کوشو ، پسر اونکی ، بالاترین دستاورد رئالیسم کاماکورا را در مجسمه سازی پرتره نشان می دهد. در واقع ، مجسمه سازی در آن زمان در توسعه خود به اوج خود رسید و متعاقباً دیگر چنین جایگاه برجسته ای در هنر نداشت.

نقاشی سکولار نیز نشان دهنده روح زمانه است. طومارهای روایی دوره اواخر هیان ، در رنگهای محدود و خطوط دلپذیر ، در مورد فرارهای عاشقانه شاهزاده جنجی یا در مورد سرگرمی درباریان گوشه گیر گفت. اکنون هنرمندان دوران کاماکورا با رنگ های زنده و ضربات پرانرژی ، جنگهای طوایف متخاصم ، کاخهای شعله ور شده از آتش و ترس افراد فرار از نیروهای مهاجم را به تصویر کشیده اند. حتی هنگامی که یک داستان مذهبی بر روی طومار آشکار می شد ، این تصویر به عنوان یک نماد تاریخی به عنوان سفر تاریخی افراد مقدس و معجزاتی که آنها انجام می دادند ، نیست. در طراحی این قطعه ها می توان عشق فزاینده ای به طبیعت و تحسین مناظر بومی پیدا کرد.

Muromachi ، یا دوره Ashikaga

(1392-1568). در سال 1392 ، پس از بیش از 50 سال درگیری ، سومین شوگان آشیکاگا ، یوشیمیتسو (1358-1408) ، این کشور را دوباره متحد کرد. مقر دولت دوباره به پایتخت اصلی کیوتو تبدیل شد ، جایی که شوگان آشیکاگا در محله موروماچی کاخ های خود را ساختند. (این دوره یا موروماچی یا آشیکاگا نامیده می شود.) زمان جنگ از بسیاری از معابد - مخازن هنر ژاپنی ، که به همراه گنجینه هایی که در آنجا بود سوزانده شد ، رحم نکرد. این کشور به شدت ویران شد و حتی جهان نیز آرامش چندانی به همراه نداشت ، زیرا قبایل متخاصم ، با دستیابی به موفقیت ، به هوی و هوس خود لطف کردند. به نظر می رسد که وضعیت برای توسعه هنر بسیار نامطلوب است ، اما در واقع شوگان آشیکاگا از او حمایت کردند ، به ویژه در قرن های 15 و 16 ، هنگامی که نقاشی شکوفا شد.

مهمترین پدیده های هنری این زمان شعر تک رنگ با جوهر بود که توسط بودیسم ذن تشویق شد و تحت تأثیر نمونه های چینی از سلسله های سونگ و یوان قرار گرفت. در زمان سلسله مینگ (1368-1644) ، ارتباطات با چین تجدید شد و یوشیمیتسو ، گردآورنده و حامی هنرها ، جمع آوری و مطالعه نقاشی چینی را تشویق کرد. او الگو و نقطه شروع هنرمندان با استعدادی شد که با قلم موهای سبک و روان ، مناظر ، پرندگان ، گلها ، تصاویر کاهنان و حکیمان را نقاشی کردند. نقاشی ژاپنی این زمان با صرفه جویی در خط مشخص می شود. به نظر می رسد که هنرمند ویژگی اصلی طرح را استخراج می کند ، و نگاه بیننده را مجبور می کند تا آن را با جزئیات پر کند. انتقال جوهر سیاه خاکستری و براق در این نقاشی ها بسیار نزدیک به فلسفه ذن است ، که مطمئناً از نویسندگان آنها الهام گرفته است. اگرچه این آموزه در دوران حکومت نظامی کاماکورا تأثیر قابل توجهی داشت ، اما در قرن های 15 و 16 ، هنگامی که صومعه های متعدد ذن بوجود آمد ، به سرعت گسترش یافت. در حالی که عمدتا ایده "نجات خود" را تبلیغ می کرد ، رستگاری را با بودا مرتبط نمی کرد ، اما بیشتر به نظم و انضباط شدید انسان تکیه می کرد تا به یک "روشنگری" ناگهانی شهودی برسد که او را با مطلق متحد می کند. استفاده اقتصادی اما جسورانه از جوهر و ترکیب نامتقارن ، که در آن تکه های کاغذ رنگ نشده نقش مهمی در تصاویر مناظر ایده آل ، حکیمان و دانشمندان ایفا می کرد ، در راستای این فلسفه بود.

یکی از مشهورترین نمایندگان sumi-e ، سبک نقاشی مرکب تک رنگ ، Sesshu (1420-1506) بود ، یک کشیش ذن که زندگی طولانی و ثمربخش او را برای احترام ماندگار به ارمغان آورد. در پایان عمر ، او شروع به استفاده از سبک haboku (جوهر سریع) کرد ، که برخلاف سبک بالغ ، که نیاز به ضربه های روشن و اقتصادی داشت ، سنت نقاشی تک رنگ را تقریباً به صورت انتزاعی درآورد.

در همان دوره شاهد فعالیت خانواده هنرمندان کانو و توسعه سبک آنها بود. از نظر انتخاب موضوعات و استفاده از جوهر ، او به چینی نزدیک بود ، اما از نظر وسایل بیانی آن ژاپنی باقی ماند. کانو ، با حمایت شوگونات ، به مکتب یا سبک هنری نقاشی "رسمی" تبدیل شد و در اوایل قرن 19 شکوفا شد.

سنت ساده لوحانه یاماتو در آثار مکتب توسا به حیات خود ادامه داد ، دومین گرایش مهم در نقاشی ژاپنی. در واقع ، در آن زمان ، هر دو مدرسه ، کانو و توسا ، ارتباط نزدیکی با یکدیگر داشتند ، آنها با علاقه به زندگی مدرن متحد شده بودند. Motoonobu Kano (1476-1559) ، یکی از هنرمندان برجسته این دوره ، نه تنها دخترش را با هنرمند معروف توسا ازدواج کرد ، بلکه به شیوه او نقاشی کرد.

در قرون 15 و 16. تنها چند اثر مجسمه سازی برجسته ظاهر شد. با این حال ، باید توجه داشت که توسعه درام نو با انواع حالات و احساسات ، زمینه جدیدی برای فعالیت مجسمه سازان ایجاد کرد - آنها ماسک هایی را برای بازیگران برش دادند. در نمایشنامه های کلاسیک ژاپنی که توسط اشراف اجرا می شد و برای اشراف ، بازیگران (یک یا چند نفر) از ماسک استفاده می کردند. آنها طیف وسیعی از احساسات را از ترس ، اضطراب و سردرگمی تا خویشتن داری محدود کردند. برخی از ماسک ها آنقدر زیبا حک شده بودند که کوچکترین چرخش سر بازیگر باعث ایجاد تغییرات ظریف در بیان احساسات شد. نمونه های شگفت انگیزی از این ماسک ها سال ها توسط خانواده هایی که اعضای آنها ساخته شده اند نگهداری می شود.

دوره مومویاما

(1568-1615). در سال 1593 ، دیکتاتور نظامی بزرگ هیدیوشی قلعه خود را در مومویاما ، "هلو هیل" ساخت ، و این نام معمولاً برای تعریف دوره 47 ساله از سقوط شوگانات آشیکاگا تا استقرار دوره توکوگاوا یا ادو استفاده می شود. در سال 1615. این زمان تسلط یک طبقه نظامی کاملاً جدید بود که ثروت زیاد آن به شکوفایی هنر کمک کرد. در اواخر قرن شانزدهم ، قلعه های چشمگیر با اتاقهای وسیع تماشاگران و راهروهای طولانی مد شد. و خواستار تزئیناتی متناسب با عظمت آنها شد. این زمان افراد خشن و شجاع بود و حامیان جدید برخلاف اشراف سابق علاقه خاصی به کارهای فکری یا پیچیدگی های صنعتگری نداشتند. خوشبختانه نسل جدید هنرمندان در راستای حمایت از حامیان خود بودند. در این دوره ، صفحه های شگفت انگیز و پانل های متحرک به رنگ های سرمه ای روشن ، زمرد ، سبز ، بنفش و آبی ظاهر شد. چنین رنگهای پر جنب و جوش و اشکال تزئینی ، اغلب در زمینه طلا یا نقره ، صد سال است که بسیار محبوب بوده است و سازندگان آنها به درستی "دکوراتورهای بزرگ" نامیده شده اند. به لطف طعم ظریف ژاپنی ، سبک سرسبز به ابتذال تبدیل نشد و حتی وقتی خویشتن داری و کم اهمیتی جای خود را به افراط لوکس و تزئینی داد ، ژاپنی ها توانستند ظرافت خود را حفظ کنند.

ایتوکو کانو (1543-1590) ، یکی از اولین نقاشان بزرگ این دوره ، به سبک کانو و توسا کار کرد و مفهوم ترسیم اولی را گسترش داد و آنها را با غنای رنگهای دوم ترکیب کرد. اگرچه تنها چند اثر باقی مانده وجود دارد که می توان با خیال راحت به ایتوکو اعتبار داد ، اما او یکی از بنیانگذاران سبک مومویاما محسوب می شود و اکثر هنرمندان این دوره شاگردان وی بودند یا تحت تأثیر او بودند.

ادو ، یا دوره توکوگاوا

(1615-1867). دوره طولانی صلح که برای ژاپن متحد شده است یا زمان توکوگاوا ، پس از نام حاکم ، یا ادو (توکیو امروزی) نامیده می شود ، زیرا در سال 1603 این شهر به مرکز جدید قدرت تبدیل شد. دو ژنرال معروف دوره کوتاه مومویاما ، اودا نوبوناگا (1534-1582) و تویوتومی هیدیوشی (1536-1598) ، با اقدامات نظامی و دیپلماسی ، سرانجام توانستند طایفه های قدرتمند و روحانیت مبارز را آشتی دهند. با مرگ هیدیوشی در سال 1598 ، قدرت به اییاسو توکوگاوا (1616- 1542) رسید ، که فعالیتهای مشترک را به طور کامل تکمیل کرد. نبرد سرنوشت ساز سکیگاهارا در سال 1600 موقعیت ایه یاسو را تقویت کرد ، سقوط قلعه اسکو در سال 1615 با فروپاشی نهایی خانه هیدیاشی و ایجاد سلطه تقسیم نشده بر شوگانات توکوگاوا همراه شد.

حکومت مسالمت آمیز توکوگاوا 15 نسل به طول انجامید و تنها در قرن 19 به پایان رسید. این عمدتا دوره سیاست "درهای بسته" بود. با فرمان 1640 ، ورود خارجیان به ژاپن ممنوع شد و ژاپنی ها اجازه سفر به خارج را نداشتند. تنها ارتباط تجاری و فرهنگی با هلندی ها و چینی ها از طریق بندر ناگازاکی بود. مانند سایر دوره های انزوا ، احساسات ملی افزایش یافت و در پایان قرن 17 پدیدار شد. به اصطلاح مدرسه نقاشی و حکاکی ژانر.

پایتخت سریع ادو نه تنها مرکز زندگی سیاسی و تجاری امپراتوری جزیره ، بلکه مرکز هنرها و صنایع دستی نیز شد. شرطی که دائمیو ، فئودالهای استانی ، هر سال در قسمت خاصی از پایتخت باشند ، نیاز به ساختمانهای جدید ، از جمله کاخ ها ، و بنابراین هنرمندان را برای تزئین آنها ایجاد کرد. در همان زمان ، طبقه نوظهور بازرگانان ثروتمند اما غیر اشرافی از حمایت های جدید و غالبا غیرحرفه ای هنرمندان برخوردار بودند.

هنر دوره اولیه ادو تا حدی ادامه دارد و سبک مومویاما را تقویت می کند و گرایش به تجمل و شکوه را تقویت می کند. ثروت تصاویر عجیب و چند رنگی که از دوره قبل به ارث رسیده است همچنان در حال توسعه است. این سبک تزئینی در ربع آخر قرن 17 به اوج خود رسید. به اصطلاح دوران جنروکو در دوره توکوگاوا (1688-1703). در هنرهای تزئینی ژاپنی ، این هیچ شباهتی در اسراف و غنای رنگ و نقوش تزئینی در نقاشی ، پارچه ها ، لاک ها ، در جزئیات هنری - ویژگی های یک سبک زندگی مجلل وجود ندارد.

از آنجا که ما در مورد یک دوره نسبتاً دیر در تاریخ صحبت می کنیم ، تعجب آور نیست که نام بسیاری از هنرمندان و آثار آنها باقی مانده است. در اینجا می توان تنها چند مورد از برجسته ترین آنها را نام برد. از جمله نمایندگان مدرسه تزئینی که در دوران مومویاما و ادو زندگی و کار می کردند ، می توان هونامی کوئتسو (1637-1558) و نونومورا سوتاتسو (فوت 1643) نام برد. آثار آنها حس قابل توجهی از طراحی ، ترکیب و رنگ را نشان می دهد. کوتسو ، هنرمند سرامیک و لاک با استعداد ، به دلیل زیبایی خط خود مشهور بود. آنها به همراه سوتاتسو شعرهایی ساختند که در آن زمان روی طومارها مد بود. در این ترکیب ادبیات ، خوشنویسی و نقاشی ، تصاویر صرفاً یک تصویر نبوده اند: آنها حالتی ایجاد کرده یا فرض کرده اند که با درک متن مطابقت دارد. اوگاتا کورین (1658-1716) یکی از وارثان سبک تزئینی بود و به همراه برادر کوچکترش اوگاتا کنزن (1663-1743) تکنیک آن را کامل کردند. کنزن ، که بیشتر به عنوان سرامیک شناخته می شود تا هنرمند ، کشتی هایی را با نقاشی های برادر بزرگتر مشهور خود روی آنها شلیک کرد. احیای این مدرسه در آغاز قرن نوزدهم. توسط شاعر و هنرمند Sakai Hoitsu (1761-1828) آخرین موج سبک تزئینی بود. طومارها و صفحه های زیبای هوریتسو حس طراحی کورین را با طبیعت گرایی مکتب مارویاما ترکیب کرد ، که در غنای رنگ و نقوش تزئینی ذاتی دوره قبل منعکس شد ، که با شکوه و لطف حرکت قلم مو مانع شد.

در کنار سبک تزئینی چند رنگ ، نقاشی سنتی جوهر مدرسه کانو همچنان محبوب بود. در سال 1622 ، کانو تانیو (1602-1674) به عنوان نقاش دربار شوگون منصوب شد و به ادو احضار شد. با انتصاب وی به این سمت و تأسیس مدرسه نقاشی کانو در ادو ، در کوبیکیتو ، نیم قرن رهبری هنری این سنت آغاز شد ، که خانواده کانو را به شهرت رساند و آثار دوره ادو را شاخص ترین کرد. در نقاشی کانو علیرغم محبوبیت صفحه های رنگ آمیزی شده با طلا و رنگهای روشن ، که توسط "دکوراتورهای بزرگ" و رقبا ایجاد شده است ، تانیو ، به لطف استعداد و موقعیت رسمی خود ، توانست نقاشی مدرسه احیا شده کانو را در بین اشراف محبوب کند. به ویژگیهای سنتی مکتب کانو ، تانیو قدرت و سادگی را بر اساس خط خطی سفت و سخت و چیدمان متفکرانه عناصر ترکیب بر روی یک سطح آزاد بزرگ افزود.

یک روند جدید ، که در آن ویژگی اصلی علاقه به طبیعت بود ، در پایان قرن 18 رواج یافت. مارویاما اوکیو (1733-1795) ، رئیس مدرسه جدید ، دهقان بود ، سپس روحانی شد و در نهایت هنرمند شد. دو کلاس اول برای او نه خوشبختی و نه موفقیت به ارمغان آورد ، اما او به عنوان یک هنرمند به ارتفاعات زیادی رسید و بنیانگذار مکتب واقع گرای مارویاما محسوب می شود. او با استاد مدرسه کانو ایشیدا یوتی (درگذشت C. 1785) درس خواند. بر اساس حکاکی های وارداتی هلندی ، او تکنیک غرب نمایشی از چشم انداز را درک کرد ، و گاهی اوقات به سادگی این حکاکی ها را کپی کرد. او همچنین سبکهای چینی از سلسله های سونگ و یوان را مطالعه کرد ، از جمله سبک ظریف و واقع گرایانه چن ژوان (1235-11290) و شن نانپینگ. دومی در آغاز قرن 18 در ناگازاکی زندگی می کرد. اوکیو کارهای زیادی از طبیعت انجام داد ، و مشاهدات علمی او به عنوان پایه ای برای درک طبیعت که مکتب مارویاما بر آن استوار بود ، عمل کرد.

علاوه بر علاقه به طبیعت گرایی در قرن 18. تأثیر سنت هنری چین تجدید شد. نمایندگان این گرایش به سمت مکتب نقاشی هنرمندان و دانشمندان دوره مینگ (1368-1644) و چینگ (1644-1912) متمایل شدند ، اگرچه ، احتمالاً ، ایده های آنها در مورد وضعیت فعلی هنر در چین محدود بود. هنر این مدرسه ژاپنی bujinga (هنر افراد تحصیل کرده) نامیده می شد. یکی از تأثیرگذارترین هنرمندان جوان ، ایکنو تایگا (1723-1776) ، نقاش و خوشنویس مشهور بود. سبک بالغ آن با خطوط کانتور ضخیم پر از ضربه های سبک و رنگهای روشن و ریمل مژه و ابرو مشخص می شود. او همچنین با نوارهای گسترده و سست جوهر سیاه نقاشی کرد که تنه های بامبو را در زیر باد و باران خم کرده است. به طور خلاصه ، خطوط منحنی ، او بر روی کوه های مه آلود بالای دریاچه ای که جنگل احاطه کرده است ، اثری شبیه به نقش و نگار ایجاد کرد.

قرن 17 جنبش هنری قابل توجه دیگری در دوره ادو پدید آورد. این به اصطلاح ukiyo-e (تصاویری از جهان در حال تغییر) صحنه های ژانری است که توسط و برای مردم عادی ایجاد شده است. ukiyo-e اولیه در پایتخت قدیمی کیوتو ظاهر شد و بیشتر زیبا بود. اما مرکز تولید آنها به زودی به ادو منتقل شد و توجه صنعتگران بر حکاکی چوب متمرکز شد. ارتباط نزدیک نجاری با ukiyo-e منجر به این تصور غلط شده است که نجاری کشف این دوره است. در واقع ، این در اوایل قرن 11 پدید آمد. این تصاویر اولیه دارای ماهیت نذری بودند ، بنیانگذاران بودا و خدای را به تصویر می کشیدند ، و در دوره کاماکورا ، برخی از طومارهای روایی از بلوک های تراشیده بازتولید شد. با این حال ، هنر حکاکی در دوره ای از اواسط قرن 17 تا 19 محبوبیت خاصی پیدا کرد.

موضوعات به تصویر کشیده شده از چاپ های ukiyo-e ، کورتن های زیبای محله های شاد ، بازیگران مورد علاقه و صحنه های درام بودند. زودهنگام ، به اصطلاح حکاکی های اولیه سیاه و سفید با خطوط موج دار موزون قوی و طرح های ساده بودند. آنها گاهی با رنگ نارنجی-قرمز به نام tan-e (نقاشی های قرمز روشن) ، با خردل زرد و علائم سبز رنگ آمیزی می شدند. برخی از هنرمندان "ابتدایی" از نقاشی دستی به نام urusyu-e (نقاشی با لاک) استفاده کردند ، که در آن مناطق تیره با افزودن چسب افزایش یافته و روشن شده بود. چاپ اولیه چند رنگی که در سال 1741 یا 1742 ظاهر شد benizuri-e (چاپ زرشکی) نام داشت و معمولاً از سه رنگ قرمز رز ، سبز و گاهی زرد استفاده می کرد. واقعاً حکاکی های چند رنگ با استفاده از کل پالت به نام nishiki-e (تصاویر بروکر) در سال 1765 ظاهر شد.

علاوه بر ایجاد چاپهای شخصی ، بسیاری از حکاکان کتابها را تصویرسازی کرده و با ساختن تصاویر شهوانی در کتابها و روی طومارها درآمد کسب کردند. باید در نظر داشت که حکاکی ukiyo-e شامل سه نوع فعالیت بود: این کار طراح نقشه کشی بود که نام چاپ بر روی آن چاپ شده بود ، کارور و چاپگر.

نیسیکاوا مورونوبو (حدود 1625-1694) ، سنت سنت ایجاد چاپهای ukiyo-e در نظر گرفته می شود. سایر هنرمندان "ابتدایی" در این جهت-کیوماسو (1616-1716) و گروه کایگتسودو (مشارکت عجیب هنرمندان ، که وجود آنها نامشخص است) ، و همچنین اوکومورا ماسانوبو (1686-1764).

هنرمندان انتقالی که حکاکی بنزوری را ایجاد کردند عبارت بودند از ایشیکاوا توئونوبو (1711-1785) ، توری کیوهیرو (حدود 1751-1760) و توری کیومیتسو (1735-1785).

آثار سوزوکی هارونوبو (1725–1770) دوران حکاکی چند رنگ را باز می کند. پر شده از رنگهای ملایم و تقریباً خنثی ، پر از خانمهای زیبا و عاشقان مجلل ، چاپهای هارونوبو موفقیت بزرگی بود. کاتسوکاوا شونشو (1726-1792) ، توری کیناگا (1752-1815) و کیتاگاوا اوتامارو (1753-1806) تقریباً همزمان با او کار کردند. هر یک از آنها به توسعه این ژانر کمک کردند. استادان چاپ زیبایی های برازنده و بازیگران مشهور را به کمال رساندند. چندین ماه در 1794-1795 ، توزوسای ساراکو مرموز پرتره های فوق العاده قوی و صریح وحشیانه ای از بازیگران آن روزها ایجاد کرد.

در دهه های اول قرن 19 م. این ژانر به بلوغ رسید و شروع به افول کرد. کاتسوشیکا هوکوسای (1760-1849) و آندو هیروشیگه (1797-1858) بزرگترین استادان آن دوره هستند ، که کار آنها با زوال هنر حکاکی قرن 19 مرتبط است. و احیای جدید آن در آغاز قرن بیستم. هر دو در درجه اول نقاشان منظره بودند و وقایع زندگی مدرن را در حکاکی های خود ثبت می کردند. تسلط درخشان بر تکنیک حکاکان و چاپگرها امکان انتقال خطوط غریب و کوچکترین سایه های غروب آفتاب یا مه مه طلوع را در حکاکی فراهم می آورد.

مرمت میجی و دوره مدرن

اغلب اتفاق می افتد که هنر باستانی یک قوم خاص از نظر نام ، تاریخ و آثار حفظ شده ضعیف است ، بنابراین هر گونه قضاوت فقط با احتیاط و قراردادهای زیاد قابل انجام است. با این حال ، قضاوت در مورد هنر معاصر کار چندان دشواری نیست ، زیرا ما از منظر تاریخی برای ارزیابی صحیح مقیاس هر جهت یا هنرمند و آثار او محروم هستیم. مطالعه هنر ژاپنی نیز از این قاعده مستثنی نیست و بیشترین کاری که می توان انجام داد ، ارائه یک نمای کلی از هنر معاصر و نتیجه گیری اولیه اولیه است.

در نیمه دوم قرن 19 م. بنادر ژاپن برای تجارت بازگشایی شد و تغییرات عمده ای در صحنه سیاسی رخ داد. در سال 1868 ، شوگونات لغو شد و حکومت امپراتور میجی بازگردانده شد. پایتخت و محل اقامت امپراتور به ادو منتقل شد و خود این شهر به توکیو (پایتخت شرقی) معروف شد.

همانطور که در گذشته اتفاق افتاده است ، پایان انزوای ملی علاقه زیادی را به دستاوردهای دیگر ملت ها برانگیخته است. در این مدت ، ژاپنی ها جهش بزرگی را در زمینه علم و فناوری انجام دادند. از نظر هنری ، آغاز دوران میجی (1868-1912) نشان دهنده پذیرش همه چیز غربی ، از جمله فناوری است. با این حال ، این غیرت چندان دوام نیاورد و پس از آن دوره ای از جذب ، ظهور اشکال جدید ، ترکیبی از بازگشت به سنت های خود و روندهای جدید غربی را به دنبال داشت.

در میان هنرمندان ، کانو هوگای (1828-1888) ، شیمومورا کانزن (1873-1916) ، تاکوچی سیهو (1864-1924) و تومیوکا تسای (1836-1942) مشهور شدند. سه نفر اول به سبک و موضوعات سنتی ژاپنی پایبند بودند ، اگرچه سعی کردند اصالت را در خلق و خوی و تکنیک نشان دهند. به عنوان مثال ، سیهو در فضای آرام و محافظه کار کیوتو کار می کرد. آثار اولیه او به شیوه طبیعت گرایانه مارویاما خلق شد ، اما بعداً او سفرهای زیادی در چین انجام داد و تحت تأثیر نقاشی جوهر چینی قرار گرفت. سفرهای او به موزه ها و مراکز هنری برجسته در اروپا نیز اثری در آثار وی برجای گذاشت. از بین همه هنرمندان برجسته این زمان ، تنها یک Tomioka Tessai به توسعه سبک جدیدی نزدیک شد. در آثار پر انرژی و پر جنب و جوش او ، خطوط خشن ، خمیده ، ناهموار و لکه های جوهر سیاه با لکه های ظریف رنگی ترکیب شده است. در سالهای بعد ، برخی از نقاشان جوان نفت موفق شدند جایی که پدربزرگشان شکست خوردند. اولین تلاش ها برای کار با این ماده غیرمعمول شبیه بوم های پاریسی بود و از نظر ارزش خاصی یا به ویژه ویژگی های ژاپنی تفاوت نداشت. با این حال ، در حال حاضر ، آثاری با جذابیت استثنایی خلق می شوند ، که در آنها حس مشخصه رنگ و قامت ژاپنی از طریق موضوعات انتزاعی می درخشد. هنرمندان دیگر ، که با جوهر طبیعی و سنتی کار می کنند و گهگاه از خط به عنوان نقاشی استفاده می کنند ، قطعات انتزاعی پرانرژی را در سیاهان درخشان با سایه های خاکستری خلق می کنند.

همانطور که در دوره ادو ، در قرن 19 و 20. مجسمه محبوبیت نداشت اما حتی در این زمینه ، نمایندگان نسل مدرن ، که در آمریکا و اروپا تحصیل کرده بودند ، با موفقیت آزمایش کردند. مجسمه های کوچک برنزی ، دارای شکل انتزاعی و اسامی عجیب ، احساس خط و رنگ ژاپنی را نشان می دهند ، که در استفاده از پتینه سبز ملایم یا قهوه ای گرم آشکار می شود. حکاکی روی چوب نشان دهنده عشق ژاپنی ها به بافت مواد است.

سوساکو هانگا ، "مطبوعات خلاق" ژاپنی ، تنها در دهه اول قرن بیستم ظاهر شد ، اما به عنوان یک جهت خاص هنری ، تمام زمینه های دیگر هنر معاصر را تحت الشعاع قرار داد. این نجاری مدرن ، به طور دقیق ، جانشین نجاری قدیمی ukiyo-e نیست. آنها از نظر سبک ، طرح و روش ایجاد متفاوت هستند. هنرمندان ، که بسیاری از آنها به شدت تحت تأثیر نقاشی غربی بودند ، به اهمیت میراث هنری خود پی بردند و در چوب مواد مناسبی برای بیان ایده آل های خلاق خود یافتند. هنرمندان را آویزان کنید نه تنها نقاشی می کنند ، بلکه تصاویر را روی بلوک های چوبی حک می کنند و خود آنها را چاپ می کنند. اگرچه بالاترین دستاورد در این شکل هنری مربوط به نجاری است ، اما همه تکنیک های مدرن حکاکی غربی استفاده می شود. آزمایش بر روی برگها ، ریسمانها و "اشیاء یافت شده" گاهی اوقات می تواند جلوه های بافت منحصر به فردی روی سطح ایجاد کند. در ابتدا ، استادان این مسیر مجبور به جستجوی شناخت شدند: به هر حال ، حتی بهترین دستاوردهای مدرسه ukiyo-e توسط هنرمندان روشنفکر با جمعیت بی سواد و هنر پلبیایی در نظر گرفته شد. هنرمندانی مانند اونچی کوشیرو ، هیراتسوکا یونچی و ماکاوا سنپان تلاش زیادی برای احیای احترام به چاپ و ایجاد آن به عنوان شاخه ای شایسته از هنرهای زیبا انجام داده اند. آنها هنرمندان جوان زیادی را به گروه خود جذب کردند و تعداد حکاکان در حال حاضر صدها نفر است. از جمله استادان این نسل که در ژاپن و غرب به رسمیت شناخته شده اند می توان به Azechi Umetaro ، Munakata Shiko ، Gen Yamaguchi و Saito Kiyoshi اشاره کرد. آنها استادانی هستند که نوآوری و استعداد غیرقابل انکار آنها را در بین هنرمندان برجسته ژاپن به موقعیت شایسته ای رسانده است. بسیاری از همسالان خود و دیگر هنرمندان جوان آویزان نیز آثار فوق العاده ای تولید کردند. این واقعیت که ما نام آنها را در اینجا ذکر نمی کنیم به معنی ارزیابی کم از کار آنها نیست.

هنرهای تزئینی ، معماری و باغها

بخشهای قبلی عمدتا به نقاشی و مجسمه سازی پرداخته اند ، که در اکثر کشورها انواع اصلی هنرهای تجسمی محسوب می شوند. ممکن است بی انصافی باشد که در پایان مقاله هنرهای تزئینی و صنایع دستی عامیانه ، هنر باغ و معماری - فرم هایی که بخش مهم و جدایی ناپذیر هنر ژاپنی بودند ، لحاظ شود. با این حال ، شاید به استثنای معماری ، آنها نیاز به توجه خاصی در خارج از دوره بندی کلی هنر ژاپنی و تغییر در سبک دارند.

سرامیک و پرسلان.

مهمترین هنرها و صنایع دستی در ژاپن سفال و پرسلان است. هنر سرامیک به طور طبیعی به دو دسته تقسیم می شود. پرسلن زیبای پلی کروم ایماری ، نابشیما و کاکیمون نام خود را از محل تولید گرفته است و نقاشی غنی آن بر روی سطح کرم یا سفید مایل به آبی برای اشراف و محافل درباری در نظر گرفته شده بود. فرایند ساخت پرسلن واقعی در ژاپن در اواخر قرن 16 یا اوایل قرن 17 مشهور شد. بشقاب ها و کاسه هایی با لعاب صاف ، الگوهای نامتقارن یا شبیه به بروکاد هم در سرزمین مادری و هم در غرب مورد استقبال قرار گرفته است.

بر خلاف پرسلن در خشت درشت یا ظروف سنگی بی کیفیت ، معمولی برای شینو ، اوریبه و بیزنا ، توجه بر روی مواد ، به ظاهر بی دقت ، اما چیدمان عناصر تزئینی متمرکز شده است. این ظروف تحت تأثیر مفاهیم بودایی ذن ، در محافل فکری بسیار محبوب بودند و به ویژه در مراسم چای از آنها استفاده می شد. در بسیاری از فنجان ها ، قوری ها و قوری ها ، ویژگی های هنر مراسم چای ، اصل ذات بودیسم تجسم یافته است: خود انضباط سخت و سادگی سخت. در اوج هنرهای تزئینی ژاپنی ، هنرمندان با استعداد کورین و کنزن در تزئین سرامیک نقش داشتند. لازم به یادآوری است که شهرت کنزن بیشتر با استعداد او به عنوان یک سرامیک ساز ارتباط دارد تا یک نقاش. برخی از انواع و تکنیک های ساده تر برای ساخت ظروف از سنت های صنایع دستی عامیانه ناشی می شود. کارگاههای مدرن ، با ادامه سنتهای قدیمی ، محصولات زیبایی را تولید می کنند که از سادگی ظریف آنها لذت می برند.

محصولات لاک.

در حال حاضر در 7-8 قرن. این لاک در ژاپن معروف بود. از این زمان ، درپوش های قوطی باقی مانده است ، تزئین شده با تصاویر مردم و نقوش هندسی که در خطوط نازک طلایی اعمال شده اند. ما قبلاً در مورد اهمیت تکنیک لاک خشک برای مجسمه سازی در قرون 8 و 9 بحث کرده ایم. در همان زمان و بعداً ، اشیاء تزئینی مانند جعبه نامه یا جعبه بخور ساخته شد. در دوره ادو ، این اقلام در حجم زیاد و با لوکس ترین دکور ساخته می شد. جعبه های تزئینی مجلل برای صبحانه ، کیک ، بخور و دارو ، که اینرو نامیده می شود ، نشان دهنده ثروت و عشق لوکس ذاتی در این زمان است. سطح اجسام با الگوهای پودر طلا و نقره ، تکه های ورقه طلا ، به تنهایی یا در ترکیب با خاتم های پوسته ، مادر مروارید ، آلیاژ سرب قلع و غیره تزئین شده بود. این الگوها با سطح لاک قرمز ، سیاه یا قهوه ای در تضاد هستند. گاهی نقاشان مانند کورین و کوتسو نقاشی های لاکی می کشیدند ، اما بعید است که آنها شخصاً در این آثار شرکت کرده باشند.

شمشیر.

ژاپنی ها ، همانطور که قبلاً گفته شد ، در طول یک دوره قابل توجه از تاریخ خود ، مردمی جنگجو بوده اند. سلاح و زره برای بسیاری از مردم به عنوان اقلام ضروری در نظر گرفته شد. شمشیر افتخار یک مرد بود. هم تیغه و هم سایر قسمتهای شمشیر ، به ویژه دست (تسوبا) ، با تکنیک های مختلف تزئین شده بود. یک تسوبا از آهن یا برنز با منبت طلا و نقره تزئین شده بود که با هر دو تراشیده یا تراش خورده بود. آنها مناظر یا فیگورهایی از مردم ، گل ها یا نشان های خانواده (دوشنبه) را به تصویر کشیدند. همه اینها تکمیل کننده کار شمشیر سازان بود.

پارچه ها

ابریشم طرح دار و سایر پارچه های مورد علاقه دربار و روحانیت در زمان شکوه و عظمت ، و همچنین پارچه های ساده با الگوی تقریباً ابتدایی معمول هنر عامیانه ، همچنین بیانگر استعداد ملی ژاپن است. پس از رسیدن به اوج خود در عصر غنی Genroku ، هنر نساجی دوباره در ژاپن مدرن رونق گرفت. ایده ها و الیاف ساخته شده توسط بشر از غرب را با رنگ های سنتی و نقوش تزئینی ترکیب می کند.

باغ ها

در دهه های اخیر ، علاقه به باغ ها و معماری ژاپنی به دلیل افزایش مواجهه عموم مردم غربی با این اشکال هنری تشدید شده است. باغ ها در ژاپن جایگاه ویژه ای دارند. آنها بیان و نماد حقایق عالی دینی و فلسفی هستند و این رنگهای مبهم و نمادین ، ​​همراه با زیبایی آشکار باغها ، مورد توجه جهان غرب است. نمی توان گفت که ایده های مذهبی یا فلسفی دلیل اصلی ایجاد باغ ها بوده است ، اما هنگام برنامه ریزی و ایجاد باغ ، هنرمند برنامه ریز چنین عناصری را در نظر گرفت که تأمل آنها بیننده را به تأمل در حقایق مختلف فلسفی سوق می دهد. . در اینجا ، جنبه متفکرانه بودیسم ذن در گروهی از سنگهای غیرمعمول ، امواج شن و ماسه با چنگک ، همراه با چمن ، یا گیاهان واقع شده است به طوری که قطره ناپدید می شود و سپس دوباره در پشت آنها ظاهر می شود - همه اینها بیننده را مجبور می کند ایده های باغ را به طور مستقل تکمیل کنید. ترجیح دادن یک اشاره مبهم بر یک توضیح قابل فهم از ویژگی های فلسفه ذن است. ادامه این ایده ها اکنون در درختان بونسای بونسای غرب و باغ های کوچک گلدانی رواج یافته است.

معماری.

بناهای معماری اصلی ژاپن معابد ، مجموعه های رهبانی ، قلعه های فئودالی و کاخ ها هستند. از زمان های قدیم تا به امروز ، چوب مصالح اصلی ساختمان بوده و تا حد زیادی ویژگی های طراحی را تعیین می کند. قدیمی ترین بناهای مذهبی محراب مذهب ملی ژاپنی شینتو هستند. با توجه به متون و نقاشی ها ، ساختارهای نسبتاً ساده ای با سقف کاهگلی ، مانند خانه های قدیمی وجود داشت. بناهای معبدی که پس از گسترش بودیسم ساخته شده و با آن ارتباط دارند بر اساس نمونه های اولیه چینی در سبک و چیدمان بوده اند. معماری معبد بودایی در طول زمان متفاوت بود و دکوراسیون و چیدمان ساختمانها از فرقه ای به فرقه دیگر متفاوت بود. ساختمانهای ژاپنی با سالن های بزرگ با سقف های بلند و سیستم پیچیده کنسول ها متمایز می شوند و دکوراسیون آنها نشان دهنده طعم زمان آنها بود. معماری ساده و باشکوه مجموعه Horyuji ، که در اوایل قرن 7 در نزدیکی نارا ساخته شده است ، به همان اندازه از ویژگی های دوره Asuka است که زیبایی و ظرافت نسبت هودو ، تالار ققنوس Uji ، منعکس شده در دریاچه لوتوس ، از Heian بود. عادت زنانه. ساختمانهای پیچیده تر دوره ادو تزئینات اضافی به شکل درها و پرده های کشویی با رنگ آمیزی فراوان به دست آوردند ، ساخته شده توسط همان "تزئین کنندگان بزرگ" که تزئینات داخلی قلعه ها و کاخ های فاسد شده را انجام می دادند.

معماری و باغ های ژاپن آنقدر با هم ارتباط دارند که می توان آنها را بخشی از یکدیگر دانست. این امر به ویژه در مورد ساختمانها و خانه های باغ برای مراسم چای صادق است. باز بودن ، سادگی و ارتباط دقیق آنها با چشم انداز و چشم انداز تأثیر زیادی بر معماری مدرن غرب دارد.

تاثیر هنر ژاپنی در غرب

تنها در یک قرن ، هنر ژاپنی در غرب شناخته شد و تأثیر بسزایی بر آن داشت. همچنین تماس های قبلی وجود داشت (به عنوان مثال ، هلندی ها از طریق بندر ناگازاکی با ژاپن معامله می کردند) ، اما اشیایی که در قرن 17 به اروپا رسیدند عمدتا آثار هنری کاربردی بودند - ظروف چینی و لاک. آنها مشتاقانه به عنوان کنجکاوی جمع آوری شده و به طرق مختلف کپی شده اند ، اما این صادرات تزئینی نشان دهنده ماهیت و کیفیت هنر ژاپنی نبوده و حتی به ژاپنی ها تصویری ناخوشایند از سلیقه غربی ارائه می دهد.

برای اولین بار ، نقاشی غربی به طور مستقیم تحت تأثیر هنر ژاپنی در اروپا در سال 1862 در یک نمایشگاه بین المللی بزرگ در لندن قرار گرفت. نجاری ژاپنی ، که پنج سال بعد در نمایشگاه پاریس ارائه شد ، دوباره علاقه زیادی را برانگیخت. چندین مجموعه خصوصی چاپ بلافاصله ظاهر شد. دگا ، مانه ، مونه ، گوگن ، ون گوگ و دیگران چاپهای رنگی ژاپنی را به عنوان مکاشفه در نظر گرفتند. غالباً یک تأثیر جزئی اما همیشه قابل تشخیص از چاپ ژاپنی بر امپرسیونیست ها وجود دارد. ویستلر و مری کاست آمریکایی ها با محدودیت خط و نقاط رنگی روشن چاپها و نقاشی های ukiyo-e جذب شدند.

گشودن ژاپن به روی خارجی ها در سال 1868 شیفته انواع چیزهای غربی شد و ژاپنی ها را مجبور کرد از فرهنگ غنی و میراث هنری خود پشت کنند. در این مدت ، بسیاری از نقاشی ها و مجسمه های زیبا فروخته شد و در موزه ها و مجموعه های خصوصی غربی به پایان رسید. نمایشگاه های این اقلام غرب را به ژاپن معرفی کرد و علاقه به سفر به شرق دور را برانگیخت. مسلماً اشغال ژاپن توسط نیروهای آمریکایی در پایان جنگ جهانی دوم فرصت های وسیع تری را نسبت به قبل برای کاوش و کاوش عمیق تر معابد ژاپنی و گنجینه های آنها باز کرد. این علاقه در حضور موزه های آمریکا منعکس شد. علاقه به شرق به طور کلی باعث برپایی نمایشگاه های هنر ژاپنی شد که از مجموعه های عمومی و خصوصی ژاپن انتخاب و به آمریکا و اروپا آورده شد.

تحقیقات علمی در دهه های اخیر بسیار در رد این نظر که هنر ژاپنی تنها بازتابی از چینی است ، انجام شده است و نشریات متعدد ژاپنی به زبان انگلیسی غرب را با آرمان های شرق آشنا کرده است.



هنرهای تزئینی و کاربردی ژاپن حوزه محصولات فلزی هنری شامل مجسمه سازی و ظروف معبد ، سلاح ها و اشیاء تزئینی مورد استفاده در زندگی روزمره ، تنوع و کمال پردازش فلزات سنتی (برنز ، آهن ، مس ، فولاد) با استفاده از آنها ترکیب شده است. از آلیاژهای پیچیده ای که دارای سایه های رنگی و خواص پلاستیکی هستند متمایز می شود. رایج ترین آنها شکوودو بود که سایه های مختلف مشکی ، قهوه ای ، آبی و بنفش و شیبوچی را ارائه می داد که به عنوان منبع تمام نشدنی تن های خاکستری عمل می کرد.

دستور العمل های ساخت آلیاژها یک راز حرفه ای بود و از استاد به دانش آموز منتقل می شد. تصاویر مجسمه سازی برای محراب های خانه ، و همچنین تصاویری با معنای خیرخواهانه و محافظت از کانون خانواده ، به دستور مردم شهر ثروتمند ساخته شده است. در میان آنها - داروما ، راهب افسانه ای ، که نامش در ژاپن با منشا چای همراه است ، دایکوکو - خدای خوشبختی و ثروت ، یورودزین - خدای شادی و طول عمر.

در کنار این ، برخی از وسایل خانه اهداف تزئینی را ارائه می دادند. اینها سیگاری ها ، گلدان ها ، ظروف ، جعبه ها ، سینی ها بودند که با ترکیب فلزات مختلف در یک محصول ، استفاده از منبت کاری ، حکاکی ، منبت کاری و منبت مشخص می شد. سنت استفاده از تزئینات مینا روی یک پایه فلزی در پایان قرن 16 از چین به ژاپن آمد. تکنیک مینا دارای 4 نوع بود: cloisonné ، champlevé ، حکاکی و رنگ آمیزی. مینای دندان "خشن" نامیده می شد - هفت جواهر: طلا ، نقره ، زمرد ، مرجان ، الماس ، عقیق ، مروارید ، که طبق باورهای رایج ، مردم را خوشبخت می کرد.

مینای طبقات ژاپنی قرن 17-18 عمدتا بر اساس نمونه های چینی ، با یک پالت محدود از تنهای کمی خاموش ، یک الگوی هندسی واضح و یک پس زمینه سبز تیره عمیق متمایز شده است. در اواسط قرن XIX. تکنیک مینای دندان ، با مینای براق چند رنگی که محکم به پایه فلزی چسبیده بود و به راحتی جلا داده می شد ، تولدی دوباره داشت.

شکوفایی هنر مینایی cloisonné در پایان قرن 19. با نام استاد معروف نامیکاوا یاسویوکی مرتبط بود. وسایل کوچک از کارگاه او بیرون آمد ، کاملاً با مینا پوشانده شده بود و با مراقبت از جواهرات استفاده می شد. تصاویر گل ها ، پرندگان ، پروانه ها ، اژدها و ققنوس ها ، انواع متعدد تزئینات سنتی جای خود را در توری پیچیده بافته این الگو پیدا کردند.استفاده از فویل طلا باعث ایجاد درخشندگی درخشان درخشان بر روی سطح صیقلی محصول شده است.

ساخت و تزئین سلاح در ژاپن دارای سنت های قدیمی است. شمشیر به عنوان اقدامی مقدس توسط الهه خورشید آماتراسو اومیکامی به نوه اش ، که او را برای فرمانروایی روی زمین و از بین بردن شر فرستاده بود ، در نظر گرفته شد. یک شمشیر مستقیم با تیز کردن دو طرفه (کن یا تسروگی) بخشی از فرقه شینتو شد و به یکی از پادشاهی های شاهنشاهی تبدیل شد. در قرون وسطی ، شمشیر به نمادی از طبقه رزمندگان تبدیل شد ، که تجسم قدرت ، شجاعت ، وقار سامورایی ها بود. همچنین اعتقاد بر این بود که روح اجداد متوفی در آن زندگی می کردند.

در قرن VII. شکل شمشیر با کمی خم شدن در پشت تیغه تیز کردن یک طرفه ایجاد شد ، که تا قرن نوزدهم تقریباً بدون تغییر بود. و نام "nihonto" (شمشیر ژاپنی) را دریافت کرد. از قرن شانزدهم. اشراف و اعضای کلاس نظامی ملزم به حمل دو شمشیر بودند: یکی شمشیر بلند - "katana" و دیگری کوتاه "wakizashi" ، که قصد خودکشی آیینی را داشت. نگهبانان "aikuchi". فرایند طولانی و پر زحمت ساخت تیغه به عنوان یک مراسم رسمی ترتیب داده شد ، همراه با دعاهای خاص ، طلسم ها و پانسمان آهنگر با لباس مراسم.

تیغه از چندین نوار جوش داده شده ، حداقل پنج بار جعل شده ، آسیاب شده و جلا داده شده است. تیغه ها با شیارها ، تصاویر خورشید ، ماه ، ستارگان ، اژدها ، حکاکی ها و نقش برجسته تزئین شده اند. جزئیات و قاب شمشیر از قرن 16th. توسط صنعتگران خاص - اسلحه سازان - جواهرسازان ایجاد شده است.

تیغه داخل دسته ای قرار گرفت که پایه آن از دو میله چوبی تشکیل شده بود ، با حلقه فلزی "futi" و نوک "kasira" محکم شده بود ؛ دسته اغلب در پوست کوسه یا زنجیر پیچیده می شد ، به نام همان (کوسه) اعتقاد بر این بود که چنین دسته ای خالص بودن مراسم شمشیر را حفظ می کند و از صاحب آن محافظت می کند.قسمت های فلزی برجسته کوچک "منوکی" از هر دو طرف به دسته متصل شده بود ، که محکم تر شمشیر را با هر دو دست فراهم می کرد.

علاوه بر این ، دسته با طناب یا بند پیچیده شده بود ، و یک الگوی بافته شده روی سطح ایجاد کرد. بخش مهمی از شمشیر "tsuba" (نگهبان) بود - یک پلاستیک محافظ که تیغه را از دست جدا می کند ؛ غلاف یک شمشیر کوچک اغلب با صفحات فلزی "kozuka" ، که دسته یک کوچک بود تزئین شده بود. چاقو در جیب مخصوص در غلاف قرار می گیرد. در قرون XVII-XIX. این سلاح که ارزش عملی خود را از دست داده است به یک تزئین تزئینی برای کت و شلوار مردانه تبدیل شده است.

مواد و تکنیک های مختلف جواهر سازی ، منبت کاری ، منبت کاری شده با آلیاژها ، روشهای مختلف ایجاد ترکیبات برجسته ، مینا و لاک در تزئین آن استفاده شده است. تسوبا یک کامل هنری خاص را بدست آورد که به عنوان یک اثر هنری مستقل در نظر گرفته شد. موضوعات تصاویر انگیزه های سنتی مشخصه انواع دیگر هنرها بودند: گلها ، پرندگان ، مناظر ، مثلهای بودایی ، افسانههای تاریخی ، حتی ارزیابی شهرها زندگی جزئیات یک شمشیر با توجه به شیوه اجرا ترکیب شده و اغلب نشان دهنده توسعه یک طرح است.

در میان زره پوشانی که در تزئین شمشیر تخصص داشتند ، مشهورترین آنها کسانی بودند که در قرن پانزدهم تأسیس شدند. مدرسه Goto ، که هفده نسل استادانش شهرت خود را برای 400 سال حفظ کرده اند.

با مطالب دریافت شده چه خواهیم کرد:

اگر این مطالب برای شما مفید بوده است ، می توانید آن را در صفحه خود در شبکه های اجتماعی ذخیره کنید:

توییت

چکیده بیشتر ، مقاله های ترم ، پایان نامه های مربوط به این موضوع:

هنرهای تزئینی و کاربردی روسیه قبل از پترین
با این حال ، این انتقال بدون آزادی قاطع هنر منحرف كردن كلیسا ، بدون وارد كردن اصل سكولار به فرهنگ غیرممكن بود. به عنوان یك قاعده ، مجسمه سازی چوبی چند رنگ بود. نقاشی محلی با رنگهای تمپرا او را به نماد نزدیک کرد. این نزدیکی با این واقعیت تشدید می شد که نقش برجسته ها به معنای ...

هنرهای تزئینی و کاربردی اروپای غربی در پایان قرن 18 و آغاز قرن 19
هر دوی این سبک ها حاکمیت ناپلئون بناپارت را مشخص می کنند. از دهه 60 قرن هجدهم. استادان فرانسوی به کلاسیک گرایی روی آوردند. حفاری در 1719 در Herculaneum و 1748 در Pompeii نقش مهمی در شکل گیری آن ایفا کرد.

هنرهای تزئینی و کاربردی در قزاقستان
به عنوان مثال ، هنر ساخت زین و مهار نه تنها مهارت ، بلکه توانایی استفاده از مواد مختلف را نیز می طلبد. زین سازها فقط به ساختن زین محدود نمی شدند و .. مردمان سیبری جنوبی و آسیای مرکزی تأثیر بسزایی در توسعه فرهنگ مردم قزاقستان داشتند. ارتفاعات قابل توجه ..

هنر و صنایع دستی
سنت های هنرهای صنایع دستی فردی نیز متفاوت است. تقریباً همه مراکز فرآوری سنگ از نظر تاریخی نسبتاً جوان هستند. برخی از آنها توسعه یافته اند .. پس از گذراندن مراحل جستجوی مجموعه خود ، استادان گیاه خودشان را پیدا کردند. برای قطبی ..

هنرها و صنایع دستی ، باتیک

هنرهای تزئینی و کاربردی. باتیک
هنرهای تزئینی از lat decoro من بخش هنرهای تزئینی را تزئین می کنم که شامل خلق محصولات هنری است که دارای .. آثار هنری تزئینی و کاربردی چندین الزام را برآورده کرده و دارای کیفیت زیبایی هستند ..

هنرهای تزئینی و کاربردی - صنایع دستی عامیانه
در هنرهای تزئینی و کاربردی ، هنرها و صنایع دستی محلی جایگاه برجسته ای را به خود اختصاص داده اند. هنر هنرهای محلی و صنایع دستی ظاهر می شود .. برخی از آنها مربوط به هنر خانگی دهقانان مربوط به .. به عنوان مثال ، بسیاری از انواع سفالگری ، نجاری ، پارچه های چاپی از دیرباز منطقه فعالیت محلی بوده اند ..

هنر و صنایع دستی
اما رژیم استالینی عجله کرد تا نوابغ صنعتگر را با انحصار دولتی و استبداد کمیابی جایگزین کند. با این حال ، تولید هنری روسیه .. در اورال و در ترانس اورال قبایل فینو-اوگریک ، ابتدا از چوب و سنگ ، و سپس .. این سنت ها برای مدت طولانی در هنرهای عامیانه روسیه حفظ شد. برای قرن های زیادی ، تا دهه 20 قرن بیستم ..

هنر کاربردی "باتیک"
در ابتدا ، با آشنایی با تمدنهای باستانی ، فرهنگ شگفت انگیز مایاها را کشف کردم ، که آلیاژی عظیم از طبیعت است. آثار هنری باستانی که در مورد معنای معنایی برخی از ما به دست ما رسیده است. در هنر مدرن ، ما تمایل هنرمندان را برای استفاده از اصول یکسان در ایجاد دکوراسیون مشاهده می کنیم.

هنرهای کاربردی مولداوی
تصادفی نیست که مولداوی ، یک جمهوری کوچک ، یک الدورادو باستان شناسی واقعی است ، یک گنجینه تمام نشدنی از گرانبها. مقدار زیادی از مواد واقعاً جمع آوری شده است که به بازسازی بسیاری از صفحات کمک کرده است. به طور کلی ، یافته های گنجینه و سکه در مولداوی غیر معمول نیست. گنج کوگورشت که قدمت آن به آن زمان برمی گردد ، از شهرت خاصی برخوردار است.

0.041

هنر سنتی ژاپنیمبتنی بر اصول متمایز و متمایز است. سلیقه ها و ترجیحات مردم ژاپن با اولویت های زیبایی افراد دیگر کشورها بسیار متفاوت است. هنرهای تزئینی و کاربردی در ژاپن نیز ویژگی های خاص خود را دارند.

کارهای تزئینیقرنها در این کشور ایجاد شده است. اینها محصولات سرامیکی و چینی ، پارچه ها و لباس های تزئین شده ، حکاکی روی چوب ، فلز و استخوان ، سلاح های زیبا و موارد دیگر است.

به طور کلی هنرهای تزئینی و کاربردی جهت خاصی دارد. محصولات مختلف نه تنها به منظور زیبایی شناسی از تفکر خود ایجاد می شوند ، بلکه در زندگی روزمره نیز مورد استفاده قرار می گیرند.

و برای ژاپنی ها نه تنها استفاده از آثار چنین هنری ، بلکه بسیار مهم است زندگی خود را تزئین کنیدزیبایی آنها را تحسین می کنند مردم ژاپن همیشه نگرش خاصی به زیبایی داشته اند. آنها تصور می کردند که شکوه و فضل را می توان در کلمات منتقل کرد. با این حال ، زیبایی خارج از دنیای عادی بود. کل زندگی یک فرد گذرا بود ، پس از مرگ روح به دنیایی زیبا و اسرار آمیز منتقل شد.

همه این ویژگی های جهان بینی ژاپنی در خلق آثار هنری تزئینی و کاربردی منعکس شد. هر اقدامیهمراه با استفاده از gizmos که مخصوص این کار ساخته شده است.

مثلا، چای یا ساکهاز فنجان های خشن و ناهموار نوشید. با این حال ، آنها بودند که به دلیل زیبایی خود ، که در جهان دیگر وجود داشت ، ارزش قائل شدند.

استادان بزرگ ژاپنیاشیاء را ایجاد کرده و به آنها ظاهر زیبایی شناختی می بخشد. پیکره ها - netsuke ، جعبه ها - inro ، وسایل لاک الکل ، kosode برازنده ، صفحه نمایش ، طرفداران - همه اینها با طعم و لطف هنری تزئین شده بود.

نتسوکه - مجسمه سازی مینیاتوری

مجسمه های مینیاتوری توسط مردان برای حمل اجسام مختلف مورد استفاده قرار می گرفت. یک لوله ، کیف یا کیف با یک نتسوک به کمربند کیمونو وصل شد.

هر یک مجسمه مینیاتوریحامل یادداشت های نمادین ، ​​یعنی منظور چیزی بود

حرفه ای بودن اجرادر مجسمه های ژاپنی حدس زده شد. به هر حال ، هنر ایجاد netsuke نسبتاً اخیر متولد شد ، در 1603 - 1868از سال. این دوره زمانی در ژاپن نامیده می شود ادو.

مشهورترین استادان آن دوره بودند دوراکوسای(قرن هجدهم) ، شیومین(اواخر قرن 18) ، توموتادا(قرن هجدهم) ، ماساتسگو(قرن XIX) ، گیوکومین(قرن XIX) و دیگران.

از چه نوع تصاویری برای ایجاد netsuke استفاده نشده است. و فعالیتهای روزمره شهروندان و باورهای مذهبی و تصاویر حیوانات. استادان دوست داشتند قهرمانان آثار ادبی ، افسانه ها ، رزمندگان مشهور ژاپنی را به تصویر بکشند.

اگر قبل از قرن 19 امکان مشاهده در مجسمه ها وجود داشت اشکال نامتناسبو ناسازگاری با تصاویر واقعی ، سپس بعداً استادان ژاپنی سعی کردند شخصیت را دقیق تر به تصویر بکشند و ویژگی های مشخصه او را منتقل کنند. دنیای طبیعی برای متخصصان شبکه ساز جذاب تر شده است.

برای چندین دهه ، فناوری ایجاد مجسمه های مینیاتوری بهبود یافته است.

اگر در آغاز ظهور این روند در هنرهای تزئینی و کاربردی ژاپن ، بیشتر از آن به عنوان یک ماده استفاده می شد چوب یا عاج، سپس در قرن 19 ، استادان شروع به استفاده کردند پرسلان ، مرجان ، فلز ، عقیقو مواد دیگر توری چوبی باید با پودر ذغال پرداخت شود ، با روغن کتان پاک شود و با ابریشم بدرخشد. فرایند رنگ آمیزی چهره ها مسیر سخت تری را طی کرد.

Inro - یک جعبه برای gizmos لازم

عالی ترین چیزهای کوچک در هنرها و صنایع دستی ژاپنی جعبه ها هستند - بیشتر شبیه جعبه های مینیاتوری.

آنها بخشی از لباس زنانه یا مردانه بودند. اگر مردان اینترو مانند نتسوکه از کمربند کیمونو آویزان می کردند ، زنان آنها را با آستین می بستند.

اینرو به این صورت ترجمه شده است جعبه تمبر، که برای حمل گیزموهای مختلف مختلف استفاده می شد. او چندین بخش داخلی داشت. صنعتگرانی که این نوع محصول را تولید کردند ، تلاش کردند تا با ظرافت و ذوق هنری اینرو را به پایان برسانند. آنها از نقاشی لاک و منبت کاری شده با مروارید و تزئین عاج ، سنگهای قیمتی استفاده کردند و همچنین از تکنیک های مختلف تزئین داخلی استفاده کردند.

کوسود - کیمونوی آستین کوتاه

کوسودبه عنوان یک تکه لباس ژاپنی برای مدت طولانی شناخته شده است. با این حال ، فقط در دوران ادو بود که کیمونوهای آستین کوتاه با استفاده از فناوری های جدید برای رنگرزی پارچه ها شروع به تزئین روشن کردند.

کوسود به یک هنر و صنایع دستی تبدیل شد. لازم به ذکر است که بسته به رویدادهای زندگی هر فرد ، ژاپنی ها از کوسود به روش خاصی استفاده می کردند. کاربردهای مختلف نخ ابریشم نتایج شگفت انگیزی داشته است. هر کوزد نشان داده شده است هنر و صنایع دستیمردم ژاپن.

طرفدار به عنوان یک اثر هنری و صنایع دستی ژاپنی

پنکههمچنین توجه استادان ژاپنی را به خود جلب کرد و به موضوع هنر تبدیل شد. پنکه - sensuبه ژاپن آمده است ، به احتمال زیاد از چین. و در حال حاضر استادان ژاپنی ظاهر منحصر به فرد و برازنده خود را به آن داده اند.

نوع فن - فایدهیک اختراع کاملاً ژاپنی محسوب می شود. این یک گلبرگ بادبزن است که از یک تکه چوب ساخته شده است ، سپس با ابریشم یا کاغذ گران قیمت پوشانده شده است ، که روی آن نقاشی های زیبایی اعمال شده است.

طرح نقشه ها دارای ماهیت متفاوتی بود. سنت های ژاپنی در هر اثر هنری مانند فن با چشم غیر مسلح قابل مشاهده بود.

به هر حال ، ژاپنی ها نیز چنین نسخه ای از فن ایجاد کردند که در زمینه مبارزه نیز استفاده می شد. به عنوان یک قاعده ، از چنین شیئی هنگام دادن دستورالعمل در میدان جنگ استفاده می شد. نوع خاصی از دکوراسیون این فن را همراهی می کرد. بیشتر اوقات یک دایره قرمز در زمینه زرد در یک طرف و یک دایره زرد در زمینه قرمز در طرف دیگر به تصویر کشیده می شد.

شمشیر هنر ژاپنی

اصول زیبایی شناختی هنرها و صنایع دستی ژاپنی به طور کامل در ساخت و تزئین شمشیرهای هنری بیان شد.

م echشیء خاصی از عبادت ژاپنی ها است و از مواد و تکنیک های مختلفی برای ایجاد آن استفاده شده است.

شمشیر ژاپنینه تنها از نظر شکل زیبا ساختار ویژه فولاد ، خط درخشش تیغه ، که سطح آن با دقت جلا داده شده است ، چنین شیئی را به عنوان عالی ترین اثر هنر ژاپنی توصیف می کند. برخی از تیغه ها نیز با نقش برجسته اژدها ، نمادهای سامورایی تزئین شده و با خط هیروگلیف برداشته شده است.

در ژاپن ، وجود داشت مدارس اسلحه سازی، که شمشیرهای مختلف رزمی می ساخت ، در تزئین هنری سلاح ها تخصص داشت. چنین اسلحه ساز مشهوری مانند ماسامونه (پایانسیزدهمقرن - آغازچهاردهمقرن)در سراسر ژاپن به دلیل مهارت خود مشهور است. بسیاری از معاصران ما ، متخصصان تسلیحات ژاپنی ، رویای خرید شمشیر از آثار او را دارند.

محصولات لاک و سرامیک

ظروف لاکیدر سراسر ژاپن استفاده می شود. اینها ظروف ، وسایل خانه و وسایل مختلف ضروری برای مراقبت شخصی ، زره و حتی سلاح است. خانه افراد بزرگوار با اقلام مشابه تزئین شده بود.

لاک های سنتیکه توسط صنعتگران ژاپنی استفاده می شد قرمز ، سیاه و طلا بودند. پایان دوران ادوتولید لاک های سبز ، قهوه ای و زرد را مشخص کرد. و در آغاز قرن بیستم ، ژاپنی ها رنگ های لاک سفید ، بنفش و آبی را بدست آوردند. نقاشی با لاکبا استفاده از منبت طلا ، مروارید و نقره ، زیباترین روش برای تکمیل محصولات مختلف توسط صنعتگران ژاپنی است.

محصولات سرامیکیهمچنین موضوع هنرها و صنایع دستی ژاپن بود. بسیاری از فناوری ها از چین و کره گرفته شده است. با این حال ، سرامیک های ژاپنی با این واقعیت متمایز می شوند که استادان نه تنها به پارامترهایی مانند شکل ، زینت و رنگ توجه زیادی داشتند ، بلکه به احساساتی که محصول سرامیکی هنگام لمس کف دست ایجاد می کند ، توجه می کردند.

محصولات سرامیکی هنریدر ژاپن انواع مختلفی از ظروف مختلف مانند قوری ، ظروف ساک ، ظروف تزئینی ، گلدان و غیره وجود دارد. گلدان های چینی نازک هنوز در کشورهای غربی تقاضا دارند.

توجه!با هرگونه استفاده از مطالب سایت ، پیوند فعال به آن الزامی است!