सौंदर्य, छिपी हुई बातें, जापानी इक्स-बारहवीं शताब्दी में खोले गए, एपचुहियन (7 9 4-1185) में और यहां तक \u200b\u200bकि "मोनो-लेकिन अस्थिर" की विशेष अवधारणा के साथ भी इसकी पहचान की (याप ???? (??? ???)) "चीजों का दुखद आकर्षण" क्या मतलब है। "आकर्षण का आकर्षण" सुंदर की परिभाषा के जापानी साहित्य में सबसे शुरुआती में से एक है, यह इस तथ्य में सिंथोसिस्ट विश्वास से जुड़ा हुआ है कि प्रत्येक चीज में उनका देवता निष्कर्ष निकाला गया है - और इसका अद्वितीय आकर्षण। अवार चीजों का आंतरिक सार है, जो खुशी, उत्तेजना का कारण बनता है।

VASI (WASI) या VAGAMI (WAGAMI)।
मैनुअल पेपर बनाने। मध्ययुगीन जापानी मूल्यवान वासी न केवल अपने व्यावहारिक गुणों के लिए बल्कि सुंदरता के लिए भी। वह अपनी सूक्ष्मता के लिए प्रसिद्ध थी, लगभग पारदर्शिता, हालांकि, ने अपनी ताकत नहीं खो दी थी। वासी कोदो पेड़ (शहतूत) और कुछ अन्य पेड़ों के प्रांतस्था से बना है।
वसी पेपर सदियों के दौरान संरक्षित है, एल्बमों के सबूत और पुराने जापानी सुलेख, चित्रों, स्क्रीन, उत्कीर्णन की मात्रा, जो इस दिन के लिए सदी के माध्यम से नीचे आ गए हैं।
वसी पेपर रेशेदार है, यदि आप माइक्रोस्कोप को देखते हैं, तो अंतराल दिखाई देगा, जिसके माध्यम से हवा और सूरज की रोशनी में प्रवेश किया जाएगा। इस गुणवत्ता का उपयोग शर्मिंदा और पारंपरिक जापानी लालटेन के निर्माण में किया जाता है।
यूरोपीय लोगों के बीच वासी स्मृति चिन्ह बहुत लोकप्रिय हैं। इस पेपर से कई छोटे और उपयोगी वस्तुओं को बनाया जाता है: वॉलेट, लिफाफे, प्रशंसक। वे काफी मजबूत और आसान हैं।

कॉमोनो
किमोनो से क्या बनी हुई है, इसके बाद उन्होंने अपनी अवधि की सेवा की? सोचो, तुम इसे फेंक दो? ऐसा कुछ नहीं! जापानी ऐसा कभी नहीं करेगा। किमोनो बात महंगी है। तो बस इसे असंभव और असंभव फेंक दें ... किमोनो के अन्य प्रकार के माध्यमिक उपयोग के साथ, कारीगरों ने छोटे लॉब्स से छोटे स्मृति चिन्ह किए थे। ये बच्चों, गुड़िया, ब्रूश, माला, महिलाओं की सजावट और अन्य उत्पादों के लिए छोटे खिलौने हैं, पुराने किमोनो का उपयोग छोटी प्यारी छोटी चीजों के निर्माण में किया जाता है, जिन्हें "कॉमोनो" कहा जाता है। छोटी चीजें जो किमोनो के तरीके को जारी रखकर अपना जीवन जीएंगी। इसका अर्थ है "सामान्य" शब्द।

Midzohiki।
एनालॉग मैक्रैम। यह विशेष तारों से विभिन्न नोड्स की तुलना में एक प्राचीन जापानी लागू कला है और उनके पैटर्न बनाने के लिए। इस तरह के कार्यों में हेयर स्टाइल और हैंडबैग से पहले उपहार कार्ड और पत्रों से - अनुप्रयोगों की एक विस्तृत श्रृंखला थी। वर्तमान में, मिड्ज़ोहीकी का व्यापक रूप से उपहार उद्योग में उपयोग किया जाता है - एक उपहार, बुना हुआ और पूरी तरह से निश्चित तरीके से रेखांकित, जीवन में प्रत्येक घटना से संबंधित है। मिद्ज़ोहिका की कला में बेहद कई नोड्स और रचनाएं हैं, और हर जापानी उन सभी को दिल से नहीं जानता है। बेशक, सबसे आम और सरल नोड्स हैं जिनका उपयोग अक्सर किया जाता है: जब किसी बच्चे के जन्म, एक शादी या स्मारक, जन्मदिन या विश्वविद्यालय में प्रवेश के लिए बधाई होती है।

गोकिई।
पेपर स्ट्रिप ताकतवर। गोकर शिंटो पुजारी की एक अनुष्ठान रॉड है, जिसके लिए पेपर ज़िगज़ैग स्ट्रिप्स संलग्न हैं। शिंटो मंदिर के प्रवेश द्वार पर कागज के समान स्ट्रिप्स स्थगित कर दिए जाते हैं। सिन्तोवाद में पेपर की भूमिका परंपरागत रूप से बहुत बड़ी थी, और इसके उत्पादों को हमेशा गूढ़ अर्थ संलग्न किया गया था। और इस तथ्य में विश्वास है कि हर चीज, हर घटना, यहां तक \u200b\u200bकि शब्दों में भी कामी - देवता शामिल है - गोकिई के रूप में इस तरह की एक प्रकार की लागू कला की उपस्थिति बताती है। सिन्टोइज़्म हमारे मूर्तिपूजा के समान ही है। शिंटोइस्ट के लिए, कामी विशेष रूप से स्वेच्छा से सबकुछ में बसे जो असामान्य है। उदाहरण के लिए, कागज में। और इससे भी ज्यादा, गोकिई ने बुद्धिमान ज़िगज़ैग में मुड़कर, जो शिंटो sanctoes के प्रवेश द्वार के सामने और आज लटका और मंदिर में एक देवता की उपस्थिति को इंगित करता है। गोख्खी को फोल्ड करने के लिए 20 विकल्प हैं, और जो विशेष रूप से असामान्य रूप से असामान्य आकर्षित करते हैं। गोक्षी सफेद का लाभ, लेकिन सुनहरा, चांदी और कई अन्य रंग भी हैं। जापान में आईएक्स शताब्दी से लड़ाई से पहले सुमो पहलवानों के बेल्ट पर गोखेई को मजबूत करने के लिए एक रिवाज रहता है।

Anesama।
यह पेपर गुड़िया का निर्माण है। 1 9 वीं शताब्दी में, समुराई पत्नियों ने पेपर से गुड़िया की, जिसमें बच्चों ने खेला, उन्हें अलग-अलग कपड़े में ले जाया। कई बार, जब कोई खिलौने नहीं थे, तो अनेश बच्चों के लिए एकमात्र संवाददाता था, "पूरी तरह से" मां की भूमिका, सबसे बड़ी बहन, बच्चे और एक दोस्त की भूमिका थी।
गुड़िया जापानी पेपर वासी से तब्दील हो गई है, बाल भाप पेपर से बने होते हैं, स्याही में चित्रित होते हैं और गोंद से ढके होते हैं, जो इसे चमक देता है। एक विशिष्ट विशेषता एक लम्बी चेहरे पर एक अच्छी नाक है। आज, यह सरल, कुशल हाथों के अलावा कुछ भी नहीं चाहिए, आकार में पारंपरिक खिलौना पहले की तरह ही निर्मित किया जा रहा है।

ओरिगामी
फोल्डिंग पेपर आंकड़ों की प्राचीन कला (जे। ???, पत्र: "फोल्ड पेपर")। ओरिगामी की कला प्राचीन चीन में निहित है, जहां पेपर का आविष्कार किया गया था। मूल रूप से, ओरिगामी का उपयोग धार्मिक संस्कारों में किया जाता था। लंबे समय तक, इस प्रकार की कला केवल उच्च संपत्तियों के प्रतिनिधियों के लिए उपलब्ध थी, जहां अच्छी टोन का संकेत कागज से एक तह तकनीक का स्वामित्व था। द्वितीय विश्व युद्ध के बाद, ओरिगामी पूर्व के बाहर चली गई और अमेरिका और यूरोप में पहुंचे, जहां उन्होंने तुरंत अपने प्रशंसकों को प्राप्त किया। क्लासिक ओरिगामी कागज की एक वर्ग शीट से बना है।
यहां तक \u200b\u200bकि सबसे जटिल उत्पाद की एक तह योजना तैयार करने के लिए आवश्यक सशर्त संकेतों का एक निश्चित सेट है। बो? 20 वीं शताब्दी के मध्य में प्रसिद्ध जापानी मास्टर अकीरा योसिदजाववा द्वारा सशर्त संकेतों का विस्तारित हिस्सा अभ्यास में पेश किया गया था।
क्लासिक ओरिगामी गोंद और कैंची के बिना कागज की समान रूप से चित्रित शीट के उपयोग को निर्धारित करता है। आधुनिक कला रूप कभी-कभी इस कैनन से निकलते हैं।

फोटो स्रोत: http://sibanime.ru/2152-yaponskie-tradicii-origami.html

किरीगामी।
किरीगामी कई बार कैंची के साथ कागज के एक टुकड़े टुकड़े के विभिन्न आंकड़ों को काटने की कला है। ओरिगामी का प्रकार, जिसमें मॉडल के निर्माण की प्रक्रिया में कैंची और काटने वाले पेपर का उपयोग करने की अनुमति है। यह अन्य पेपर फोल्डिंग तकनीकों से किरीगामी के बीच मुख्य अंतर है, जिसे शीर्षक में रेखांकित किया गया है: ?? (किरा) - कट ,? (जीएएमआई) - कागज। हम सभी को बचपन में स्नोफ्लेक्स में कटौती करना पसंद था - किरीगामी का संस्करण, आप न केवल बर्फ के टुकड़े, बल्कि विभिन्न आंकड़े, फूल, माला और कागज के अन्य प्यारे टुकड़े भी इतनी तकनीक में कटौती कर सकते हैं। इन उत्पादों को कपड़ों, इंटीरियर और अन्य विभिन्न सजावट के डिजाइन में प्रिंट, एल्बमों की सजावट, पोस्टकार्ड, फोटो फ्रेम की सजावट के लिए स्टैंसिल के रूप में उपयोग किया जा सकता है।

Ikebana।
Ikebana, (याप ??? या ????) जापानी भाषा से अनुवाद - ike "- जीवन," प्रतिबंध "- फूल, या" फूल जो रहते हैं। " जापानी कला व्यवस्था कला जापानी लोगों की सबसे खूबसूरत परंपराओं में से एक है। फूलों के साथ एक ऑस्काबान तैयार करते समय, फूलों के साथ, शाखाओं, पत्तियों और शूटिंग का उपयोग किया जाता है .. उत्तम सादगी के सिद्धांत का उपयोग यह करने के लिए किया जाता है कि वे पौधों की प्राकृतिक सुंदरता पर जोर देने की कोशिश करते हैं। Ikebana एक नया प्राकृतिक रूप बनाना है जिसमें फूल की सुंदरता और विज़ार्ड की आत्मा की सुंदरता रचना बनाने के लिए सामंजस्यपूर्ण रूप से संयुक्त है।
आज जापान में Ikeban के 4 सबसे बड़े स्कूल हैं: Ikenobo, Koryu (Koryu), Ohara (ओहारा), Sogetsu। उनके अलावा हजारों अलग-अलग निर्देश और रुझान हैं जो इन स्कूलों में से एक का पालन करते हैं।

ओरीबान
17 वीं शताब्दी के मध्य में, ओखारा के दो स्कूल Ikenobo (Ikebany - Oriban का मुख्य रूप) और कोरी (मुख्य रूप - बोर्ड) से प्रस्थान कर रहे थे। वैसे, ओकहर का स्कूल अभी भी ओरीबैन का अध्ययन करता है। जैसा कि जापानी कहते हैं, यह बहुत महत्वपूर्ण है कि ओरिगामी उत्पत्ति में नहीं बदलता है। जापानी में जॉनी का मतलब कचरा है। आखिरकार, जैसा कि होता है, मैंने कागज का एक टुकड़ा फोल्ड किया, और फिर इसके साथ क्या करना है? ओरीबान आंतरिक सजावट के लिए गुलदस्ते के बहुत सारे विचार प्रदान करता है। Oribana \u003d Origami + Ikebana

Oshiban।
फ्लोरीस्ट्री द्वारा पैदा हुई ललित कला की उपस्थिति। हमारी फ्लोरीस्ट्री आठ साल पहले दिखाई दी, हालांकि जापान में छह सौ से अधिक वर्षों के हैं। एक बार मध्य युग में, समुराई को योद्धा का मार्ग मिला। और ओसीबान इस मार्ग का हिस्सा था, जो कि हाइरोग्लिफ के लेखन और तलवार के स्वामित्व के समान था। ओशिबान का अर्थ यह था कि इस पल में कुल उपस्थिति की स्थिति में (साटन), मास्टर ने सूखे फूलों (पूर्ण रंगों) की एक तस्वीर बनाई। फिर यह तस्वीर उन लोगों के लिए एक कुंजी, कंडक्टर के रूप में काम कर सकती है जो चुप्पी में प्रवेश करने के लिए तैयार थे और उस बहुत सैट में जीवित रहते थे।
"ओसिबरन" की कला का सार यह है कि, प्रेस फूलों, जड़ी बूटियों, पत्तियों, छाल के नीचे इकट्ठा करना और सूखना और उन्हें आधार पर चिपकाया गया, लेखक पौधों के साथ "चित्रकला" का वास्तव में उत्पाद बनाता है। दूसरे शब्दों में, ओशिबाना पौधों द्वारा एक पेंटिंग है।
फूलों का कलात्मक काम संयंत्र सूखे सामग्री के रूप, रंग और बनावट के संरक्षण पर आधारित है। जापानी ने "ओसिबान" पेंटिंग्स को बर्नआउट और अंधेरे से रोकने के लिए एक पद्धति विकसित की है। इस तथ्य में इसका सार कि हवा और तस्वीर को हवा में पंप किया जाता है और एक वैक्यूम बनाया जाता है जो पौधों को बिगड़ने के लिए नहीं देता है।
यह न केवल इस कला की गैर-परंपरांत्रिता को आकर्षित करता है, बल्कि पौधों के गुणों के गुणों, स्वाद, ज्ञान को दिखाने का अवसर भी देता है। Florists गहने, परिदृश्य, अभी भी जीवन, पोर्ट्रेट और साजिश चित्रों का प्रदर्शन करते हैं।

तामरी।
ये पारंपरिक जापानी ज्यामितीय रूप से कढ़ाई वाली गेंदें हैं, जो सरल सिलाई द्वारा बनाई गई हैं, जो एक बार बच्चों के खिलौने के रूप में कार्य करती थीं, और अब लागू कला का एक रूप बन गई है, न केवल जापान में, बल्कि दुनिया भर में कई प्रशंसकों हैं। ऐसा माना जाता है कि बहुत समय पहले, इन उत्पादों को मनोरंजन के लिए समुराई पत्नियों द्वारा निर्मित किया गया था। शुरुआत में, वे वास्तव में गेंद खेलने के लिए एक गेंद के रूप में उपयोग किए जाते थे, लेकिन कदम से कदम उठाकर कला तत्वों को हासिल करना शुरू कर दिया, बाद में सजावटी सजावट में बदल दिया। इन गेंदों की सभ्य सुंदरता पूरे जापान में जाना जाता है। और आज, रंगीन, ध्यान से निर्मित उत्पाद जापान के लोक शिल्प के प्रकारों में से एक हैं।

JUBES।
एक मैनुअल सिलाई या कढ़ाई के साथ जापानी thimbles, वे फिंगरिप्स की मदद से, काम करने वाले हाथ की मध्य उंगली के मध्य phalanx पर रखा जाता है, सुई वांछित दिशा दी जाती है, और मध्य उंगली पर सुई के छल्ले धक्का दिया जाता है काम पर। प्रारंभ में, एमओओ के जापानी फ्रॉस्टर्स काफी सरल थे - कुछ परतों में घने ऊतक या चमड़े के लगभग 1 सेमी चौड़े की एक पट्टी कसकर उंगली के चारों ओर घूमती थी और कई साधारण सजावटी सिलाई के साथ एक साथ उपवास किया जाता था। चूंकि जुबियोप प्रत्येक घर में आवश्यक विषय थे, इसलिए उन्होंने रेशम धागे के साथ ज्यामितीय कढ़ाई के साथ सजाने के लिए शुरू किया। बुनाई सिलाई से, रंगीन और जटिल पैटर्न बनाए गए थे। जीवन के एक साधारण जीवन से मावे भी "प्यार", सजाने वाले रोजमर्रा की जिंदगी के लिए एक विषय में बदल गया है।
सिलाई और कढ़ाई के दौरान जुबियोप का अभी भी उपयोग किया जाता है, लेकिन इसके अलावा वे पाए जा सकते हैं और सजावटी छल्ले की तरह किसी भी उंगली पर अपने हाथों पहन सकते हैं। मशरूम की शैली में कढ़ाई एक अंगूठी के रूप में विभिन्न वस्तुओं को सजाने के लिए - नैपकिन, कंगन के लिए अंगूठियां, तकनीक के लिए खड़े हैं, जो जुबियस की एक कढ़ाई से सजाए गए हैं, यहां तक \u200b\u200bकि उसी शैली में भी कढ़ाई की सुइयों हैं। Yubinuki विलो कढ़ाई Obsemi के लिए प्रेरणा का एक उत्कृष्ट स्रोत हो सकता है।

कानज़ाशी।
सजावटी हेयरपिन की कला (सबसे अधिक बार फूलों (तितली और इतने पर) के साथ सजाया जाता है। सिल्वर, कछुए खोल पारंपरिक चीनी और जापानी हेयर स्टाइल में उपयोग किया जाता है। लगभग 400 साल पहले, जापान में महिला केश विन्यास की शैली बदल गई: महिलाओं ने पारंपरिक आकार में बालों को बंद कर दिया - तारगामी (लंबे सीधे बाल) और उन्हें जटिल और विचित्र रूपों में डालने लगा - निहोंगामी। बालों की स्टाइल के लिए हमने विभिन्न वस्तुओं का उपयोग किया - स्टड, लाठी, लकीरें। तब भी एक साधारण कंघी कुशी भी सुरुचिपूर्ण असामान्य सौंदर्य सहायक में बदल जाता है, जो कला का वास्तविक काम बन जाता है। जापानी महिला पारंपरिक पोशाक की अनुमति नहीं दी गई कलाई आंखों और हार, इसलिए केश विन्यास सजावट आत्म अभिव्यक्ति के लिए मुख्य सौंदर्य और क्षेत्र थे - साथ ही साथ स्वाद और बटुए की मोटाई के प्रदर्शन ओल्या मालिक। उत्कीर्णन पर, आप देख सकते हैं - यदि आप जापानी को देखते हैं, तो इसे अपने हेयर स्टाइल में बीस महंगे कानज़ाशी में रखना आसान था।
वर्तमान में, युवा जापानी महिलाओं के बीच कानज़ाशी का उपयोग करने के लिए परंपराओं का पुनरुत्थान है जो अपने हेयर स्टाइल में परिष्कार और लालित्य जोड़ना चाहते हैं, आधुनिक हेयरपिन केवल एक या दो सुरुचिपूर्ण सुईवुड फूलों के साथ सजाए जा सकते हैं।

कुमिकिमो।
कुमिचिमो एक जापानी बुनाई लेस-ब्रैड्स है। जब बुनाई धागे, पसलियों और लेस प्राप्त होते हैं। ये लेस विशेष मशीनों पर भाग रहे हैं - मारुदाई और ताकाडे। मिर्दी मशीन का उपयोग गोल जूते, और Takaday - फ्लैट के लिए किया जाता है। जापानी से अनुवादित कुमिखिमो का मतलब है "रस्सी बुनाई" (कुमी - बुनाई, एक साथ तह, हिमो एक रस्सी, फीता है)। इस तथ्य के बावजूद कि इतिहासकार लगातार जोर देते हैं, जैसे कि स्कैंडिनेवियाई लोगों और एंडीज के निवासियों में ऐसी बुनाई मिल सकती है, कुमिचिमो की जापानी कला वास्तव में सबसे प्राचीन प्रकार के बुनाई में से एक है। उनका पहला उल्लेख 550 को संदर्भित करता है, जब बौद्ध धर्म पूरे जापान और विशेष समारोहों में फैले हुए विशेष सजावट की मांग की जाती है। बाद में, Cumicho Shoelaces मादा किमोनो पर एक पत्ता बेल्ट clatter के रूप में उपयोग करना शुरू किया, क्योंकि पूरे समुराई हथियार आर्सेनल के "पैकेजिंग" के लिए रस्सियों के रूप में (कुमिकिमो समुराई सजावटी और कार्यात्मक उद्देश्यों में अपने कवच और घोड़े कवच बांधने के लिए) के रूप में अच्छी तरह से भारी वस्तुओं के एक लिगामेंट के लिए।
कार्डबोर्ड से घर का बना मशीनों पर आधुनिक cumihimo बुनाई के विभिन्न प्रकार के पैटर्न बहुत आसानी से।

Suibokuga या सुमी।
जापानी मस्करा चित्रकारी। इस चीनी चित्रकला शैली को जापानी कलाकारों द्वारा XIV शताब्दी में और एक्सवी शताब्दी के अंत तक उधार लिया गया था। जापान में पेंटिंग की मुख्य दिशा में बदल गया। सुमीबोकुगा मोनोक्रोम। यह ब्लैक कैंसर (एसयूआई), ठोस लकड़ी कोयले, या चीनी कारकैश के उपयोग से विशेषता है, जो स्टील्स में जमे हुए है, पानी के साथ पतला है और कागज या रेशम पर ब्रश के साथ लागू होता है। MonoCromicity Tonal विकल्पों के मास्टर अंतहीन चयन प्रदान करता है, जो चीनी लंबे समय से शवों के "फूल" द्वारा मान्यता प्राप्त है। Sumybokuga कभी-कभी हमें वास्तविक रंगों का उपयोग करने की अनुमति देता है, लेकिन पतली, पारदर्शी स्ट्रोक के साथ इसे सीमित करता है, जो हमेशा कार में किए गए अधीनस्थ रेखाएं रहते हैं। एक शव में पेंटिंग इस तरह की आवश्यक विशेषताओं को सख्ती से नियंत्रित अभिव्यक्ति और फॉर्म के तकनीकी कौशल के रूप में सुलेख की कला के साथ साझा करती है। मस्करा में पेंटिंग की गुणवत्ता नीचे आती है, जैसे कि सुलेख, स्याही द्वारा आयोजित लाइन को तोड़ने के लिए ईमानदारी और प्रतिरोध के लिए,, जैसे कि वह कला के काम को बनाए रखता है, जैसे हड्डियों की तरह कपड़े पकड़ते हैं।

Etigami।
तैयार पोस्टकार्ड (ई - चित्र, टैग - पत्र)। अपने हाथों से पोस्टकार्ड बनाना आम तौर पर जापान में एक बहुत ही लोकप्रिय गतिविधि है, और छुट्टी से पहले, इसकी लोकप्रियता और भी बढ़ रही है। जापानी अपने दोस्तों को ग्रीटिंग कार्ड भेजने के लिए प्यार करते हैं, और उन्हें बहुत प्यार करते हैं। यह विशेष रिक्त स्थान पर एक प्रकार का तेज़ पत्र है, इसे लिफाफे के बिना मेल द्वारा भेजा जा सकता है। Etegs में कोई विशेष नियम या तकनीक नहीं है, यह किसी भी विशेष प्रशिक्षण के बिना कर सकते हैं। चरण आपके मनोदशा, इंप्रेशन, इस पोस्टकार्ड को अपने हाथों से बना है, जिसमें एक तस्वीर और एक संक्षिप्त पत्र शामिल है, जो प्रेषक की भावनाओं को प्रेषित करता है, जैसे गर्मी, जुनून, देखभाल, प्रेम इत्यादि। छुट्टियों के लिए इन पोस्टकार्डों को गेट करें और इसी तरह, मौसम, कार्य, सब्जियां और फल, लोगों और जानवरों को दर्शाते हुए। यह चित्र तैयार किया गया है, जितना अधिक रोचक लगता है।

फरोशिकी।
जापानी पैकेजिंग उपकरण या कपड़े तहखाने कला। Furoshiki लंबे समय से जापानी के जीवन में प्रवेश किया। कामकुरा-मुरोमाटी (1185-1573) की अवधि के प्राचीन स्क्रॉल को कपड़ों के ऊतकों में पैक की गई महिलाओं की छवियों के साथ संरक्षित (1185 - 1573) संरक्षित किया गया है। यह दिलचस्प तकनीक जापान में हमारे युग के 710 - 7 9 4 में हुई थी। शब्द "फरोशिकी" का शाब्दिक रूप से "स्नान चटाई" के रूप में अनुवाद किया जाता है और यह कपड़े का एक वर्ग टुकड़ा है जिसका उपयोग किसी भी आकार और आकार की वस्तुओं को लपेटने और ले जाने के लिए किया जाता था।
जापानी स्नान (फूरो) में पुराने दिनों में, कपास किमोनो के फेफड़ों में चलने के लिए यह परंपरागत था, जो आगंतुकों ने घर से उनके साथ लाया था। बैचर ने एक विशेष गलीचा (ठाठ) भी लाया जिस पर वह अपूर्ण होने पर खड़ा था। "स्नान" किमोनो में बदल गया, आगंतुक ने अपने कपड़े को एक गलीचा के साथ लपेट लिया, और स्नान के बाद एक गीले किमोनो गलीचा में उसे घर ले जाने के लिए लपेटा गया। इस प्रकार, स्नान गलीचा एक मल्टीफंक्शन बैग में बदल गया।
Furoshiki आवेदन में बहुत सुविधाजनक है: कपड़े उस वस्तु का रूप लेता है जिसे आप लपेटते हैं, और हैंडल कार्गो को स्थानांतरित करना आसान बनाता है। इसके अलावा, लपेटा गया एक उपहार कठोर कागज में नहीं है, लेकिन मुलायम, बहु-परत कपड़े में, विशेष अभिव्यक्ति प्राप्त करता है। किसी भी अवसर, हर रोज या उत्सव के लिए कई मूर्खतापूर्ण योजनाएं हैं।

Kinusayiga।
जापान से सुईवर्क का अद्भुत दृश्य। Kinusayiga (Kinusaiga, ???) एक लड़ाई और पैचवर्क सीवेज के बीच कुछ पार है। मुख्य विचार यह है कि पुराने रेशम किमोनोस से वे नए चित्रों - कला के सच्चे कार्यों को इकट्ठा करते हैं।
सबसे पहले, कलाकार कागज पर एक स्केच बनाता है। फिर यह ड्राइंग लकड़ी के अपार्टमेंट में स्थानांतरित कर दिया गया है। चित्र का समोच्च ग्रूव, या ग्रूव में कटौती करता है, और फिर पुराने रेशम किमोनो से छोटे काटते हैं, पैचवर्क के रंग और स्वर के लिए उपयुक्त होते हैं, और इन फ्लैप के किनारों को ग्रूव से भरा जाता है। जब आप इस तरह की तस्वीर देखते हैं, तो एक भावना होती है कि आप फोटो को देखते हैं, या यहां तक \u200b\u200bकि खिड़की के बाहर परिदृश्य को देखते हैं, बहुत यथार्थवादी हैं।

अमीगुरुमी।
जापानी बुनाई या बुनाई छोटे नरम जानवरों और मानव-जैसे जीवों की कला। अमीगुरुमी (याप। ????, पत्र: "बुना हुआ पकाया") - यह अक्सर प्यारा जानवर है (जैसे भालू, बनीज, बिल्लियों, कुत्तों, आदि), पुरुष, लेकिन यह मानव के साथ समाप्त अनिश्चित वस्तुओं हो सकता है गुण। उदाहरण के लिए, कपकेक, टोपी, हैंडबैग और अन्य। Amigurum बुनाई या बुनाई या crochet। हाल ही में, एक क्रोकेट से जुड़े अमिगुरम अधिक लोकप्रिय हो गए हैं और अधिक बार होते हैं।
एक साधारण बुनाई तरीके से यार्न से बुनाई - हेलिक्स पर और बुनाई की यूरोपीय विधि के विपरीत, मंडल आमतौर पर जुड़े नहीं होते हैं। वे किसी भी अंतराल के बिना एक बहुत घने कपड़े बनाने के लिए यार्न की मोटाई के सापेक्ष छोटे क्रोकेटेड को भी बुनाई करते हैं जिसके माध्यम से पैडिंग सामग्री बाहर निकल सकती है। अमीगुरम अक्सर भागों से बने होते हैं और फिर उन्हें जोड़ते हैं, अपवाद कुछ amigurines है जिसमें अंग नहीं होते हैं, लेकिन केवल सिर और धड़ है जो एक पूरे को बनाते हैं। अंगों को कभी-कभी जीवित वजन देने के लिए अंगों से भरा होता है, जबकि बाकी फाइबर फिलर से भरा होता है।
सौंदर्यशास्त्र Amigurums का प्रसार उनकी उपस्थिति ("cavayness") में योगदान देता है।

बोन्साई।
बोन्साई, एक घटना के रूप में, एक हजार साल पहले चीन में दिखाई दी, लेकिन उनके विकास की चोटी इस संस्कृति को केवल जापान में ही पहुंची। (बोन्साई - याप। ?? पत्र। "एक बर्तन में संयंत्र") - लघु पेड़ की एक सटीक प्रतिलिपि की एक सटीक प्रतिलिपि की कला। ये पौधे बौद्ध भिक्षुओं द्वारा उगाए गए थे, कुछ सदियों बीसी में और बाद में स्थानीय कुलीनता के सबक में से एक में बदल गए।
बोन्साई ने जापानी घरों और बगीचों को सजाया। टोकुगावा के युग में, पार्क डिजाइन को एक नया उत्साह मिला: अज़ाली और क्लेन की खेती अमीर लोगों का पेस्ट्री समय बन गई। बौनेस्की फसल उत्पादन (झोपड़ी-नो-की - "एक बर्तन में पेड़") भी विकसित हुआ, लेकिन उस समय बोन्साई बहुत बड़ी थी।
अब बोन्साई के लिए पारंपरिक पेड़ों का उपयोग करता है, छोटे वे लगातार ट्रिमिंग और कई अन्य तरीकों के कारण बन जाते हैं। साथ ही, रूट सिस्टम के आकार का अनुपात, रिग की मात्रा से सीमित है, और बोन्साई का जमीन हिस्सा प्रकृति में वयस्क पेड़ के अनुपात से मेल खाता है।

श्रृंखला संदेश "":
भाग 1 - जापानी प्रकार के सुईवर्क

जापानी सजावटी और लागू कला के कार्यों परंपरागत रूप से वार्निश, चीनी मिट्टी के बरतन और सिरेमिक उत्पादों, लकड़ी के नक्काशी, हड्डियों और धातु, कलात्मक रूप से सजाए गए कपड़े और कपड़े, हथियार कला आदि के काम आदि शामिल हैं। सजावटी और लागू कला के कार्यों के विनिर्देश निम्नानुसार हैं : उनके पास एक नियम, विशुद्ध रूप से व्यावहारिक, उपयोगितावादी उपयोग के रूप में है, लेकिन साथ ही वे एक व्यक्ति के दैनिक जीवन की सेवा करते हुए पूरी तरह से सौंदर्य भूमिका निभाते हैं। जापानी के लिए आसपास के सामानों के सौंदर्यशास्त्र उनके व्यावहारिक उद्देश्य से कम नहीं था: सौंदर्य की सलाह। इसके अलावा, जापानी की पारंपरिक चेतना के लिए, सुंदरता के प्रति एक विशेष दृष्टिकोण ब्रह्मांड के रहस्यों में से एक है। जापानी के लिए सौंदर्य हमारी रोजमर्रा की दुनिया की सीमाओं पर एक घटना है, जिसे शब्दों में वर्णित किया जा सकता है और कारण समझ सकता है। आधुनिक पश्चिमी संस्कृति आगे, तर्कसंगत, रोजमर्रा की दुनिया की धारणा के ढांचे के लिए मानव जीवन को कम करने की कोशिश कर रही है, जहां तथाकथित "सामान्य ज्ञान" के कानून प्रभुत्व रखते हैं। जापानी के लिए, हर रोज, सामान्य, भौतिक दुनिया के मामलों में उनकी चरम व्यावहारिकता और व्यावहारिकता के बावजूद, एक भ्रमित और क्षणिक के रूप में माना जाता था। और उसके चेहरे के पीछे एक और, अनावरण की दुनिया है, जो मूल रूप से "सामान्य ज्ञान" के मानकों के लिए उपयुक्त नहीं है और जिन्हें शब्दों में वर्णित नहीं किया जा सकता है। उच्च जीव वहां रहते हैं, जीवन और मृत्यु का रहस्य उसके साथ जुड़ा हुआ है, साथ ही साथ सौंदर्य के सिद्धांतों सहित कई रहस्यों के साथ जुड़ा हुआ है। वह दुनिया हमारे भीतर परिलक्षित होती है, एक पानी के स्ट्रॉइट में एक चंद्रमा के रूप में, सुंदर और रहस्यमय की तेज और अपमानजनक भावना वाले लोगों की आत्माओं में बोलती है। जो लोग सुंदरता के अर्थ और रंगों के इस पतले और बहुआयामी अर्थ को देखने और सराहना करने में सक्षम नहीं हैं, जापानी को निराशाजनक, असभ्य बर्बर लोगों माना जाता है।

अपरिवर्तनीय दुनिया के बीच अपने रिश्ते में खुद को स्थापित करने के लिए, जापानी (सब से ऊपर - अभिजात वर्ग, अभिजात वर्ग) अनुष्ठान कार्यों, और विशेष रूप से उनके सौंदर्य पक्ष के लिए बहुत महत्व देता है। यहां से साकूरा के रंग, अल्मी मेपल, पहले बर्फ, सूर्योदय और सूर्यास्त, साथ ही कविता प्रतियोगिताओं, रंगों की व्यवस्था (इकेटुबाणा), नाटकीय प्रदर्शन इत्यादि जैसी प्रशंसा करने के लिए समारोह हैं, चाय या सैकके, मेहमानों की बैठक जैसी भी ऐसी साधारण रोजमर्रा की स्थितियां या घनिष्ठ निकटता में प्रवेश, जापानी ने रहस्यमय कार्रवाई का अर्थ दिया। एक ही समय में जीवन वस्तुओं ने अनुष्ठान विशेषताओं की भूमिका निभाई। ऐसे मास्टर्स जिन्होंने ऐसी वस्तुओं को बनाया है, उन्हें एक निर्दोष सौंदर्य उपस्थिति देने की मांग की गई। उदाहरण के लिए, पहली नज़र में, मोटे और असमान एक चाय समारोह के लिए कई कटोरे, मुख्य रूप से इस तथ्य के लिए असामान्य रूप से अत्यधिक मूल्यवान थे कि उन्होंने "अन्य दुनिया" सौंदर्य की मुहर ली, उन्हें एक संपूर्ण ब्रह्मांड लग रहा था।

यह सजावटी और लागू कला के कई अन्य कार्यों पर पूरी तरह से लागू होता है: आंकड़े, नेटज़के, बक्से - इन्रो, वार्निश, सुरुचिपूर्ण क्षेत्रों (किमोनो लघु आस्तीन) उत्तम और बढ़ी सजावट, झुंझलाहट, प्रशंसकों, लालटेन, और विशेष रूप से, पारंपरिक जापानी हथियारों के साथ। जापानी सजावटी और लागू कला में पारंपरिक सौंदर्य सिद्धांतों का व्यावहारिक अवतार हम जापानी कलात्मक तलवारों के उदाहरण पर विचार करते हैं।

किसी भी जापानी के लिए, तलवार लगभग धार्मिक पूजा का विषय है, न केवल वर्तमान मालिक के भाग्य के साथ एक रहस्यमय रूप से जुड़ा हुआ है, बल्कि उन सैनिकों की पूरी पीढ़ियों द्वारा भी जो उन्हें जानते हैं। इसके अलावा, कई तलवारों को एनिमेटेड माना जाता है - उनकी अपनी आत्मा, उनकी इच्छा, उनका अपना चरित्र है। प्राचीन काल से, तलवार ने सत्ता के प्रतीक के रूप में कार्य किया, समुराई मुकाबला भावना का प्रतीक और सिंटो और बौद्ध संप्रदायों दोनों के साथ जुड़ा हुआ था। फोर्जिंग तलवार की प्रक्रिया एक संश्लेत्ती रहस्य के लिए धार्मिक संस्कार के बराबर है। एक लोहार-गनस्मिथ, एक तलवार की फोर्जिंग से शुरू होता है, सख्त अनुष्ठान कार्य करता है: पोस्ट को रखता है, सफाई करने वाले झुकाव करता है, देवताओं को प्रार्थना करता है, जो अदृश्य रूप से मदद करता है और अपना काम भेजता है। बनाई गई तलवार में, कामी की भावना फिल्मी हुई है, इसलिए तलवार सभी मामलों में निर्दोष होना चाहिए।

दरअसल, जापानी पारंपरिक तलवारों में लड़ रहे और सौंदर्य दोनों के विशेष गुण होते हैं; अवमानना \u200b\u200bऔर प्रशंसा विशेषज्ञों की एक अच्छी तलवार कई अद्वितीय विवरणों के साथ कला के वास्तविक काम के रूप में अंतहीन रूप से लंबे समय तक हो सकती है। ऐसा माना जाता है कि जापानी तलवार में "चार प्रकार की सुंदरता" है: 1) एक सुरुचिपूर्ण सही रूप (तलवार के आकार के कई प्रकार हैं; एक नियम के रूप में, जापानी ब्लेड में एक ब्लेड और सुरुचिपूर्ण मोड़ है; हालांकि, वहाँ हैं डबल-एज ब्लेड और सीधे ब्लेड; 2) फोर्जिंग के दौरान गठित स्टील की एक विशेष संरचना (उदाहरण के लिए, कुछ ब्लेड पर, एक ड्राइंग का गठन किया जाता है, एक क्रिस्टल या लकड़ी की एक स्तरित संरचना जैसा दिखता है, छोटे या बड़े "अनाज" दूसरों पर दिखाई देते हैं, पारदर्शिता का भ्रम); 3) ब्लेड की सख्तता के परिणामस्वरूप ब्लेड के साथ गठित एक विशेष चमकती रेखा (हैन) (हामान की कई किस्में हैं - कुछ तेज पर्वत शिखर के समान हैं, अन्य - आसानी से उग्र तरंगों, तीसरे विचित्र बादल, आदि।); 4) एक पूरी तरह से पॉलिशिंग जो ब्लेड विशिष्ट चमक और चमक देता है। कुछ ब्लेड पर, ड्रेगन के राहत आंकड़े, बाहों के समुराई कोट, अलग-अलग हाइरोग्लिफ्स इत्यादि भी काट दिए गए थे। कई ब्लेड के शंकु पर, उनके निर्माता सुलेख शिलालेखों को काटते हैं, कभी-कभी कीमती धातुओं को घेरते हैं।

एक तलवार का एक गायन जिसमें बड़ी संख्या में व्यक्तिगत भागों से मिलकर भी जुड़ा हुआ था, जिनमें से कई कला के स्वतंत्र कार्य हैं। तलवार के हैंडल को मैगनोलिया के पेड़ से काट दिया गया था, फिर वह स्केट या शार्क की त्वचा से ढकी हुई थी और एक रेशम या चमड़े की कॉर्ड से धोया गया था। गार्डा तलवार (त्सुबा) को हैंडल की मुख्य सजावट के रूप में कार्य किया। जुबा विभिन्न आकार (गोल, अंडाकार, स्क्वायर, ट्रैपेज़ॉइड, क्राइसेंथेमम फूल का आकार) का हो सकता है, वे लौह, तांबा, कांस्य से घायल हो गए थे, कई चांदी, सोने या विशिष्ट जापानी मिश्र धातुओं से सजाए गए थे। प्रत्येक घन की अपनी अनूठी सजावट थी (स्लिट सिल्हूट, उत्कीर्णन, जड़, विभिन्न धातुओं से विभिन्न धातुओं से अस्तर, मछली, जानवरों, देवताओं, देवताओं, फूलों, पेड़ों) के रूप में और वास्तव में, गहने का काम था कला। एक ब्लेड की तरह, कई ज़ब्स अपने स्वामी बनाने के चित्रलिपि हस्ताक्षरों के साथ सजाए गए थे। ज़ीब के अलावा, हैंडल में कॉर्ड के नीचे स्थित छोटे धातु के आंकड़े - मेनूकी समेत कई और सजावटी तत्व थे। मेसुकी, अक्सर चांदी और सोने से सजाए गए, सबसे विचित्र रूप हो सकते हैं: मोती के साथ एक ड्रैगन खेल रहा है; बादलों में चंद्रमा; पावलोनिया के एक फूल पर आदमी सो रहा है; दानव - टेंगू; सागर कैंसर या कीट। मेनुकी ने ताबीज की भूमिका निभाई, इसके अलावा, उन्होंने योद्धा की हथेली से फिसलने के लिए तलवार नहीं दी। म्यान के सौंदर्यशास्त्र को बहुत अधिक ध्यान दिया गया था। शीथ आमतौर पर लकड़ी से बाहर कटौती और वार्निश के साथ कवर किया गया - काला, लाल, सोना। कभी-कभी उन्हें पॉलिश स्केट त्वचा या धातु प्लेटों से कड़ा कर दिया गया था; कभी-कभी - हाथीदांत से बाहर कटौती या मोती, सोने या चांदी के पायदान आदि की मां को घायल कर दिया। । म्यान पर सजावट पर इसी तरह की सजावट में भाग लिया जा सकता है, इस प्रकार वे एक तलवार के सजावटी डिजाइन की एक शैली बनाते हैं - उदाहरण के लिए, एक मकसद ड्रेगन या समुद्री निवासियों के साथ फैल गया था। इसके अलावा, कई तलवारों (विशेष रूप से ताती, ब्लेड के विशेष लटकन पहने हुए, कटाना के विपरीत, जो ब्लेड बेल्ट ऊपर खड़े हुए) को ब्रश और सजावटी नोड्स के साथ शानदार रेशम तारों से सजाए गए थे। म्यान के रंग, रूप और सजावट पर, समुराई के पद का न्याय करना संभव था; इसके अलावा, कुछ मामलों में, शिष्टाचार ने एक विशेष प्रकार की म्यान निर्धारित किया: उदाहरण के लिए, समुराई अंतिम संस्कार किसी भी सजावट से रहित सरल काले म्यान में तलवारों के साथ आया था। उच्चतम अभिजात वर्ग के प्रतिनिधियों ने गिल्डेड म्यान में तलवारें की, जो कीमती पत्थरों से समृद्ध रूप से सजाए गए थे।

जापान में, ब्लेड, उनके पॉलिशिंग, म्यान के निर्माण, तलवार के निर्माण, प्याज, तीर, क्विवर, कवच और हेलमेट के उत्पादन में लगे हुए गनस्मिथ के कई पारिवारिक स्कूल थे। कई बंदूकधारियों के कौशल (जैसे कि मसामुने, जो XIII-अर्ली XIV शताब्दी के अंत में रहते थे) किंवदंतियों में गए, उन्हें जादूगर माना जाता था जो आत्माओं के साथ संवाद करते थे, और उनके हाथों को उनके हाथों की रचनाओं के लिए जिम्मेदार ठहराया गया था।

गहरी पुरातनता के साथ, लाख उत्पादों को जापान में जाना जाता है, उनके अवशेष जिज़ोन युग के पुरातात्विक स्मारकों में पाए जाते हैं। एक गर्म और गीले जलवायु में, लापरवाही कोटिंग्स को विनाश से लकड़ी के, चमड़े और यहां तक \u200b\u200bकि धातु उत्पादों द्वारा संरक्षित किया गया था। जापान में लाखों सबसे व्यापक आवेदन मिला: व्यंजन, घर का बना बर्तन, हथियार, कवच, आदि। लाहर उत्पादों ने विशेष रूप से कुलीनता के लिए घरों में अंदरूनी की सजावट की सेवा भी की। पारंपरिक जापानी वार्निश - लाल और काला, साथ ही गोल्डन; ईदो अवधि के अंत तक, पीले, हरे, भूरे रंग के वार्निश का उत्पादन शुरू हुआ। XX शताब्दी की शुरुआत तक। सफेद, नीला और बैंगनी लाह प्राप्त किया गया था। वार्निश एक लकड़ी के आधार पर एक बहुत मोटी परत के साथ लागू होता है - 30-40 परतों तक, फिर दर्पण चमक के लिए पॉलिश किया जाता है। वार्निश के उपयोग से जुड़े कई सजावटी तकनीकें हैं: माकी-ई - सोने और चांदी के पाउडर का उपयोग; उरुसी-ई - लापो पेंटिंग; हिमन - एक संयोजन; सोने, चांदी और मोती जड़ के साथ लाख पेंटिंग। जापानी कलात्मक लाखों न केवल जापान में, बल्कि पश्चिम में, उनका उत्पादन इस दिन तक बढ़ता है।

सिरेमिक उत्पादों के लिए विशेष व्यसन परीक्षण जापानी। उनमें से सबसे पहले पुरातात्विक उत्खनन के माध्यम से जाना जाता है और डीज़ोन अवधि से संबंधित है। जापानी मिट्टी के बरतन और बाद में, चीनी मिट्टी के बरतन, चीनी और कोरियाई प्रौद्योगिकियों, विशेष रूप से भुना हुआ और रंगीन शीशा लगाना। जापानी सिरेमिक की एक विशिष्ट विशेषता - मास्टर ध्यान न केवल फॉर्म, सजावटी आभूषण और उत्पाद के रंग के लिए भुगतान किया गया है, बल्कि मानव हथेली के संपर्क के साथ होने वाली टीएटीटीए संवेदनाओं का भी भुगतान किया जाता है। सिरेमिक के लिए पश्चिमी जापानी दृष्टिकोण के विपरीत, फॉर्म का आकार, सतह खुरदरापन, क्रैकिंग दरारें, शीशा का प्रवाह, मास्टर के फिंगरप्रिंट और सामग्री के प्राकृतिक बनावट का प्रदर्शन। कलात्मक सिरेमिक उत्पादों में शामिल हैं, सबसे पहले, कटोरा समारोह के कटोरे, केटल्स, वासेस, बर्तन, सजावटी व्यंजन, खाते जहाजों आदि। चीनी मिट्टी के बरतन उत्पादों में परिष्कृत सजावट, चाय और शराब सेट और विभिन्न प्रकार के मूर्तियों के साथ मुख्य रूप से पतली दीवार वाली vases हैं। जापानी चीनी मिट्टी के बरतन का एक महत्वपूर्ण हिस्सा विशेष रूप से पश्चिम देशों को निर्यात के लिए निर्मित किया गया था।

लेख की सामग्री

जापानी कला।प्राचीन काल से, एक सक्रिय रचनात्मक शुरुआत जापानी कला की विशेषता थी। चीन पर निर्भरता के बावजूद, जहां नई कलात्मक और सौंदर्य निर्देश लगातार उभरे थे, जापानी कलाकारों ने हमेशा नई विशेषताएं बनाई और अपने शिक्षकों की कला को बदल दिया, जिससे उन्हें एक जापानी उपस्थिति मिल गई।

जापान का इतिहास इस तरह के रूप में 5 वी के अंत में कुछ रूपों को प्राप्त करने के लिए शुरू होता है। पिछले सदियों (पुरातन अवधि) से संबंधित वस्तुओं को अपेक्षाकृत छोटा खोज लिया गया है, हालांकि कुछ खुदाई के दौरान या निर्माण कार्य के दौरान किए गए कुछ पते हैं, वे अद्भुत कलात्मक प्रतिभा के बारे में बात करते हैं।

पुरातन काल।

जापानी कला का सबसे पुराना काम जेमन (कॉर्ड इंप्रेशन) जैसे मिट्टी के बर्तन हैं। यह नाम सतह की सतह से आता है जो कॉर्ड के सर्पिल प्रिंट के साथ होता है, जो पोत के निर्माण में उपयोग की जाने वाली लाठी के चारों ओर लपेटा जाता है। शायद, मास्टर की शुरुआत में गलती से ब्रेड प्रिंट की खोज की, लेकिन फिर उन्होंने जानबूझकर आवेदन करना शुरू कर दिया। कभी-कभी ताररहित मिट्टी कर्ल, एक और जटिल सजावटी प्रभाव पैदा करते हुए, लगभग राहत सतह पर फंस गई थी। ज़ामन की संस्कृति में, पहली जापानी मूर्तिकला उत्पन्न हुई। कुत्ते (एक व्यक्ति या एक जानवर के "मिट्टी की छवि") शायद किसी प्रकार का धार्मिक अर्थ था। लोगों की छवियां, ज्यादातर महिलाएं, अन्य आदिम संस्कृतियों के मिट्टी के देवताओं के समान हैं।

रेडियो कार्बन विश्लेषण से पता चलता है कि जेमन संस्कृति से कुछ निष्कर्ष 6-5 हजार ईसा पूर्व से संबंधित हो सकते हैं, हालांकि, इस तरह की शुरुआती डेटिंग आम तौर पर स्वीकार नहीं की जाती है। बेशक, ऐसे व्यंजन लंबे समय तक किए गए थे, और हालांकि सटीक तिथियों को स्थापित नहीं किया जाना चाहिए, तीन अवधि हैं। सबसे पुराने नमूने एक नुकीले आधार हैं और विशाल गन के निशान को छोड़कर लगभग अनैतिक हैं। मध्य अवधि के जहाजों समृद्ध हैं, कभी-कभी बर्ल तत्वों के साथ जो वॉल्यूम की छाप बनाते हैं। तीसरे अवधि के जहाजों के रूप बहुत विविध हैं, लेकिन सजावट को फिर से बदल दिया जाता है और अधिक संयम हो जाता है।

लगभग 2 वी। बीसी। सिरेमिक जिमन ने यायोई के केरमिक्स को रास्ता दिया, जो रूपों की कृपा, ड्राइंग और उच्च तकनीकी गुणवत्ता की सादगी की विशेषता है। पोत की ट्रेकिंग पतली हो गई है, आभूषण कम विचित्र है। यह प्रकार 3 वी तक प्रचलित था। विज्ञापन

एक कलात्मक दृष्टिकोण से, यह संभव है कि प्रारंभिक अवधि का सबसे अच्छा काम हनीवा, मिट्टी सिलेंडरों, 3-5 शताब्दियों से डेटिंग कर रहा है। विज्ञापन इस युग के विशिष्ट स्मारक विशाल पहाड़ियों, या टीले, सम्राटों की अंतिम संस्कार संरचनाएं और एक शक्तिशाली बड़प्पन हैं। अक्सर बहुत बड़ा, वे शाही परिवार और प्रेमिकाओं की शक्ति और धन का सबूत हैं। सम्राट निंटोकू-अजीब (लगभग 3 9 5-427 ईस्वी) के लिए ऐसी संरचना का निर्माण 40 वर्षों की मांग की गई। इन कुगनों की सबसे उल्लेखनीय विशेषता उन्हें मिट्टी के सिलेंडरों, हनीवा की बाड़ की तरह आसपास थी। आम तौर पर ये सिलेंडर पूरी तरह से सरल थे, लेकिन कभी-कभी मानव आंकड़ों से सजाए गए, कम अक्सर - घोड़ों, सदनों या roosters के आंकड़े। उनकी नियुक्ति दोगुनी थी: पृथ्वी के जबरदस्त द्रव्यमान के क्षरण को रोकें और मृतक की आपूर्ति करें कि उसे धरती पर जीवन में क्या पसंद आया था। स्वाभाविक रूप से, सिलेंडरों को तुरंत बड़ी मात्रा में बनाया गया था। अपने आंकड़ों को सजाने वाले लोगों और इशारे के उन अभिव्यक्तियों की एक किस्म काफी हद तक मास्टर के सुधार का परिणाम है। इस तथ्य के बावजूद कि यह कारीगरों का एक उत्पाद है, कलाकार और मूर्तिकार नहीं, वे एक जापानी कलात्मक रूप के रूप में बहुत महत्वपूर्ण हैं। घोड़ों के पॉपपोन्स में बंद इमारतों, प्राइम महिलाओं और योद्धाओं ने जापान के प्रारंभिक मोहनी के सैन्य जीवन की एक दिलचस्प तस्वीर का प्रतिनिधित्व किया। शायद इन सिलेंडरों की प्रोटोटाइप चीन में दिखाई दी, जहां विभिन्न वस्तुओं को सीधे दफन में रखा गया था, लेकिन हनीवा का उपयोग करने की निष्पादन और विधि स्थानीय परंपरा से संबंधित है।

पुरातन अवधि को अक्सर उच्च कलात्मक स्तर के कार्यों से वंचित करने के रूप में देखा जाता है, मुख्य रूप से पुरातात्विक और नैतिक मूल्य रखने वाली चीजों के प्रभुत्व का समय। हालांकि, यह याद रखना चाहिए कि इस शुरुआती संस्कृति के कार्यों में पूरी तरह से बड़ी व्यवहार्यता है, क्योंकि उनके रूपों में बचे और बाद में जापानी कला की विशिष्ट राष्ट्रीय विशेषताओं के रूप में अस्तित्व में रहना जारी रखा गया।

असुका काल

(552-710 ईस्वी)। 6 वीं शताब्दी के मध्य में बौद्ध धर्म की शुरूआत। जीवनशैली और जापानी की सोच में महत्वपूर्ण बदलाव किए और इस और बाद की अवधि की कला के विकास के लिए एक प्रोत्साहन बन गया। कोरिया के माध्यम से चीन से बौद्ध धर्म का आगमन परंपरागत रूप से 552 ईस्वी डेटिंग है, हालांकि, यह शायद पहले ज्ञात था। पहले वर्षों में, बौद्ध धर्म एक राजनीतिक विपक्ष के साथ टकरा गया, जिसे कोटो के राष्ट्रीय धर्म के प्रतिलन के साथ, लेकिन कुछ दशकों में नए विश्वास को आधिकारिक अनुमोदन प्राप्त हुआ और अंततः अनुमोदित किया गया। जापान में प्रवेश के पहले वर्षों में, बौद्ध धर्म अपेक्षाकृत सरल धर्म था जिसमें कई देवताओं की आवश्यकता थी, लेकिन किसी भी सौ साल के माध्यम से उन्होंने ताकत हासिल की, और पैंथियन बेहद बढ़ेगा।

इस अवधि के दौरान, चर्च आधारित थे, जो न केवल विश्वास के प्रचार के लक्ष्यों के लिए सेवा करते थे, बल्कि कला और शिक्षा केंद्र थे। खोरुजी में मंदिर का मठ प्रारंभिक पक्षी कला का अध्ययन करने के लिए सबसे महत्वपूर्ण है। अन्य खजाने के अलावा Xiak-Neray (623 ईस्वी) के महान Triad की एक मूर्ति है। यह टोरी बौस्सी का काम है, जो हमें ज्ञात पहला जापानी मूर्तिकार है, एक शैलीबद्ध कांस्य छवि है, जो चीन के बड़े गुफा चर्चों के समान समूहों के समान है। बैठे सिकी की मुद्रा में (शब्द "शक्यामुनी" शब्द "शब्द के जापानी प्रतिलेखन) और पक्षों पर खड़े दो आंकड़े सख्त ललाट के साथ मनाए जाते हैं। मानव आकृति के रूपों को योजनाबद्ध रूप से संक्रमित कपड़े के भारी सममित folds द्वारा छुपाया जाता है, और सपने देखने वाले लोगों और चिंतन को चिकनी लम्बे व्यक्तियों में महसूस किया जाता है। इस पहली बौद्ध काल की मूर्तिकला पचास वर्षीय सीमा के मुख्य भूमि के साथ शैली और प्रोटोटाइप पर आधारित है; यह चीनी परंपरा का पालन करता है जो कोरिया के माध्यम से जापान आया था।

इस समय की सबसे महत्वपूर्ण मूर्तिकली छवियों में से कुछ कांस्य से बने थे, लेकिन एक पेड़ का उपयोग किया गया था। दो सबसे प्रसिद्ध लकड़ी की मूर्तियां देवी तोप की मूर्तियां हैं: खोरुजी दोनों में यमडोनो तोप और कोजारा तोप। वे अपने पुरातन मुस्कुराहट और व्यक्तियों के सपने अभिव्यक्तियों के साथ सिक्स ट्रायड की तुलना में पूजा करने के लिए एक और आकर्षक वस्तु का प्रतिनिधित्व करते हैं। यद्यपि चैनन आंकड़ों में कपड़े के गुना भी योजनाबद्ध और सममित रूप से सममित रूप से हैं, वे आसानी से और आंदोलन से भरे हुए हैं। उच्च पतले आंकड़े व्यक्तियों की आध्यात्मिकता, उनकी अमूर्त दयालुता, सभी सांसारिक चिंताओं से दूर, लेकिन बहुत सारे फेफड़ों के प्रति संवेदनशील हैं। मूर्तिकार ने केज कन्नन, कपड़ों के छिपे हुए गुना, और यूमेडोनो आंदोलन और आकृतियों के गियर सिल्हूट के विपरीत, और कपड़े को गहराई तक निर्देशित करने के लिए कुछ ध्यान दिया। करात की प्रोफ़ाइल में, तोप में सुरुचिपूर्ण एस-आकार की रूपरेखा है।

पेंटिंग का एकमात्र संरक्षित नमूना, 7 वीं शताब्दी की शुरुआत की शैली का विचार दे रहा है, "पंखों वाला अभयारण्य" तामामौसी डीजुसी की पेंटिंग है। इस लघु अभयारण्य को छिद्रित धातु एजिंग में डाले गए बीटल के इंद्रधनुष विंग्स से बुलाया गया था; बाद में इसे रंगीन रचनाओं और रंगीन वार्निश द्वारा किए गए व्यक्तिगत पात्रों के आंकड़ों से सजाया गया था। इस अवधि की मूर्तिकला की तरह, कुछ छवियां ड्राइंग की महान स्वतंत्रता को इंगित करती हैं।

नारा की अवधि

(710-784)। चीनी राजधानी चांगन के नमूने के अनुसार निर्मित 710 पूंजी में नारा, एक नया शहर में स्थानांतरित किया गया था। वहां चौड़ी सड़कों, बड़े महल, कई बौद्ध मंदिर थे। न केवल अपने सभी पहलुओं में बौद्ध धर्म, लेकिन सभी चीनी सांस्कृतिक और राजनीतिक जीवन को एक आदर्श मॉडल के रूप में माना जाता था। किसी अन्य देश को अपनी संस्कृति की इतनी कमी में महसूस नहीं किया जा सकता था और बाहर से प्रभावों के लिए अतिसंवेदनशील नहीं था। वैज्ञानिकों और तीर्थयात्रियों को जापान और महाद्वीप के बीच धीरे-धीरे स्थानांतरित किया गया था, और प्रबंधन और महल का जीवन चीन, तांग राजवंश में मौजूद नमूने पर आधारित था। हालांकि, यह याद रखना चाहिए कि, टैंस्की चीन के नमूने की नकल के बावजूद, विशेष रूप से कला में, अपने प्रभाव और शैली को समझते हुए, जापानी लगभग हमेशा अन्य लोगों के रूपों के लिए अनुकूलित होते हैं।

मूर्तिकला में, पूर्ववर्ती निकस अवधि की सख्त फ्रंटल और समरूपता ने अधिक मुफ्त रूपों को रास्ता दिया। देवताओं के बारे में विचारों का विकास, तकनीकी कौशल में वृद्धि और सामग्री के स्वामित्व की स्वतंत्रता ने कलाकारों को निकट और किफायती धार्मिक छवियों को बनाने की अनुमति दी। नए बौद्ध संप्रदाय के आधार पर पैंथन का विस्तार हुआ जिसमें बौद्ध धर्म के संतों और संस्थापकों को भी शामिल किया गया था। कांस्य मूर्तिकला के अलावा, लकड़ी, मिट्टी और वार्निश से बड़ी संख्या में काम ज्ञात हैं। पत्थर दुर्लभ था और लगभग कभी भी मूर्तिकला के लिए इस्तेमाल नहीं किया गया था। शुष्क वार्निश विशेष रूप से लोकप्रिय था, शायद काम की संरचना तैयार करने की प्रक्रिया की सभी जटिलता के साथ, यह लकड़ी की तुलना में अधिक शानदार दिखता था और मिट्टी के उत्पादों के निर्माण में सरल से मजबूत था। वार्निश आंकड़े लकड़ी के या मिट्टी के आधार पर गठित किए गए थे, जिसे तब हटा दिया गया था, या लकड़ी या तार फिटिंग पर; वे हल्के और टिकाऊ थे। इस तथ्य के बावजूद कि इस तकनीक ने कुछ कठोरता पोज़ को निर्धारित किया है, व्यक्तियों की छवि में बहुत सी स्वतंत्रता की अनुमति दी गई, जिसने आंशिक रूप से पोर्ट्रेट मूर्तिकला में जिसे कहा जा सकता है के विकास में योगदान दिया। दिव्य के चेहरे की छवि बौद्ध कैनन के सख्त आदेशों के अनुसार किया गया था, लेकिन कुछ संस्थापकों और विश्वास के प्रचारकों की लोकप्रियता और यहां तक \u200b\u200bकि अभ्यास भी पोर्ट्रेट समानता के हस्तांतरण के लिए उत्कृष्ट अवसर प्रदान करते हैं। इस तरह की समानताओं को टेमंडी टेमोंडी में स्थित जापान चीनी पितृसत्ता गांधीना में शुष्क वार्निश पूजा की मूर्तिकला में पता लगाया जा सकता है। गैंडज़िन अंधा था जब वह 753 में जापान पहुंचे, और उनकी अनुचित आंखें और आंतरिक चिंतन की प्रबुद्ध स्थिति पूरी तरह से एक अज्ञात मूर्तिकार द्वारा प्रसारित की गई। 13-14 शताब्दियों में सुगा के मूर्तिकार द्वारा निर्मित एक प्रचारक की लकड़ी की मूर्ति में यह यथार्थवादी प्रवृत्ति सबसे स्पष्ट रूप से व्यक्त की गई थी। प्रचारक को एक कर्मचारी, गोंग और एक बीटर के साथ एक भटकते भिखारी के रूप में पहना जाता है, और छोटी बुद्ध की मूर्तियां अपने आधे खुले मुंह से बाहर आती हैं। गायन भिक्षु की छवि से संतुष्ट नहीं, मूर्तिकार ने अपने शब्दों के अंतरतम अर्थ को व्यक्त करने का प्रयास किया।

नार अवधि की बुद्ध अवधि की तस्वीरें भी प्रतिष्ठित हैं। मंदिरों की बढ़ती संख्या के लिए बनाया गया है, वे इतने शांत रूप से ठंडा और संयम नहीं हैं, उनके पूर्ववर्तियों के रूप में, अधिक सुरुचिपूर्ण सौंदर्य और कुलीनता है और उन लोगों को संबोधित किया है जिन्होंने अधिक पक्ष वाले लोगों की पूजा की।

इस समय के बहुत कम चित्रमय कार्यों को संरक्षित किया गया। कागज पर एक बहुआयामी चित्रण पर, बुद्ध के अतीत और वास्तविक जीवन को चित्रित किया गया है। यह eamakomono के कुछ प्राचीन नमूने, या स्क्रॉल पर पेंटिंग में से एक है। स्क्रॉल धीरे-धीरे दाहिने बाएं पर अवांछित है, और दर्शक केवल तस्वीर की साइट का आनंद ले सकते हैं, जो उसके हाथों से प्रकट स्क्रॉल के बीच था। चित्रण पाठ के ठीक ऊपर थे, बाद में स्क्रॉल के विपरीत, जहां पाठ का पाठ एक स्पष्टीकरण छवि के साथ वैकल्पिक हो गया। पसीने की पेंटिंग के इन प्राचीन संरक्षित नमूने में, समोच्च में परिभाषित आंकड़े एक मुश्किल से योजनाबद्ध परिदृश्य की पृष्ठभूमि, और केंद्रीय अभिनय व्यक्ति की पृष्ठभूमि के खिलाफ स्थित हैं, इस मामले में, Xiac विभिन्न एपिसोड में दिखाई देता है।

प्रारंभिक हेयन

(784-897)। 784 में, पूंजी अस्थायी रूप से नारा के बौद्ध पादरी के प्रावधान से बचने के लिए आंशिक रूप से नागाका को स्थानांतरित कर दी गई थी। 794 में वह लंबी अवधि के लिए, हियान (अब क्योटो) चली गई। 8 और 9 सेंटर्स का अंत। ऐसी अवधि थी जब जापान ने सफलतापूर्वक समेकित किया, अपनी विशिष्टताओं, कई विदेशी नवाचारों को अनुकूलित किया। बौद्ध धर्म ने भी एक बदलाव का अनुभव किया, एसोटेरिक बौद्ध धर्म के नए संप्रदायों का उदय, इसके विकसित अनुष्ठान और शिष्टाचार के साथ। इनमें से, दसियों और गाने के संप्रदाय, जो भारत में पैदा हुए थे, सबसे बड़ा प्रभाव से प्रभावित थे, चीन पहुंचे और वहां से जापान में दो वैज्ञानिकों के साथ लाया गया जो एक लंबे छात्र के बाद अपनी मातृभूमि लौट आए। सिंगऑन संप्रदाय ("सच्चे शब्द") विशेष रूप से अदालत पसंद करते थे और जल्दी ही एक प्रमुख स्थिति लेते थे। उसके मुख्य मठ क्योटो के पास कोया माउंट पर स्थित थे; अन्य महत्वपूर्ण बौद्ध केंद्रों की तरह, वे कला स्मारकों के विशाल संग्रह के भंडार बन गए।

मूर्तिकला 9 में। यह ज्यादातर लकड़ी था। देवताओं की छवियों को गंभीरता और अप्राप्य परिमाण से अलग किया गया था, जिसे उनकी उपस्थिति और द्रव्यमान की गंभीरता से जोर दिया गया था। ड्रेप्स कुशलतापूर्वक मानक नमूने में कटौती करते हैं, लहरें स्कार्फ लगाती हैं। मुरोडजी में मंदिर से सिकी का स्थायी आंकड़ा इस शैली का एक उदाहरण है। इसके लिए और 9 वीं की समान छवियों में। गहरे स्पष्ट सिलवटों और अन्य विवरणों के साथ कठिन नक्काशी की विशेषता है।

देवताओं की संख्या में वृद्धि ने कलाकारों के लिए बड़ी कठिनाइयों का निर्माण किया। निश्चित रूप से, पदानुक्रम के अनुसार देवता के मंडला मानचित्र (एक जादुई मूल्य के साथ ज्यामितीय पैटर्न) के समान, केंद्र में रखे बुद्ध के चारों ओर स्थित थे, जो पूर्ण के अभिव्यक्तियों में से एक था। इस समय, देवता-अभिभावकों, भयानक, लेकिन प्रकृति में लाभकारी के आंकड़ों की लौ से घिरे छवियों का एक नया तरीका। इन देवताओं को विषम रूप से एम्बेडेड किया गया था और संभवतः संभावित खतरों से विश्वास की रक्षा करने वाले व्यक्तियों की भयानक विशेषताओं के साथ, पोज में चलने में चित्रित किया गया था।

मध्य और देर से हेरियन, या फुजीवाड़ा की अवधि

(898-1185)। पूंजी को हेरियन में स्थानांतरित करना, जिनके पास पादरी की मुश्किल मांगों से बचने का लक्ष्य था, परिवर्तन और राजनीतिक व्यवस्था में। यह जानने के लिए प्रमुख बल था, और फुजीवाड़ा परिवार के सबसे विशिष्ट प्रतिनिधि सबसे विशिष्ट प्रतिनिधियों बन गए। 10-12 शताब्दियों की अवधि। अक्सर इस नाम से जुड़ा हुआ है। विशेष अधिकारियों की अवधि तब शुरू हुई जब असली सम्राटों ने कविता और चित्रकला के अधिक आनंददायक व्यवसायों की स्थिति को छोड़ने के लिए "दृढ़ता से सलाह दी"। बहुमत की उम्र तक पहुंचने के लिए, सम्राट का नेतृत्व एक सख्त रीजेंट द्वारा किया गया - आमतौर पर फ़ुजीवाड़ा परिवार से। यह साहित्य, सुलेख और कला में लक्जरी और उल्लेखनीय उपलब्धियों की एक शताब्दी थी; कुल मिलाकर, टोमोस्टिविटी और भावनात्मकता महसूस हुई, जो शायद ही कभी गहराई तक पहुंच गई, लेकिन आम तौर पर आकर्षक था। वास्तविकता से सुरुचिपूर्ण परिष्करण और उड़ान ने इस समय की कला को प्रभावित किया। यहां तक \u200b\u200bकि बौद्ध धर्म अनुयायी भी हल्के तरीकों की तलाश में थे, और स्वर्गीय बुद्ध की पूजा विशेष रूप से लोकप्रिय थी। दयालुता और बुद्ध अमिदा की बचत अनुग्रह के बारे में विचार इस अवधि के चित्रकला और मूर्तिकला में गहराई से परिलक्षित होते हैं। मूर्तियों की द्रव्यमान और संयम 9 वी। 10-11 सदियों में। नेगे और आकर्षण के लिए रास्ता दिया। देवताओं को सपने देखने, विचारशील रूप से शांत करके चित्रित किया गया है, नक्काशी कम गहरा हो जाता है, एक समृद्ध विकसित बनावट के साथ सतह अधिक रंगीन होती है। इस अवधि के सबसे महत्वपूर्ण स्मारक मूर्तिकार ज़ेटो के हैं।

कलाकारों के कार्यों ने भी नरम विशेषताओं को हासिल किया, कपड़े पर चित्रों को याद दिलाया, और यहां तक \u200b\u200bकि भयानक देवताओं - विश्वास के रक्षस कम भयभीत हो गए। सूत्रों (बौद्ध ग्रंथों) ने गहरे नीले रंग के स्वर पेपर पर सोने और चांदी को लिखा, सुंदर पाठ सुलेख अक्सर एक छोटे चित्रण से पहले था। बौद्ध धर्म और संबंधित देवताओं की सबसे लोकप्रिय दिशाएं अभिजात वर्ग की प्राथमिकताओं और प्रारंभिक बौद्ध धर्म के कठोर आदर्शों से धीरे-धीरे प्रस्थान को प्रतिबिंबित करती हैं।

इस समय और उसके कार्यों का वातावरण आंशिक रूप से 894 में चीन के साथ औपचारिक संबंधों के समाप्ति से जुड़ा हुआ है। उस समय चीन में बौद्ध धर्म को सताया गया था, और भ्रष्ट तांग का यार्ड गिरावट की स्थिति में था। इस समाप्ति के बाद एक बंद द्वीप अस्तित्व ने जापानी को अपनी संस्कृति में बदलने और एक नई, क्लीनर जापानी शैली विकसित करने के लिए प्रेरित किया। दरअसल, धर्मनिरपेक्ष चित्रकारी 10-12 शताब्दियों। यह लगभग पूरी तरह से जापानी था - कला में और रचनाओं और भूखंडों में। यामाटो-एर नामक इन जापानी स्क्रॉल की एक विशिष्ट विशेषता Engi (मूल, इतिहास) के भूखंडों का प्रावधान था। चीनी स्क्रॉल पर, विशाल अद्भुत प्रकृति, पहाड़ों, धाराओं, चट्टानों और पेड़ों के पैनोरमा, और लोग आकृति में जापानी के कथा स्क्रॉल पर अपेक्षाकृत महत्वहीन थे और मुख्य बात एक आदमी थी। लैंडस्केप ने कहानी की कहानी के लिए पृष्ठभूमि की केवल भूमिका निभाई, मुख्य अभिनय व्यक्ति या व्यक्तियों के अधीनस्थ। कई स्क्रॉल मशहूर बौद्ध प्रचारकों या ऐतिहासिक आंकड़ों, उनके ट्रेवल्स और सैन्य अभियानों के जीवन के इतिहास को तैयार किए गए थे। दूसरों ने कुलीनता और प्रेमिकाओं के जीवन से रोमांटिक एपिसोड के बारे में बात की।

जाहिर है, बौद्ध नोटबुक के पृष्ठों पर स्याही के सरल स्केच से शुरुआती स्क्रॉल की एक असाधारण शैली हुई। ये कुशल चित्र हैं, जानवरों के छवियों के माध्यम से मानवीय व्यवहार संचारित करते हैं: मठवासी कपड़ों में एक बंदर, एक मेंढक, जोड़ी, बंदर और मेंढकों के बीच प्रतियोगिता की पूजा करता है। ये और अन्य स्वर्गीय हायन स्क्रॉल 13-14 सदियों की विकसित शैली के अधिक जटिल कथा स्क्रॉल के आधार के रूप में कार्य करते हैं।

कामकुरा की अवधि

(1185-1392)। अंत 12 वी। मैंने जापान के राजनीतिक और धार्मिक जीवन में और निश्चित रूप से अपनी कला में गंभीर परिवर्तन लाए। क्योटो यार्ड का लालित्य और सौंदर्यवाद बदल गया या, "विशेष" नियम की परंपरा में, "एक नए, कठोर और साहसी बोर्ड - सोगुनत कामकुरा के रूप में एक ऐड-ऑन" प्राप्त हुआ। यद्यपि राजधानी नाममात्र रूप से क्योटो, सोंगुन मिनामोटो-लेकिन योरिटो (1147-11 99) ने कामकुरा शहर में अपने मुख्यालय की स्थापना की और केवल 25 साल की उम्र में सैन्य तानाशाही और सामंतीवाद की कठोर प्रणाली की स्थापना की है। बौद्ध धर्म, जो इतनी जटिल और अनुष्ठान बन गया है, जो सामान्य धारणा के लिए असंभव था, बड़े बदलावों का भी बड़ा बदलाव आया, किसी भी तरह से वादा कला। संप्रदाय आयोडो ("शुद्ध भूमि"), हुनन सोनीना (1133-1212) के नेतृत्व में बुद्ध अमिदा की प्रतिज्ञा का एक प्रकार बुद्ध और देवताओं के पदानुक्रम में सुधार हुआ और अमिडा में विश्वास करने वाले हर किसी को मोक्ष के लिए आशा मिली। यह सिद्धांत आसानी से प्राप्त करने योग्य स्वर्ग को एक और भिक्षु, सिनोर्न (1173-1262), एक्स पाप संप्रदाय के संस्थापक द्वारा सरलीकृत किया गया था, यह मानते हुए कि अमिडा की कृपालुता इतनी महान है कि धार्मिक कृत्यों को करने की कोई आवश्यकता नहीं है, यह पर्याप्त है वर्तनी "imide buts" दोहराएं (पहला शब्द "पालन करें"; दूसरा दो - "बुद्ध अमिडा")। आत्मा को बचाने का इतना आसान तरीका बेहद आकर्षक था, और अब वे लाखों लोगों का आनंद लेते हैं। पीढ़ी बाद में आतंकवादी उपदेशक नितरेन (1222-1282), जिसका नाम संप्रदाय कहा जाता है, ने धर्म के इस सरलीकृत रूप से इनकार कर दिया। उनके अनुयायियों को कमल सूत्र द्वारा पढ़ा गया था, जिसने तत्काल और बिना शर्त उद्धार का वादा नहीं किया था। उपदेशों में, वह अक्सर राजनीतिक विषयों और उनकी मान्यताओं और चर्च के प्रस्तावित सुधारों और राज्य को कामकुर में नई सैन्य कक्षा के साथ करना पड़ा। अंत में, 8 वीं शताब्दी में उत्पन्न जेन दर्शन ने इस अवधि के बौद्ध विचार में बढ़ती भूमिका निभाई। जेन ने किसी भी छवियों के लिए ध्यान और अवमानना \u200b\u200bके महत्व पर बल दिया जो किसी व्यक्ति को भगवान से जुड़ने की इच्छा में रोक सकता है।

इसलिए, यह वह समय था जब धार्मिक विचार पेंटिंग और मूर्तियों के कार्यों की संख्या सीमित करता था, जो पहले पंथ के लिए आवश्यक था। फिर भी, कामाकुरा की अवधि में, जापानी कला के कुछ सबसे खूबसूरत काम बनाए गए थे। प्रोत्साहन ने जापानी में अंतर्निहित कला के प्यार की सेवा की, लेकिन रैंडिंग की कुंजी लोगों के साथ नई creeds के संबंध में है, न कि Dogmas में इस तरह। दरअसल, काम स्वयं अपने सृजन का कारण बताते हैं, क्योंकि इनमें से कई पूर्ण जीवन और मूर्तियों और सुरम्य कार्यों की ऊर्जा पोर्ट्रेट हैं। हालांकि जेन का दर्शन प्रबुद्धता के रास्ते पर बाधा में धार्मिक पंथ की सामान्य वस्तुओं पर विचार कर सकता है, शिक्षकों की सम्मान की परंपरा काफी स्वीकार्य थी। खुद का चित्र पूजा का विषय नहीं हो सकता है। एक चित्र के प्रति यह दृष्टिकोण न केवल जेन-बौद्ध धर्म द्वारा विशेषता थी: स्वच्छ पृथ्वी के संप्रदायों के कई मंत्रियों को लगभग बौद्ध देवताओं के रूप में सम्मानित किया गया था। पोर्ट्रेट के लिए धन्यवाद, यहां तक \u200b\u200bकि एक नया वास्तुकला रूप - मियाडो, या पोर्ट्रेट चैपल दिखाई दिया। यथार्थवाद का तेजी से विकास पूरी तरह से समय की भावना में था।

इस तथ्य के बावजूद कि याजक के सुरम्य चित्र, जाहिर है, वास्तव में विशिष्ट लोगों की छवियां थे, वे अक्सर बौद्ध धर्म के चीनी संस्थापकों की छवि के साथ चित्रों का प्रतिनिधित्व करते थे। उन्हें प्रचारित किया गया था, मुंह खुले होते हैं, हाथ कीटनाशक हैं; कभी-कभी भिखारी भिक्षुओं को चित्रित किया गया है जो विश्वास को प्रसिद्धि के लिए एक कठिन तरीका बनाते हैं।

सबसे लोकप्रिय भूखंडों में से एक रिगो (वांछनीय आगमन) था, जहां बुद्ध अमिदा को अपने साथी के साथ चित्रित किया गया था, आस्तिक की आत्मा को उसकी मृत्यु पर बचाने के लिए क्लाउड पर उतर गया और उसे स्वर्ग में स्थानांतरित कर दिया। ऐसी छवियों को अक्सर ओवरहेड सोने, और लहरदार रेखाओं, फटकार करने वाली टोपी के साथ मजबूत किया गया था, बादलों ने बुद्ध के ढांचे को गति की भावना दी थी।

अनिश्चित, जिन्होंने 12 वीं की शुरुआत में और 13 वीं शताब्दी की शुरुआत में काम किया था, नवाचार के लेखक थे, जिसने पेड़ की नक्काशी की सुविधा दी, जो मूर्तिकार की पसंदीदा सामग्री के कैमकोष के दौरान शेष थी। पहले, मास्टर एक डेक या लॉग के आकार और आकार तक ही सीमित था, जिससे आंकड़ा काटा गया था। कपड़ों के हाथ और तत्व अलग से लगाए गए थे, लेकिन पूरा काम अक्सर मूल बेलनाकार आकार जैसा दिखता था। नई तकनीक में, दर्जनों छोटे टुकड़ों को एक दूसरे के लिए सावधानी से अनुकूलित किया गया था, जो एक खोखले पिरामिड बना रहा था, जिससे उपद्रव आंकड़े को काट सकते थे। मूर्तिकार अपने निपटान में अधिक सहायक सामग्री और अधिक जटिल रूप बनाने की क्षमता में था। मांसपेशियों के मंदिर गार्ड और देवताओं को झुकाव के टोपी और कपड़े में अधिक जिंदा लग रहा था क्योंकि वे एक क्रिस्टल या कांच को अपनी पलकें डालने लगे; मूर्तियों ने सोना चढ़ाया कांस्य को सजाने के लिए शुरू किया। वे एक पेड़ सुखाने के रूप में आसान और कम क्रैकिंग बन गए। यूनिना की लकड़ी की मूर्ति का उल्लेख, यूनिई के पुत्र कोसिया का काम, एक पोर्ट्रेट मूर्तिकला में कामकुरा युग के यथार्थवाद की उच्चतम उपलब्धि का प्रदर्शन करता है। दरअसल, उस समय मूर्तिकला अपने विकास में अपी तक पहुंची, और बाद में उसने कला में इतनी प्रमुख जगह पर कब्जा नहीं किया।

अंतरिक्ष चित्रकला ने भी समय की भावना को प्रतिबिंबित किया। पुनर्निर्मित रंगीन रंगों और सुरुचिपूर्ण रेखाओं में लेटहियन काल की कथा स्क्रॉल प्रिंस जेनजी के रोमांटिक एस्केप या अदालत महिलाओं की अग्रणी वसूली जीवनशैली के मनोरंजन के बारे में बताया गया था। अब उज्ज्वल रंग और ऊर्जावान सितारों, कामाकुरा युग के कलाकारों ने हथियारों की लौ की ज्वाला और हमलावर सैनिकों से चल रहे भय से ढके हुए लोगों की लड़ाई को चित्रित किया। यहां तक \u200b\u200bकि जब स्क्रॉल पर एक धार्मिक कहानी सामने आई थी, तब भी छवि पवित्र लोगों की यात्रा की ऐतिहासिक गवाही के रूप में एक आइकन नहीं थी और उनके द्वारा बनाए गए चमत्कार थे। इन भूखंडों के डिजाइन में, आप मूल परिदृश्य के लिए प्रकृति और प्रशंसा के बढ़ते प्यार को पा सकते हैं।

मुरोमाटी, या असिसाग की अवधि

(13 92-1568)। 13 9 2 में, 50 से अधिक वर्षों के बाद, असीग परिवार के तीसरे सोगुन, जोसिमेंस (1358-1408) ने देश को दोहराया। सरकार का स्थान फिर से क्योटो की नाममात्र राजधानी बन गया, जहां मुरोमाटी की तिमाही में असिकैग के संकेत ने अपने महलों का निर्माण किया। (इस अवधि को मुरोमाटी कहा जाता है, फिर असिकाग।) युद्ध के समय ने कई मंदिरों को नहीं छोड़ा - जापानी कला के भंडार, जो वहां खजाने के साथ जला दिया गया था। देश क्रूरता से बर्बाद हो गया था, और यहां तक \u200b\u200bकि दुनिया ने भी बहुत राहत नहीं दी, क्योंकि वारंट कुलों, सफलता प्राप्त करने, उनकी व्हिम पर दया वितरित की गई। ऐसा लगता है कि कला के विकास के लिए स्थिति बेहद प्रतिकूल थी, लेकिन वास्तव में आसिकाग के सिगुन ने उन्हें विशेष रूप से 15-16 सदियों में, विशेष रूप से चित्रित किया।

इस समय की कला की सबसे महत्वपूर्ण घटनाएं एक कार की मोनोक्रोम काव्य छवियां थीं, जेन-बौद्ध धर्म द्वारा प्रोत्साहित होती थीं और सूर्य और युआन राजवंशों के चीनी नमूने से प्रभावित थीं। मिंग राजवंश (1368-1644) के दौरान, संपर्क, और कला के स्कोर, कलेक्टर और संरक्षक चीन के साथ फिर से शुरू किए गए, चीनी चित्रकला एकत्रित करने और अध्ययन करने के लिए प्रोत्साहित किया। वह प्रतिभाशाली कलाकारों के लिए एक नमूना और शुरुआती बिंदु बन गई, जो लैंडस्केप, पक्षियों, फूलों, पुजारियों और बुद्धिमान पुरुषों की छवियों को प्रकाश और ब्रश ब्रश ब्रश के साथ चित्रित किया गया। इस समय की जापानी चित्रकला लाइन की अर्थव्यवस्था द्वारा विशेषता है; कलाकार चित्र की उत्कृष्टता को चित्रित करने के लिए दर्शाता है, जो इसे विस्तार से भरने के लिए दर्शक की आंखें प्रदान करता है। इन चित्रों में ग्रे और शानदार काले शव के संक्रमण जेन दर्शन के बहुत करीब हैं, जो निश्चित रूप से, अपने लेखकों को प्रेरित करते हैं। यद्यपि यह पंथ कामाकुरा के सैन्य अधिकारियों में एक महत्वपूर्ण प्रभाव तक पहुंच गया है, लेकिन यह 15-16 परिस्थितियों में तेजी से फैल रहा है।, जब कई जेन मठ उठ गए। मूल रूप से "स्वयं -पास" के विचार का प्रचार करते हुए, इसने बुद्ध के साथ मोक्ष को संबद्ध नहीं किया, लेकिन किसी व्यक्ति के कठोर आत्म-अनुशासन पर अचानक सहज ज्ञान युक्त "ज्ञान" प्राप्त करने के लिए भरोसा किया, जो उसे पूर्ण के साथ एकजुट करता है। आर्थिक, लेकिन शवों का बोल्ड उपयोग और एक विषम संरचना जिसमें पेपर के अनपेक्षित टुकड़ों ने आदर्श परिदृश्य, बुद्धिमान पुरुषों और वैज्ञानिकों की छवियों में महत्वपूर्ण भूमिका निभाई, इस दर्शन से मेल खाती है।

सुमी-ई की दिशा के सबसे प्रसिद्ध प्रतिनिधियों में से एक, मस्करा में मोनोक्रोम पेंटिंग की शैली, सासु (1420-1506), जेन पुजारी थी, जिनकी लंबी और फलदायी जीवन ने उन्हें लंबे सम्मान के साथ प्रदान किया था। जीवन के अंत में, उन्होंने हबोकू मानरू (फास्ट कैंसर) लागू करना शुरू किया, जो परिपक्व शैली के विपरीत, स्पष्ट, अर्थव्यवस्था स्मीयर की मांग में, मोनोक्रोम पेंटिंग की परंपरा को लगभग अमूर्तता में लाया।

इसी अवधि के लिए, कानो कलाकारों के परिवार की गतिविधियों और उनकी शैली के विकास। भूखंडों की पसंद और शवों के उपयोग के लिए, वह चीनी के करीब था, लेकिन अभिव्यक्तिपूर्ण धन के लिए जापानी बने रहे। कोगुनत के समर्थन के साथ, कानो, "आधिकारिक" स्कूल या पेंटिंग की कलात्मक शैली बन गई और 1 9 वी में बढ़ी।

यामाटो-ई की बेवकूफ परंपरा ने टोसा स्कूल के कार्यों में रहना जारी रखा, जापानी पेंटिंग की दूसरी महत्वपूर्ण दिशा। वास्तव में, इस समय, दोनों स्कूल, कानो और टीओएस, बारीकी से जुड़े हुए थे, वे आधुनिक जीवन में रूचि में एकजुट थे। मोटोनोबू कानो (1476-155 9), इस अवधि के उत्कृष्ट कलाकारों में से एक, न केवल ने अपनी बेटी को टोसा के प्रसिद्ध कलाकार के लिए जारी किया, बल्कि अपने तरीके से भी लिखा।

15-16 सदियों में। मूर्तिकला के कार्यों का केवल कुछ सभ्य ध्यान था। हालांकि, यह ध्यान दिया जाना चाहिए कि नोओ के नाटक के विकास, मनोदशा और भावनाओं की विविधता के साथ, मूर्तिकारों से पहले गतिविधि का एक नया क्षेत्र खोला - उन्होंने अभिनेताओं के लिए मास्क काट दिया। क्लासिक जापानी नाटक में जो अभिजात वर्ग और अभिजात वर्ग के लिए, अभिनेताओं (एक या अधिक) ने मुखौटा पहने थे। उन्होंने भावनाओं के गामट को डर, चिंता और भ्रम से रोकने के लिए हस्तांतरित किया। कुछ मास्क इतने शानदार ढंग से कटौती करते थे कि अभिनेता के सिर की थोड़ी सी बारी सूक्ष्म परिवर्तन की भावनाओं की अभिव्यक्ति में हुई। इन मास्कों के अद्भुत नमूने परिवारों में वर्षों तक रखा गया था, जिनके सदस्यों के लिए वे बनाए गए थे।

मोमोयमा काल

(1568-1615)। 15 9 3 में, महान सैन्य तानाशाह हिंद्याशी ने "पीच हिल" माँ पर अपना महल बनाया, और 1615 में टोकुगावा, या ईदो अवधि को मंजूरी देने से पहले यह नाम सोनुगावा, या ईदो अवधि को मंजूरी देने से पहले सोनुगुएट असिआग के पतन से 47 वर्षों की अवधि निर्धारित करने के लिए बनाया गया था। यह एक पूरी तरह से नई सैन्य वर्ग के प्रभुत्व का समय था। कला की समृद्धि में किस महान धन ने योगदान दिया। व्यापक दर्शकों के हॉल और लंबे गलियारों के साथ प्रभावशाली ताले 16 शताब्दी के अंत में शामिल किए गए थे। और उन्होंने अपनी भव्यता के अनुरूप सजावट की मांग की। यह कठोर और साहसी लोगों का समय था, और पूर्व अभिजात वर्ग के विपरीत, नए संरक्षक, विशेष रूप से बौद्धिक खोजों या कौशल की जटिलताओं में रूचि नहीं रखते थे। सौभाग्य से, कलाकारों की नई पीढ़ी अपने संरक्षकों के साथ काफी संगत है। इस अवधि के दौरान, उज्ज्वल रास्पबेरी, पन्ना, हरे, बैंगनी और नीले रंग के रंगों के अद्भुत स्क्रीनिंग और चलती पैनल दिखाई दिए। इस तरह के भूरे रंग के रंग और सजावटी रूप, अक्सर सोने या चांदी की पृष्ठभूमि पर, सौ साल के लिए बहुत लोकप्रिय थे, और उनके निर्माताओं को बहुत ही "महान सजावट" कहा जाता था। सूक्ष्म जापानी स्वाद के लिए धन्यवाद, शानदार शैली अश्लीलता में परिवर्तित नहीं होती है, और यहां तक \u200b\u200bकि जब संयम और निष्पक्षता ने लक्जरी और सजावटी अतिरिक्त लोगों को रास्ता दिया, तो जापानी लालित्य रखने में कामयाब रहे।

अंलेटन कानो (1543-15 9 0), इस अवधि के पहले महान कलाकारों में से एक, कानो और टीओएस की शैली में काम किया, विचारों को पहले के आंकड़े के बारे में विस्तारित किया और उन्हें दूसरे के रंगों की समृद्धि के साथ संयोजित किया। यद्यपि केवल कुछ काम संरक्षित किए गए हैं, जिनके लेखक ने आईटोक को नाम देने के लिए आत्मविश्वास के साथ कर सकते हैं, इसे मम्मे-शैली के संस्थापकों में से एक माना जाता है, और इस अवधि के अधिकांश कलाकार उनके शिष्य थे या उनके प्रभाव में थे ।

एडो, या टोकुगावा

(1615-1867)। दुनिया की लंबी अवधि, जो फिर से संयुक्त जापान में आती है, को शासक के नाम, या ईदो (आधुनिक टोक्यो) के अनुसार, तब या टोकुगावा का समय कहा जाता है, क्योंकि 1603 में यह शहर एक नया सरकारी केंद्र बन गया है। मोमोयम की छोटी अवधि के दो प्रसिद्ध जनरल, ओडा नोबुनगा (1534-1582) और टोयोटोमा हिंद्याशी (1536-15 9 8), शत्रुता और कूटनीति की मदद से अंततः शक्तिशाली कुलों और आतंकवादी पादरी को सुलझाने में कामयाब रहे। 15 9 8 में HideyASHI की मौत के साथ, अधिकारी Ieyasu Tokugawa (1542-1616) चले गए, जो घटनाओं को संयुक्त रूप से शुरू किया। 1600 में Schigaghara में निर्णायक लड़ाई ने आईईईएएस की स्थिति को मजबूत किया, 1615 में ओस्का कैसल के पतन के साथ हेडियाशी के घर के अंतिम पतन और सियोगुनाट टोकुगावा के अविभाजित प्रभुत्व की स्थापना के साथ था।

टोकुगावा का शांतिपूर्ण शासन 15 पीढ़ियों तक चला और केवल 19 वी पर समाप्त हो गया। यह ज्यादातर "बंद दरवाजे" की नीतियां थीं। डिक्री 1640 विदेशियों को जापान तक पहुंच प्रतिबंधित था, और जापानी विदेशों में नहीं छोड़ सका। एकमात्र वाणिज्यिक और सांस्कृतिक कनेक्शन डच और चीनी के साथ नागासाकी के बंदरगाह के माध्यम से था। अलगाव की अन्य अवधि के साथ, 17 वीं शताब्दी के अंत में राष्ट्रीय भावनाओं और घटनाओं का उदय मनाया गया था। तथाकथित स्कूल ऑफ शैली पेंटिंग और उत्कीर्णन।

ईडीओ की तेजी से बढ़ती पूंजी न केवल द्वीप साम्राज्य के राजनीतिक और व्यावसायिक जीवन का केंद्र बन गई, बल्कि कला और शिल्प का केंद्र भी बन गया। प्रत्येक वर्ष के एक निश्चित हिस्से के लिए, प्रांतीय सामंती को गोता लगाने की आवश्यकता पूंजी में थी, महल संरचनाओं सहित नए की आवश्यकता को जन्म देती थी, और इसलिए कलाकारों में उनकी सजावट के लिए। साथ ही, अमीर वर्ग, लेकिन व्यापारियों की अभिजात वर्ग से संबंधित नहीं, कलाकारों को नए और अक्सर गैर-व्यावसायिक संरक्षण प्रदान नहीं करते हैं।

ईदो की शुरुआती अवधि की कला आंशिक रूप से मोमेनॉम की शैली को जारी रखती है और विकसित करती है, लक्जरी और भव्यता में रुझानों को मजबूत करती है। विचित्र छवियों और पॉलीक्रोमिया की संपत्ति विकसित हो रही है। यह सजावटी शैली 17 वीं शताब्दी की आखिरी तिमाही में उच्चतम समृद्ध हो गई है। तथाकथित में युग Grekua Tokugawa अवधि (1688-1703)। जापानी सजावटी कला में, इसमें कलात्मक ट्राइफल्स में चित्रकला, ऊतकों, वार्निश में रंग और सजावटी रूपों की असाधारणता और धन पर समानता नहीं है - एक शानदार जीवनशैली के गुण।

चूंकि हम अपेक्षाकृत देर से इतिहास की अवधि के बारे में बात कर रहे हैं, इसलिए यह आश्चर्य की बात नहीं है कि कई कलाकारों और उनके कार्यों के नाम संरक्षित हैं; केवल कुछ सबसे बकाया कॉल करना संभव है। सजावटी स्कूल के प्रतिनिधियों के बीच जो मम्मे और ईदो, होननोव कोसेए (1558-1637) और नॉनुमान सोटात्सु (मन 1643) की अवधि के दौरान रहते थे और काम करते थे। उनका काम ड्राइंग, संरचना और रंगों की एक अद्भुत भावना का प्रदर्शन करता है। सहसंबंध, प्रतिभाशाली सिरेमिस्ट और लाह उत्पादों के कलाकार, अपने सुलेख की सुंदरता के लिए जाना जाता था। Sotatz के साथ, उन्होंने स्क्रॉल पर उस समय कविताओं ट्रेंडी बनाया। साहित्य के इस संयोजन में, सुलेख और चित्रकारी छवियां सरल चित्र नहीं थीं: उन्होंने पाठ की धारणा के अनुरूप मनोदशा को बनाया या ग्रहण किया। ओगाता कोरिन (1658-1716) सजावटी शैली के वारिस में से एक था और, अपने छोटे भाई, ऑगस्टा कंदजन (1663-1743) के साथ अपनी तकनीक को पूर्णता के लिए लाया। कंडज़न, एक कलाकार के रूप में एक सिरेमिस्ट के रूप में जाना जाता है, ने अपने प्रसिद्ध बड़े भाई के चित्रों के साथ जहाजों से लड़ा। 1 9 वीं शताब्दी की शुरुआत में इस स्कूल का पुनरुद्धार। कवि और कलाकार साकी होता (1761-1828) सजावटी शैली का आखिरी छिड़काव था। सुंदर स्क्रॉल और शिरमा हॉरिट्ज ने मर्सियम के स्कूल के प्राकृतिकता में निहित प्रकृति में रुचि के साथ एक कोरीना ड्राइंग की भावना को संयुक्त किया, जो पहले की अवधि में अंतर्निहित रंग और सजावटी रूपों की समृद्धि में व्यक्त किया गया था, जो भव्यता द्वारा निहित था और स्मीयर का अनुग्रह।

एक पॉलीक्रोम सजावटी शैली के साथ, स्कूल केनो की एक पारंपरिक ड्राइंग लोकप्रिय रहे। 1622 में कानो तनुयू (1602-1674) को अदालत कलाकार सोनगुन नियुक्त किया गया था और एडो को बुलाया गया था। इस पद के लिए उनकी नियुक्ति और एडो में पेंटिंग कानो के स्कूल के निर्माण के साथ, कोबिकिटो में, इस परंपरा के कलात्मक नेतृत्व की अर्ध पुरानी अवधि आई, जिसने कानो परिवार की उत्कृष्ट स्थिति को वापस कर दिया और ईडीओ अवधि के कार्यों को बनाया पेंटिंग कानो में सबसे महत्वपूर्ण। सोने और उज्ज्वल रंगों के साथ चित्रित की लोकप्रियता के बावजूद, "महान सजावट" और प्रतिद्वंद्वियों द्वारा निर्मित, अपनी प्रतिभा की शक्ति के लिए धन्यवाद और आधिकारिक स्थिति पुनर्जीवित स्कूल कानो की पेंटिंग करने में सक्षम थी। स्कूल केनो की पारंपरिक विशेषताओं के लिए, डांगिन ने कठोर अंतःक्रियात्मक रेखा के आधार पर शक्ति और सादगी और एक बड़ी मुक्त सतह पर संरचना की संरचना की विचारशील व्यवस्था को जोड़ा।

एक नई दिशा जिसमें मुख्य विशेषता प्रकृति में रूचि थी, यह 18 वीं शताब्दी के अंत में प्रबल हो गई। मारुआमा ओकोय (1733-1795), एक नए स्कूल के प्रमुख, एक किसान था, फिर एक पादरी बन गया और आखिरकार कलाकार। पहले दो वर्गों ने उन्हें कोई खुशी नहीं दी, न ही सफलता, लेकिन एक कलाकार के रूप में वह महान ऊंचाइयों तक पहुंच गया और यथार्थवादी स्कूल मारियामा के संस्थापक माना जाता है। उन्होंने स्कूल के कोनो आईसिस य्यूटी (ओके 1785) के मास्टर में अध्ययन किया; आयातित डच उत्कीर्णन के आधार पर, उन्होंने एक आशाजनक छवि की पश्चिमी तकनीक को समझा है, और कभी-कभी इन नक्काशी की प्रतिलिपि बनाई गई। उन्होंने सूर्य और युआन राजवंशों की चीनी शैलियों का भी अध्ययन किया, जिसमें चेन सुअंग (1235-12 9 0) और शेन नैनपिना की नाजुक और यथार्थवादी शैली शामिल है; आखिरी बार 18 वीं शताब्दी की शुरुआत में नागासाकी में रहता था। ओकॉय ने प्रकृति से बहुत काम किया, और उनके वैज्ञानिक अवलोकनों ने प्रकृति की धारणा के आधार के रूप में कार्य किया, जो मारुआमा स्कूल पर आधारित था।

18 वीं शताब्दी में प्राकृतिकता में रुचि के अलावा। चीनी कलात्मक परंपरा का प्रभाव फिर से शुरू हुआ। कलाकारों के सुरम्य विद्यालय के लिए इस क्षेत्र के प्रतिनिधियों- न्यूनतम (1368-1644) और किंग (1644-19 12) के युग के वैज्ञानिक, हालांकि वे संभावना रखते हैं कि चीन में वर्तमान राज्य कला के बारे में उनके विचार सीमित थे। इस जापानी स्कूल की कला को बुडिंग (शिक्षित लोगों की कला) कहा जाता था। बुडिंग में काम करने वाले सबसे प्रभावशाली स्वामी में से एक, इकानो ताइगा (1723-1776), एक प्रसिद्ध कलाकार और एक सुलेखर था। इसकी परिपक्व शैली के लिए, मोटी समोच्च रेखाओं को प्रकाश टोन और शवों के हल्के फिलामेंट स्ट्रोक से भरा हुआ है; उन्होंने काले शव के मुक्त स्टालों को लिखा और चौड़ा, हवा और बारिश में बांस के टुकड़ों को दर्शाया। छोटी घुमावदार रेखाओं के साथ, वह जंगल से घिरे झील पर धुंधला पहाड़ों की छवि में उत्कीर्णन के समान प्रभाव पर पहुंचा।

सत्रवहीं शताब्दी मैंने ईडीओ अवधि की कला की एक और उल्लेखनीय दिशा को जन्म दिया। यह तथाकथित Ukyo-e (बदलती दुनिया की तस्वीरें) सरल लोगों द्वारा बनाए गए शैली के दृश्य हैं। प्रारंभिक Ukiyo-e पुरानी राजधानी क्योटो में दिखाई दिया और मुख्य रूप से सुरम्य थे। लेकिन उनके विनिर्माण का केंद्र जल्द ही ईदो चलेगा, और पेड़ पर उत्कीर्णन पर केंद्रित स्वामी का ध्यान। Ukiyo-e के साथ एक पेड़ पर उत्कीर्णन के करीबी कनेक्शन ने गलत विचार के कारण किया कि लकड़ी उत्कीर्णन इस अवधि की खोज थी; वास्तव में, यह 11 वीं शताब्दी में पैदा हुआ। ऐसी शुरुआती छवियां जोरदार थीं, उन्हें बौद्ध धर्म और दिव्य के संस्थापकों द्वारा चित्रित किया गया था, और कामकुरा की अवधि के दौरान, कुछ कथा स्क्रॉल को नक्काशीदार ब्लॉक से पुन: उत्पन्न किया गया था। हालांकि, 17 के मध्य से और 1 9 वी तक की अवधि में नक्काशी की कला विशेष रूप से लोकप्रिय हो गई।

छवि की वस्तुएं ukyu-e डीआरएएम से मेरे क्वार्टर, पसंदीदा अभिनेताओं और दृश्यों के सुंदर पर्दे थे। जल्दी, तथाकथित। तेज लयबद्ध लहरदार रेखाओं के साथ, काले रंग में आदिम उत्कीर्णन किए गए थे, और एक साधारण पैटर्न में भिन्न थे। उन्हें कभी-कभी नारंगी-लाल रंग में हाथ से चित्रित किया जाता था, जिसे पीले-सरसों और हरे रंग के निशान के साथ टैन-ई (उज्ज्वल लाल चित्र) कहा जाता था। कुछ "आदिम" कलाकारों ने मैनुअल पेंटिंग का उपयोग किया, जिसे यूरिस-ई (लैक्वेर पेंटिंग) कहा जाता है, जिसमें गहरे क्षेत्रों को तेज कर दिया गया था और गोंद के अतिरिक्त होने के कारण और अधिक उज्जवल हो गया। प्रारंभिक मल्टीकोरर उत्कीर्णन, जो 1741 या 1742 में दिखाई दिया, को बानजदज़ुरी-ई (रास्पबेरी उत्कीर्णन) कहा जाता था और आमतौर पर तीन रंगों का उपयोग किया जाता था - गुलाबी-लाल, हरा और कभी-कभी पीला। वास्तव में एक बहु रंगीन नक्काशी जो पूरे पैलेट का उपयोग करते थे और निसिकी-ई (ब्रोकैड छवियों) नामक 1765 में दिखाई दिए।

व्यक्तिगत प्रभाव बनाने के अलावा, कई उत्कीर्णकों ने किताबों को चित्रित किया और किताबों और स्क्रॉल पर कामुक चित्रों का निर्माण अर्जित किया। यह ध्यान में रखना चाहिए कि Wucki-e उत्कीर्णन तीन प्रकार की गतिविधियों से बना था: यह ड्राफ्ट्समैन का एक काम था, जिसका नाम छील रहा था, एक तेज और प्रिंटर था।

उत्कीर्णन Ukyo-e के निर्माण की परंपरा के लोगों को हिसिकावा मोरोनोबू (लगभग 1625-1694) माना जाता है। इस क्षेत्र के अन्य "आदिम" कलाकार - कियोमासु (16 9 4-1716) और केगेनेज़ुडो समूह (कलाकारों के अजीब राष्ट्रमंडल, अस्तित्व का समय अस्पष्ट रहता है), साथ ही ओकमुरा मसैनोबू (1686-1764)।

उत्कीर्णन बंजजुरी-ई द्वारा बनाई गई संक्रमण अवधि के कलाकार ISICAWA TYONOBU (1711-1785), Torii Kihihiro (लगभग 1751-1760) और Torii Kiyrimetets (1735-1785) थे।

सुजुकी हरुनोबू (1725-1770) के कार्य पॉलीक्रोमिक एनग्राविंग्स के युग को खोलते हैं। नरम, लगभग तटस्थ पेंट्स के साथ निकाला, सुरुचिपूर्ण महिलाओं और बहादुर प्रेमियों द्वारा आबादी, हरुनोबू उत्कीर्णन एक बड़ी सफलता थी। लगभग उसी समय, कत्सुकावा सिंसो को उनके साथ (1726-1792), तोरी किनाहा (1752-1815) और कितागावा उदारो (1753-1806) के साथ काम किया गया था। उनमें से प्रत्येक ने इस शैली के विकास में योगदान दिया; स्वामी ने सुरुचिपूर्ण सुंदरियों और प्रसिद्ध अभिनेताओं की पूर्णता के लिए उत्कीर्णन लाया। 17 9 4-1795 में कई महीनों के लिए, रहस्यमय Tosusai Sarak उन दिनों के अभिनेताओं के आश्चर्यजनक मजबूत और स्पष्ट रूप से क्रूर चित्रों का निर्माण किया।

19 वीं शताब्दी के पहले दशकों में। यह शैली परिपक्वता तक पहुंच गई और गिरावट के लिए फाड़ने लगी। Katsusik Hokusai (1760-1849) और एंडो हिरोशी (17 9 7-1858) - युग के सबसे महान स्वामी, जिनकी रचनात्मकता Engravings 19 वी की कला के सूर्यास्त को जोड़ती है। और 20 वीं शताब्दी की शुरुआत में उनका नया पुनरुद्धार। दोनों मुख्य रूप से परिदृश्य वाले खिलाड़ी थे जो आधुनिक जीवन की घटनाओं को उनके उत्कीर्णन में तय किए गए थे। कटर और प्रिंटर की तकनीक के शानदार कब्जे ने सनकी लाइनों और सेटिंग के मामूली रंगों को स्थानांतरित करना या उत्कीर्णन में धुंध की सुबह बढ़ने के लिए संभव बना दिया।

मैडी और आधुनिक अवधि की बहाली।

यह अक्सर होता है कि एक या किसी अन्य लोगों की प्राचीन कला खराब नाम, तिथियां और संरक्षित कार्य है, इसलिए किसी भी निर्णय को केवल बहुत सावधानी और सम्मेलनों के साथ लिया जा सकता है। हालांकि, समकालीन कला का न्याय करना कोई मुश्किल नहीं है, क्योंकि हम किसी भी दिशा या कलाकार और इसकी रचनात्मकता के पैमाने को सही ढंग से आकलन करने के लिए एक ऐतिहासिक परिप्रेक्ष्य से वंचित हैं। जापानी कला का अध्ययन अपवादों का प्रतिनिधित्व नहीं करता है, और अधिकांश क्या किया जा सकता है समकालीन कला के पैनोरमा को पेश करना और कुछ सशर्त प्रारंभिक निष्कर्ष निकालना है।

19 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में। जापानी बंदरगाहों को फिर से प्रकट किया गया, राजनीतिक दृश्य पर गंभीर परिवर्तन हुए। 1868 में, सोगुनत को समाप्त कर दिया गया था और सम्राट मैडज़ी बोर्ड को बहाल कर दिया गया था। सम्राट के आधिकारिक पूंजी और निवास को एडो में स्थानांतरित कर दिया गया था, और शहर स्वयं टोक्यो (पूर्वी राजधानी) के रूप में जाना जाने लगा।

जैसा कि अतीत में हुआ, राष्ट्रीय अलगाव के अंत ने अन्य देशों की उपलब्धियों में काफी रुचि पैदा की। इस समय, जापानी ने विज्ञान और प्रौद्योगिकी के क्षेत्र में एक बड़ी छलांग लगाई। कलात्मक के लिए, नौकरानी युग की शुरुआत (1868-19 12) तकनीक सहित सभी पश्चिमी की स्वीकृति दर्शाती है। हालांकि, यह उत्साह लंबे समय तक जारी नहीं रहा, और उसने आकलन अवधि का पालन किया, नए रूपों का उदय जो अपनी परंपराओं और नए पश्चिमी प्रवृत्तियों पर लौटने के लिए गठबंधन करते हैं।

कलाकारों में केनो होगाई (1828-1888), सिमोमारा कंदसन (1873-19 66), टेटी सैयो (1864-19 24) और टॉमिका तासे (1836-19 42) की प्रसिद्धि का अधिग्रहण हुआ। पहले तीन ने पारंपरिक जापानी शैली और भूखंडों का पालन किया, हालांकि उन्होंने मूड और प्रौद्योगिकी में मौलिकता दिखाने की मांग की। उदाहरण के लिए, क्योटो के शांत और रूढ़िवादी वातावरण में काम किया गया। उनके शुरुआती कार्यों को मारूमाम के प्राकृतिक तरीके से बनाया जाता है, लेकिन बाद में उन्होंने चीन में बहुत यात्रा की और चीनी पेंटिंग स्याही के गहरे प्रभाव का अनुभव किया। यूरोप के संग्रहालयों और अग्रणी कला केंद्रों पर उनकी यात्राओं ने भी अपने काम में एक निशान छोड़ा। इस समय के सभी उत्कृष्ट कलाकारों में से केवल एक टॉमिका तसय ने एक नई शैली के विकास से संपर्क किया। अपने ऊर्जावान और कार्यों की पूरी ताकतों में, मोटे घुमावदार असमान रेखाएं और काले शव के दाग बारीकी से निर्वहन रंगों के साथ संयुक्त होते हैं। बाद के वर्षों में, कुछ युवा कलाकार जिन्होंने तेल के साथ काम किया, उन्होंने सफलता हासिल की जहां उनके दादा विफल हो गए। इस असामान्य सामग्री के साथ काम करने के पहले प्रयासों को पेरिस कैनवस द्वारा याद दिलाया गया था और किसी भी विशेष मूल्य या विशेष रूप से जापानी शैतानों में भिन्न नहीं थे। हालांकि, असाधारण आकर्षण का काम वर्तमान में बनाया जा रहा है जिसमें रंग और समेकन की विशिष्ट जापानी भावना अमूर्त विषयों के माध्यम से स्थानांतरित की जाती है। अन्य कलाकार, एक अधिक प्राकृतिक और पारंपरिक शव के साथ काम करते हैं और कभी-कभी कैलिग्राफी का उपयोग मूल उद्देश्य के रूप में करते हैं, भूरे रंग के रंगों के साथ चमकदार काले टन में ऊर्जावान सार कार्य बनाता है।

1 9-20 शताब्दियों में ईडीओ अवधि के साथ। मूर्तिकला लोकप्रिय नहीं था। लेकिन इस क्षेत्र में, आधुनिक पीढ़ी के प्रतिनिधियों, जिन्होंने अमेरिका और यूरोप में अध्ययन किया, ने बहुत सफलतापूर्वक प्रयोग किया। छोटे कांस्य मूर्तियां, आकार में सार और अजीब नामों के साथ, जापानी के लिए लाइन और रंग की समझ का प्रदर्शन करते हैं, जो एक नरम हरे या गर्म भूरे रंग के पेटीना का उपयोग करने में प्रकट होता है; लकड़ी की नक्काशी सामग्री के बनावट के लिए जापानी के प्यार को इंगित करता है।

जापानी "क्रिएटिव प्रिंटिंग" खंगा सोसाका, केवल 20 वीं शताब्दी के पहले दशक में दिखाई दिए, लेकिन कला की एक विशेष दिशा के रूप में, उन्होंने समकालीन कला के अन्य सभी क्षेत्रों को ग्रहण किया। यह आधुनिक उत्कीर्णन, सख्ती से बोल रहा है, पेड़-ई पेड़ में पुरानी उत्कीर्णन का उत्तराधिकार नहीं है; वे शैली, भूखंडों और बनाने के तरीकों में भिन्न होते हैं। कलाकार, जिनमें से कई पश्चिमी चित्रकला के मजबूत प्रभाव में थे, ने अपनी कलात्मक विरासत के महत्व को महसूस किया और अपने रचनात्मक आदर्शों को व्यक्त करने के लिए पेड़ में उपयुक्त सामग्री पाई। हैंग मास्टर्स न केवल आकर्षित करते हैं, बल्कि लकड़ी के ब्लॉक पर छवियों को भी काटते हैं और उन्हें स्वयं प्रिंट करते हैं। यद्यपि कला के इस रूप में, उच्चतम उपलब्धियां पेड़ पर कामों से जुड़ी हैं, उत्कीर्णन की सभी आधुनिक पश्चिमी तकनीकों को लागू किया जाता है। कुछ मामलों में पत्तियों, जुड़वां और "पाए गए वस्तुओं" के साथ प्रयोग आपको सतह बनावट के अद्वितीय प्रभाव पैदा करने की अनुमति देते हैं। प्रारंभ में, इस दिशा के स्वामी को मान्यता लेने के लिए मजबूर किया गया था: यहां तक \u200b\u200bकि स्कूल की सबसे अच्छी उपलब्धियां ukiyo-e कलाकारों-बौद्धिक एक अशिक्षित भीड़ के साथ जुड़े थे और Plabeian कला माना जाता था। ओन्टी कोसिरो, चिरत्सुक यूनिटी और मायकवा सम्पन जैसे कलाकारों ने उत्कीर्णन के लिए सम्मान वापस करने के लिए बहुत कुछ कर दिया और इस दिशा को ललित कला की एक सभ्य शाखा के रूप में मंजूरी दे दी। उन्होंने कई युवा कलाकारों को अपने समूह में आकर्षित किया, और एनग्रेवर्स अब सैकड़ों द्वारा गणना की जाती है। इस पीढ़ी के स्वामी के बीच, जिसने जापान और पश्चिम में मान्यता हासिल की है, - चिप्सिया उपरो, मुनाकाता सियो, यामागुची जनरल और सैतो किशी। यह एक मास्टर है जिसका नवाचार और निर्विवाद प्रतिभा ने उन्हें जापान के अग्रणी कलाकारों के बीच एक योग्य स्थिति लेने की अनुमति दी। अपने कई सहकर्मी और अन्य, हां के छोटे कलाकारों ने भी अद्भुत उत्कीर्णन भी बनाए; तथ्य यह है कि हम यहां उनके नामों का उल्लेख नहीं करते हैं, इसका मतलब उनकी रचनात्मकता का कम मूल्यांकन नहीं है।

सजावटी और लागू कला, वास्तुकला और उद्यान

पिछले खंडों में, यह मुख्य रूप से चित्रकला और मूर्तिकला के बारे में था, जो अधिकांश देशों में ललित कला की मुख्य प्रजातियां माना जाता है। यह अनुच्छेद सजावटी कला और लोक शिल्प, बागानों और वास्तुकला की कला के अंत में अनुचित हो सकता है - जो रूपों ने जापानी कला का एक महत्वपूर्ण और अभिन्न हिस्सा गठित किया। हालांकि, शायद, वास्तुकला के अपवाद के साथ, उन्हें जापानी कला की कुल अवधि और शैली के परिवर्तन के साथ संबंध से विशेष विचार की आवश्यकता होती है।

सिरेमिक और चीनी मिट्टी के बरतन।

जापान में सजावटी और लागू कला के सबसे महत्वपूर्ण प्रकारों में सिरेमिक और चीन शामिल हैं। सिरेमिक कला स्वाभाविक रूप से दो श्रेणियों में विभाजित है। सुंदर पॉलीश्री चीन इमारी, नबासिमा और केकेमन को उत्पादन स्थानों से नाम मिला, और एक क्रीम या नीली-सफेद सतह पर इसकी समृद्ध पेंटिंग कुलीनता और अदालत के मंडलियों के लिए थी। इस चीनी मिट्टी के बरतन के निर्माण की प्रक्रिया जापान में 16 या 17 बी की शुरुआत में जापान में जाना जाने लगा। चिकनी टुकड़े टुकड़े के साथ प्लेटें और कटोरे, असममित या पैच पैटर्न के साथ, उनके मातृभूमि और पश्चिम में दोनों की सराहना की जाती है।

मिट्टी से बने मोटे व्यंजनों या कम गुणवत्ता के पत्थर के द्रव्यमान के विपरीत, चीन, ओरीबे और बिजसेन की विशेषता, ध्यान सामग्री पर केंद्रित है, यह सजावटी तत्वों की एक लापरवाही, लेकिन अच्छी तरह से विचार-प्रक्रिया व्यवस्था प्रतीत होता है। जेन-बौद्ध धर्म की अवधारणाओं के प्रभाव में बनाया गया, ऐसे जहाजों बौद्धिक मंडलियों में बहुत लोकप्रिय थे और विशेष रूप से चाय समारोहों में व्यापक रूप से उपयोग किए जाते थे। कई कप, टीपोट्स और टीपोट्स में, एक चाय समारोह की कला के गुण, जेन-बौद्ध धर्म का सार अवशोषित किया गया था: कठोर आत्म-अनुशासन और सख्त सादगी। जापानी सजावटी कला के उदय के दौरान, कोरिन और कंडज़ान के प्रतिभाशाली कलाकार सिरेमिक उत्पादों की सजावट में लगे हुए थे। यह याद रखना चाहिए कि कंडज़ान की महिमा सिरेमिस्ट की अपनी प्रतिभा से अधिक जुड़ी हुई है, न कि एक चित्रकार। जहाजों के निर्माण के लिए कुछ सरल प्रकार और तकनीक लोक शिल्प की परंपराओं से होती हैं। आधुनिक कार्यशालाएं, पुरानी परंपराओं को जारी रखते हुए, अपने सुरुचिपूर्ण सादगी की प्रशंसा करने वाले अद्भुत उत्पाद बनाते हैं।

वार्निश उत्पाद।

पहले से ही 7-8 शताब्दियों में। वार्निश जापान में जाना जाता था। इस समय से, कास्केट कवर संरक्षित हैं, पतली सोने की रेखाओं द्वारा जमा लोगों की छवियों और ज्यामितीय प्रारूपों के साथ सजाए गए हैं। हमने 8-9 परिस्थितियों की मूर्तिकला के लिए शुष्क वार्निश प्रौद्योगिकी के महत्व के बारे में पहले ही बात की है; उसी समय, धूप के लिए अक्षरों या बक्से के लिए कैस्केट जैसी सजावटी वस्तुओं को बाद में बनाया गया था। ईडीओ अवधि के दौरान, इन उत्पादों को बड़ी मात्रा में और सबसे ज्यादा सुस्त सजावट के साथ निर्मित किया गया था। नाश्ते के लिए शानदार ढंग से सजाए गए बक्से, केक के लिए, धूप और दवाओं के लिए, इन्रो कहा जाता है, इस समय में निहित लक्जरी के लिए प्रतिबिंबित धन और प्यार। वस्तुओं की सतह को सोने और चांदी के पाउडर, सोने के पन्नी के स्लाइस, अलग से या इनलाइड सिंक, पर्ल, और टिन मिश्र धातु, आदि के साथ संयोजन के साथ सजाया गया था; ये पैटर्न एक लापरवाही लाल, काले या भूरे रंग की सतह के साथ विपरीत थे। कभी-कभी वार्निश के लिए पेंटिंग्स कलाकारों ने कोरिन और कंपनी जैसे कलाकारों किए थे, लेकिन इन कार्यों में उन्होंने शायद ही कभी व्यक्तिगत रूप से भाग लिया।

तलवारें।

जापानी, जैसा कि पहले से ही उल्लेख किया गया है, उनके इतिहास की काफी अवधि के दौरान योद्धाओं के लोग थे; हथियारों और कवच को जनसंख्या के एक बड़े हिस्से के लिए आवश्यक माना जाता था। तलवार एक आदमी का गौरव था; दोनों ब्लेड और तलवार के अन्य सभी हिस्सों, विशेष रूप से हैंडल (क्यूब), विभिन्न तकनीकों में सजाए गए थे। लोहे या कांस्य से जुबा को सोने और चांदी के इनले से सजाया गया था, नक्काशी या समाप्त और दूसरे के साथ कवर किया गया था। उन्हें हथियारों (सोम) के लोगों, फूलों या परिवार के कोट के परिदृश्य या आंकड़े चित्रित किए गए थे। यह सब तलवारों के निर्माताओं के काम का पूरक है।

कपड़े।

रिच पैटर्न वाले रेशम और अन्य कपड़े, एक यार्ड और बहुतायत, आंगन और पादरी द्वारा प्रिय, साथ ही साथ एक साधारण आदिम पैटर्न के साथ सरल कपड़े, लोक कला की विशेषता, राष्ट्रीय जापानी प्रतिभा की अभिव्यक्ति भी हैं। शैली के एक समृद्ध युग में उच्चतम समृद्ध पहुंचने के बाद, आधुनिक जापान में वस्त्रों की कला खिल गई। इसमें, पश्चिम से विचार और कृत्रिम फाइबर पारंपरिक रंगों और सजावटी रूपों के साथ सफलतापूर्वक संयुक्त होते हैं।

उद्यान।

हाल के दशकों में, इन कला रूपों के साथ पश्चिमी जनता के व्यापक परिचित के कारण जापानी बागों और वास्तुकला में रुचि बढ़ी। जापान में बगीचे एक विशेष स्थान पर कब्जा करते हैं; वे एक अभिव्यक्ति और उच्च धार्मिक और दार्शनिक सत्यों का प्रतीक हैं, और इन अस्पष्ट, प्रतीकात्मक ओवरटोन, बागों की स्पष्ट सुंदरता के साथ संयुक्त, पश्चिमी दुनिया के हित के कारण। यह नहीं कहा जा सकता है कि धार्मिक या दार्शनिक विचार बगीचे के निर्माण के लिए मुख्य कारण थे, लेकिन बगीचे की योजना बनाने और बनाने के दौरान, योजनाकार, योजनाकार ने ऐसे तत्वों पर विचार किया, जिसका विचार दर्शक को विभिन्न दार्शनिकों के बारे में सोचने के लिए नेतृत्व करेगा। सत्य। यहां, जेन-बौद्ध धर्म के चिंतनशील पहलू को असामान्य पत्थरों के समूह में शामिल किया गया है, गठबंधन रेत और बजरी की लहरें, टर्फ के साथ मिलकर, या इस तरह से स्थित पौधों को इस तरह से स्थित है कि उनके पीछे की धाराएं गायब हो जाती हैं, यह फिर से दिखाई देती है, - यह सब दर्शक को निर्माण उद्यान विचारों को स्वतंत्र रूप से पूरा करने के लिए प्रोत्साहित करता है। एक समझदार स्पष्टीकरण के सामने एक अस्पष्ट संकेत के लिए वरीयता जेन दर्शन की विशेषता है। इन विचारों की निरंतरता अब पश्चिम बौने पेड़ों बोन्साई और बर्तनों में छोटे बागों में लोकप्रिय हो गई है।

आर्किटेक्चर।

जापान के मुख्य वास्तुशिल्प स्मारक मंदिर, मठवासी परिसरों, सामंती महल और महल हैं। इस दिन तक लंबे समय तक, पेड़ मुख्य भवन सामग्री है और काफी हद तक संरचनात्मक सुविधाओं को निर्धारित करता है। सबसे पुरानी धार्मिक इमारतों कोतो के राष्ट्रीय जापानी धर्म के अभयारण्य हैं; ग्रंथों और चित्रों के आधार पर, वे प्राचीन आवासों की तरह एक भूसे की छत के साथ अपेक्षाकृत सरल इमारतों थे। मंदिर की इमारतों, बौद्ध धर्म के प्रसार के बाद निर्मित और इससे संबंधित, शैली और लेआउट में चीनी प्रोटोटाइप पर आधारित थे। बौद्ध मंदिर वास्तुकला समय के आधार पर भिन्न है, और सजावट और इमारतों का स्थान विभिन्न संप्रदायों में अलग था। जापानी संरचनाओं को उच्च छत और कंसोल की एक जटिल प्रणाली के साथ व्यापक हॉल द्वारा प्रतिष्ठित किया जाता है, और उनकी सजावट ने अपने समय के स्वाद को प्रतिबिंबित किया। खोरुजी कॉम्प्लेक्स का सरल और राजसी वास्तुकला, 7 वीं शताब्दी की शुरुआत में एनएआर के पास निर्मित, असुस्क काल के लिए विशेषता है, क्योंकि हुडो के अनुपात की सुंदरता और लालित्य, "हॉल ऑफ फीनिक्स" में उडी, हायन युग के लिए कमल झील में परिलक्षित होता है। ईडीओ अवधि की अधिक जटिल इमारतों ने एक ही "महान सजावट" द्वारा बनाई गई समृद्ध रंगीन स्लाइडिंग दरवाजे और झुंड के रूप में अतिरिक्त सजावट हासिल की, जो महलों और सामंती के महलों से घिरे अंदरूनी इलाकों से सजाए गए।

जापान की वास्तुकला और उद्यान इतनी बारीकी से जुड़े हुए हैं कि उन्हें एक दूसरे का हिस्सा माना जा सकता है। यह एक चाय समारोह के लिए इमारतों और बगीचे के घरों के लिए विशेष रूप से सच है। परिदृश्य के साथ उनकी खुलीपन, सादगी और सावधानी से विचार-विमर्श संचार और पश्चिम के आधुनिक वास्तुकला पर एक बड़ा प्रभाव पड़ता है।

पश्चिम में जापानी कला का प्रभाव

पूरी शताब्दी के दौरान, जापान की कला पश्चिम में जाना जाने लगा और उसके ऊपर एक महत्वपूर्ण प्रभाव पड़ा। वहां भी पहले संपर्क थे (उदाहरण के लिए, नागासाकी बंदरगाह के माध्यम से जापान के साथ डच एलईडी व्यापार), लेकिन 17 वीं शताब्दी में यूरोप पहुंचने वाली वस्तुएं मुख्य रूप से लागू कला - चीनी मिट्टी के बरतन और वार्निश उत्पादों के कार्यों के काम थीं। वे वंडरमैन के रूप में उत्सुकता से एकत्रित थे और विभिन्न तरीकों से कॉपी किए गए थे, लेकिन सजावटी निर्यात के इन वस्तुओं ने जापानी कला के सार और गुणवत्ता को प्रतिबिंबित नहीं किया और यहां तक \u200b\u200bकि जापानी को पश्चिमी स्वाद के एक निराश विचार को भी जन्म दिया।

पहली बार, पश्चिमी चित्रकला ने लंदन में एक विशाल अंतरराष्ट्रीय प्रदर्शनी के दौरान 1862 में यूरोप में जापानी कला के प्रत्यक्ष प्रभाव का अनुभव किया। पेरिस प्रदर्शनी में पांच साल बाद प्रस्तुत, पेड़ पर जापानी उत्कीर्णन ने फिर से बहुत रुचि खोली। उत्कीर्णन के तुरंत कई निजी संग्रह दिखाई दिए। डेगास, मन, मोनेट, गौगगेन, वैन गोग और अन्य ने एक रहस्योद्घाटन के रूप में जापानी रंगीन नक्काशी को महसूस किया; अक्सर एक प्रकाश होता है, लेकिन हमेशा इंप्रेशनिस्टों पर जापानी नक्काशी के प्रभाव को पहचानने योग्य। अमेरिकियों व्हिस्लर और मैरी कैसत ने लाइन के संयम को आकर्षित किया और उज्ज्वल रंगीन धब्बे नक्काशी और पेंटिंग Ukiyo-e।

1868 में विदेशियों के लिए जापान के उद्घाटन ने सभी पश्चिमी चीजों के लिए जुनून को जन्म दिया और जापानी को अपनी समृद्ध संस्कृति और कलात्मक विरासत से दूर जाने के लिए मजबूर कर दिया। इस समय, कई सुंदर सुरम्य कार्य और मूर्तियां बेची गईं और उन्हें पश्चिमी संग्रहालयों और निजी संग्रह में पाई गईं। इन वस्तुओं की प्रदर्शनी ने जापान के साथ पश्चिम की शुरुआत की और सुदूर पूर्व की यात्रा में रुचि को उत्तेजित किया। बेशक, द्वितीय विश्व युद्ध के अंत में अमेरिकी सैनिकों द्वारा जापान का व्यवसाय पहले से पहले, परिचित के अवसरों और जापानी मंदिरों और उनके खजाने के गहरे अध्ययन के लिए व्यापक रूप से खोला गया। यह ब्याज अमेरिकी संग्रहालयों की उपस्थिति में परिलक्षित था। पूर्व में ब्याज जापानी कला के कार्यों की प्रदर्शनी के संगठन को जापानी सार्वजनिक और निजी संग्रह से चुने गए और अमेरिका और यूरोप में लाया गया।

पिछले दशकों के वैज्ञानिक अध्ययनों ने राय का खुलासा करने के लिए बहुत कुछ किया कि जापानी कला केवल चीनी का प्रतिबिंब है, और अंग्रेजी में कई जापानी प्रकाशनों ने पूर्व के आदर्शों के साथ पश्चिम की शुरुआत की।



धातु कलाकृति के क्षेत्र में जापान की सजावटी और एप्लाइड कला में मंदिर मूर्तिकला और बर्तन, हथियार और सजावटी सामान शामिल थे, पारंपरिक धातुओं की प्रसंस्करण की विविधता और पूर्णता (कांस्य, लौह, तांबा, स्टील) के साथ संयुक्त किया गया था जटिल मिश्र धातुओं का उपयोग जो रंगीन रंगों और प्लास्टिक की संपत्तियों की समृद्धि से भिन्न होते हैं। उनमें से सिकुडो आम थे, जिन्होंने काले, भूरे, नीले और बैंगनी फूलों और जीवों के विभिन्न रंग दिए, जो ग्रे टोन के लगभग अविश्वसनीय स्रोत के रूप में कार्य करते थे ।

मिश्र धातु के निर्माण के लिए व्यंजन एक पेशेवर रहस्य थे और मास्टर से एक छात्र के लिए पारित थे। XVII-XVIII सदियों में। समृद्ध नागरिकों के आदेशों पर, मूर्तिकला छवियों को घर की वेदियों के लिए किया गया था, साथ ही साथ एक उदार अर्थ वाली छवियां और पारिवारिक गर्मी की रक्षा करते थे। उनमें से - दारुमा, पौराणिक भिक्षु, जापान में किस नाम से चाय, डाइक की उत्पत्ति से जुड़ा हुआ है - खुशी और धन की देवता, जुरोडज़िन - खुशी और दीर्घायु का देवता।

इसके साथ-साथ, घरेलू वस्तुओं का हिस्सा सजावटी उद्देश्यों की सेवा करता है। ये धूम्रपान कक्ष, vases, व्यंजन, बक्से, ट्रे थे, जिसके लिए एक उत्पाद में विभिन्न धातुओं का कनेक्शन की विशेषता थी, ओपनवर्क थ्रेड, उत्कीर्णन, नोट्स, इनलाइड का उपयोग। धातु आधार पर तामचीनी सजावट लगाने की परंपरा चीन से XVI शताब्दी के अंत में चीन से जापान में आई थी। तामचीनी तकनीक में 4 किस्में थीं: सेफोडेड, रखी हुई, उत्कीर्ण और चित्रित। इमली ने "सिप्लो" कहा - सात ज्वेल्स: गोल्ड, सिल्वर, एमरल्ड, कोरल, डायमंड, एगेट, मोती, जो लोगों को खुशी पर विश्वास करते थे।

चीनी नमूने पर भरोसा करते हुए XVII-XVIII शताब्दियों के जापानी एसईपीटीओ enamels, एक सीमित पैलेट में थोड़ा म्यूट टोन, एक स्पष्ट ज्यामितीय पैटर्न, एक गहरी गहरी हरी पृष्ठभूमि में भिन्न है। XIX शताब्दी के बीच में। तामचीनी तकनीक दूसरे जन्म से बच गई। बहुष्टिक शानदार तामचीनी प्राप्त की गईं, जो कसकर धातु के आधार पर चिपके हुए थे और एक पीसने के लिए अच्छी तरह से था।

XIX शताब्दी के अंत में एसईपीटीओ तामचीनी की कला का फूल। यह प्रसिद्ध मास्टर Namikawa Yasoyki के नाम से जुड़ा हुआ था। अपनी कार्यशाला से, छोटे उत्पादों को प्रकाशित किया गया था, पूरी तरह से गहने देखभाल के साथ लागू तामचीनी के साथ कवर किया गया था। रंगों, पक्षियों, तितलियों, ड्रेगन और फीनिक्स की छवियां, कई प्रकार के पारंपरिक आभूषणों को मुश्किल बुने हुए फीता पैटर्न में एक जगह मिली। गोल्डन फोइल ने उत्पाद की पॉलिश सतह की चमकदार चमकदार चमक बनाई है।

हथियारों की निर्माण और सजावट में जापान में प्राचीन परंपरा है। तलवार को एक पवित्र विषय के रूप में माना जाता था, जिसे सूर्य अम्यूरस ओमिकोव के देवी द्वारा प्रस्तुत किया गया था, जिसे उसने पृथ्वी पर शासन करने और बुराई को खत्म करने के लिए भेजा था। एक डबल-पक्षीय sharpening तलवार (केन या Tsurugi) के साथ सीधी रेखा sintosoy कोयले से संबंधित बन गई और शाही regalia के बीच बन गया। मध्य युग में, तलवार योद्धाओं के वर्ग का प्रतीक बन गई, जो शक्ति, साहस, समुराई की गरिमा को शामिल किया गया। यह भी था कि मृत पूर्वजों की आत्माएं उनमें रहती हैं।

VII शताब्दी में एक एकतरफा तेज ब्लेड के पीछे एक मामूली मोड़ के साथ तलवार का एक आकार, जो XIX शताब्दी में लगभग अपरिवर्तित आया है। और "Niuonto" (जापानी तलवार) नाम मिला। XVI शताब्दी से अरिस्टोक्रेट्स और सैन्य एस्टेट के प्रतिनिधियों को दो तलवारें पहनने के लिए बाध्य किया गया था: लांग - "कटाना" और लघु - "vakidzasi", जिसका उद्देश्य एक अनुष्ठान आत्महत्या करने का इरादा था। सम्मान के कोड के उल्लंघन के मामले में, कारीगरों और एक विशेष अनुमति के लिए किसानों को केवल wakidzasi या तलवार पहनने की अनुमति दी गई थी "Aikuti"। ब्लेड के निर्माण की लंबी और समय लेने वाली प्रक्रिया को एक गंभीर अनुष्ठान के रूप में सुसज्जित किया गया था, साथ कि विशेष प्रार्थनाओं, मंत्र, लोहार की जंग औपचारिक कपड़ों में।

ब्लेड को कई बैंडों से वेल्डेड किया गया था, उन्होंने कम से कम पांच गुना, पॉलिश और पॉलिश किया। बारहवीं सदी के अंत के साथ। ब्लेड ग्रूव, सूर्य की छवियों, चंद्रमा, सितारों, ड्रेगन, जंक्शन-मंत्र, उत्कीर्णन और गहराई से राहत से बने होते हैं। XVI शताब्दी से विवरण और रिम तलवार। विशेष मास्टर्स द्वारा बनाया गया - हथियार ज्वैलर्स।

ब्लेड को हैंडल में डाला गया था, जिसका आधार धातु की अंगूठी "फूटी" द्वारा बंधे दो लकड़ी के सलाखों का आधार था और कैसीरा की युक्तियां, अक्सर एक शार्क या स्केट त्वचा के साथ लपेटा गया था, जिसे "सामा" कहा जाता था ( शार्क)। एक धारणा थी कि इस तरह के एक हैंडल ने तलवार की अनुष्ठान शुद्धता को बरकरार रखा और मालिक को संरक्षित किया। एक छोटे से उभरा धातु विवरण "मेनूकी" दोनों तरफ हैंडल से जुड़े हुए थे, जिसने दो हाथों से तलवार का एक लंबा कैप्चर किया था।

इसके शीर्ष पर, हैंडल को एक कॉर्ड या ब्रैड के साथ लपेटा गया था, सतह पर एक ब्रेडेड पैटर्न बना दिया गया था। तलवार का एक महत्वपूर्ण विवरण "Tsub" (Garda) था - एक सुरक्षात्मक प्लास्टिक संभाल से ब्लेड को अलग करता था, छोटी तलवार शीथ अक्सर सावधानी से सजाए गए धातु प्लेट "कोडज़ुक" के साथ सजाया गया था, जो एक छोटे से चाकू के हैंडल में डाला गया था म्यान में विशेष जेब। XVII-XIX सदियों में। हथियार, अपने व्यावहारिक मूल्य को खो दिया, एक नर पोशाक के सजावटी जोड़ में बदल गया।

अपनी सजावट में, विभिन्न सामग्रियों और तकनीकों का उपयोग किया गया था, ओपनवर्क थ्रेड, इनलाइड मिश्र धातु, उभरा हुआ रचनाएं, तामचीनी और वार्निश बनाने के लिए विभिन्न विधियां। एक विशेष कलात्मक समापन ने क्यूबस का अधिग्रहण किया, जिसे कला के एक स्वतंत्र काम के रूप में देखा जाना शुरू किया गया। पारंपरिक रूपों की विशेषता अन्य प्रकार की कला की विशेषता: फूल, पक्षियों, परिदृश्य, बौद्ध दृष्टांत, ऐतिहासिक किंवदंतियों भी शहरी जीवन अनुमान। एक तलवार का विवरण निष्पादन की शैली के अनुसार जोड़ा गया था और अक्सर एक कहानी के विकास का प्रतिनिधित्व किया था।

तलवारों की सजावट में विशेषज्ञता वाले बंदूकधों में से विशेष रूप से ज्ञात किया गया था कि एक्सवी शताब्दी में स्थापित किया गया था। स्कूल गोटो, सत्तर पीढ़ियों किसके स्वामी की 400 से अधिक वर्षों से उनकी प्रसिद्धि का समर्थन करती है।

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जापानी पारंपरिक कला मूल और अजीब सिद्धांतों के आधार पर। जापानी के स्वाद और प्राथमिकताएं अन्य देशों के निवासियों की सौंदर्य प्राथमिकताओं से बहुत अलग हैं। जापान में सजावटी और लागू कला में भी अपनी विशेषता विशेषताएं हैं।

सजावटी कार्य इस देश में कई शताब्दियों तक बनाया गया। ये सिरेमिक और चीनी मिट्टी के बरतन उत्पादों, सजाए गए कपड़े और कपड़े, लकड़ी नक्काशी, धातु और हड्डियों, सुंदर हथियार और बहुत कुछ हैं।

आम तौर पर, सजावटी और लागू कला में एक निश्चित ध्यान होता है। विभिन्न उत्पादों को न केवल अपने चिंतन का आनंद लेने के लिए बनाए जाते हैं, बल्कि रोजमर्रा की जिंदगी में भी आवेदन करने के लिए बनाया जाता है।

और जापानी के लिए न केवल ऐसी कला के कार्यों का उपयोग करने के लिए, बल्कि यह भी महत्वपूर्ण है अपने जीवन को सजाने के लिए, उनकी सुंदरता की सराहना करते हुए। जापान के निवासियों ने हमेशा विशेष रूप से सुंदरता का इलाज किया। ऐसा लगता है कि भव्यता और अनुग्रह शब्दों में स्थानांतरित किया जा सकता है। हालांकि, सौंदर्य रोजमर्रा की दुनिया के बाहर था। एक व्यक्ति का पूरा जीवन क्षणिक था, आत्मा की मृत्यु के बाद एक सुंदर और रहस्यमय दुनिया में चली गई।

जापानी वर्ल्डव्यू की सभी सूचीबद्ध विशेषताएं सजावटी और लागू कला के कार्यों के निर्माण में परिलक्षित थीं। कोई गतिविधि विशेष रूप से निर्मित उत्पादों के उपयोग के साथ।

उदाहरण के लिए, चाय या बोरी मोटे और असमान कप से बाहर पकाया जाता है। हालांकि, वे अपनी सुंदरता के लिए मूल्यवान थे, जो अन्य दुनिया में अस्तित्व में था।

महान जापानी स्वामी वस्तुओं को बनाया, उन्हें सौंदर्य उपस्थिति दे रहा है। आंकड़े - नेटज़के, बक्से - इन्रो, लाह उत्पाद, सुरुचिपूर्ण राख, शिरमा, वेटर - यह सब कलात्मक स्वाद और अनुग्रह से सजाया गया था।

Nezke - लघु मूर्तिकला

विभिन्न प्रकार के सामान पहनने के लिए पुरुषों द्वारा लघु मूर्तियों का उपयोग किया गया था। ट्यूब, एक हैंडसेट या वॉलेट को नेटज़े की बेल्ट की मदद से किमोनो की बेल्ट की मदद से बांधा गया था।

से प्रत्येक लघु मूर्ति प्रतीकात्मक नोट्स खुद में ले गए, यानी कुछ मतलब था।

निष्पादन का व्यावसायिकता जापानी मूर्तियों में अनुमान लगाना। वैसे, नेज़्के के निर्माण की कला अपेक्षाकृत हाल ही में उत्पन्न होती है, 1603 - 1868 मेंसाल का। जापान में समय की इस अवधि को शीर्षक कहा जाता है ईदो.

उस अवधि के सबसे प्रसिद्ध स्वामी थे Dorakusai। (XVIII शताब्दी), सिंघा। (XVIII शताब्दी का अंत), टॉमोटाडा (XVIII शताब्दी), मासात्सुगु (XIX शताब्दी), गोखमीन(Xix शताब्दी) और अन्य।

एक नेप्स बनाने के लिए कौन सी छवियों का उपयोग नहीं किया जाता है। और नागरिकों के हर रोज व्यवसाय, और धार्मिक प्रतिनिधित्व, और जानवरों की छवियां। मास्टर्स ने साहित्यिक कार्यों, परी कथाओं, प्रसिद्ध जापानी योद्धाओं के नायकों को चित्रित करना पसंद किया।

यदि XIX शताब्दी मूर्तियों में नोटिस नहीं कर सकता है आकार का असंतोष और वैध छवियों की असंगतता, फिर बाद में जापानी मास्टर्स ने चरित्र को चित्रित करने के लिए अधिक सटीक कोशिश की, अपनी विशेषताओं को प्रसारित किया। एनईपीसीई के निर्माण के लिए प्रकृति की दुनिया पेशेवरों के लिए अधिक आकर्षक हो गई है।

कई दशकों के दौरान, लघु आंकड़ों को बनाने की तकनीक में सुधार हुआ है।

यदि जापान की सजावटी और लागू कला में ऐसी दिशा की उत्पत्ति की शुरुआत में, जैसे सामग्री अधिक बार उपयोग की जाती है पेड़ या हाथीदांत, XIX शताब्दी में, परास्नातक आवेदन करना शुरू कर दिया चीनी मिट्टी के बरतन, कोरल, धातु, agate और अन्य सामग्री। लकड़ी के netzakes को कोयला पाउडर के साथ पॉलिश किया गया था, फ्लेक्स से तेल रगड़, रेशम के साथ गठित किया गया था। एक और जटिल पथ आंकड़ों के धुंध की प्रक्रिया को पारित कर दिया।

इन्रो - दाईं ओर बॉक्स

जापानी सजावटी-लागू कला में सबसे उत्तम बात बक्से माना जाता है -, लघु बक्से के समान।

वे एक महिला या पुरुष पोशाक का हिस्सा थे। अगर पुरुषों ने किमोनो की बेल्ट के लिए नेट्ज़के के रूप में इन्रो को लटका दिया, तो महिलाओं ने उन्हें आस्तीन में पहना था।

अनुवादित इन्रो - यह मुहरों के लिए बॉक्सजो विभिन्न छोटी चीजों को पहनने के लिए इस्तेमाल किया गया था। उसके पास कई आंतरिक कार्यालय थे। इस तरह के उत्पाद को बनाने वाले मास्टर्स को अनुग्रह और कलात्मक स्वाद को अलग करने के लिए अलग करने के लिए अलग-अलग थे। लाह पेंटिंग, और मोती की मां की जुर्माना, और हाथीदांत की सजावट, कीमती पत्थरों, और इन्रो की सजावट के विभिन्न उपकरणों का उपयोग किया गया था।

कोस्टो - किमोनो लघु आस्तीन

कोडजापानी कपड़ों का विषय लंबे समय तक कैसे जाना जाता है। हालांकि, केवल छोटी आस्तीन वाले ईदो किमोनो के युग में रंगीन कपड़े की नई प्रौद्योगिकियों का उपयोग करके उज्ज्वल ढंग से सजाने लगे।

एस्पिलेट सजावटी और लागू कला का एक उद्देश्य बन गया। यह ध्यान दिया जाना चाहिए कि, किसी व्यक्ति के जीवन में मामलों के आधार पर, जापानी घोषित दिशाओं को एक निश्चित तरीके से डाल दिया। रेशम यार्न के विविध उपयोग में एक आश्चर्यजनक परिणाम था। प्रत्येक कोस्टर था सजावटी कला जापानी लोग।

जापानी सजावटी कला के काम के रूप में प्रशंसक

पंखा जापानी स्वामी का भी ध्यान आकर्षित किया और कला का विषय बन गया। पंखा - बिना जापान आया, चीन से सबसे अधिक संभावना है। और पहले ही जापानी स्वामी ने उन्हें अपना अद्वितीय, सुरुचिपूर्ण रूप दिया।

पशु का दृश्य - विव इसे पूरी तरह से जापानी आविष्कार माना जाता है। यह एक ऐसा प्रशंसक पंखुड़ी है जो लकड़ी के ठोस टुकड़े से बनाई गई है, फिर महंगी रेशम या कागज को ट्रिगर किया गया है जिस पर सुंदर चित्र लागू किए गए थे।

चित्रों के भूखंडों में अलग-अलग चरित्र थे। एक प्रशंसक के रूप में कला के हर काम में नग्न आंखों के लिए जापानी परंपराएं दिखाई दे रही थीं।

वैसे, जापानी ने इस तरह का एक संस्करण बनाया है जिसका इस्तेमाल लड़ाई क्षेत्र पर किया गया था। जैसा कि उठाया गया है, इस तरह की एक वस्तु का उपयोग युद्ध के मैदान पर निर्देशों की वापसी के साथ किया गया था। एक निश्चित प्रकार का खत्म इस वेसर के साथ। इस पर अक्सर एक तरफ एक पीले रंग की पृष्ठभूमि पर एक लाल सर्कल चित्रित किया गया था, और एक लाल पृष्ठभूमि पर एक पीला सर्कल - दूसरे पर।

जापानी कला तलवार

जापान की सजावटी और लागू कला के सौंदर्य सिद्धांतों को कलात्मक तलवारों के निर्माण और सजावट में पूरी तरह से व्यक्त किया गया था।

म। भूतपूर्व - यह जापानी पूजा करने के लिए एक विशेष विषय है, और इसकी सृष्टि के लिए, विभिन्न सामग्रियों और तकनीकों का उपयोग किया गया था।

जापानी तलवार न केवल आकार में निर्वाचित है। स्टील की विशेष संरचना, ब्लेड की चमकदार रेखा, जिसकी सतह पूरी तरह से पॉलिश की गई थी, इस तरह की वस्तु को जापानी कला के उच्चतम उत्पाद के रूप में दर्शाती है। कुछ ब्लेड भी ड्रेगन के राहत आंकड़ों के साथ सजाए गए थे, समुराई की बाहों के कोट, कोरोग्लिफ द्वारा अलग किए गए थे।

जापान में मौजूद था हथियार स्वामी के स्कूलजो विभिन्न युद्ध तलवारें बनाई, हथियार की कलात्मक सजावट में विशिष्ट। इस तरह के एक प्रसिद्ध गनमेकर के रूप में Masamune (अंत)Xiii। सदी - शुरुआतXIV सदी) यह अपने कौशल के साथ सभी जापान के लिए प्रसिद्ध था। जापानी हथियार कला के हमारे कई समकालीन-connoisseurs के अपने काम के सपनों की अपनी तलवार खरीदें।

वार्निश और सिरेमिक उत्पाद

वार्निश उत्पाद हर जगह जापान में इस्तेमाल किया। यह व्यंजन, और घर का बना बर्तन, और खुद की देखभाल के लिए विभिन्न आवश्यक चीजें, और कवच, और यहां तक \u200b\u200bकि हथियार भी है। महान भागों के सदनों को समान उत्पादों से सजाया गया था।

पारंपरिक वार्निशजो जापानी स्वामी द्वारा उपयोग किए गए थे, लाल, काले और सुनहरे थे। एल्डर एडो रोजगार हरे, भूरे और पीले वार्निश के उत्पादन द्वारा चिह्नित। और 20 वीं शताब्दी की शुरुआत में, जापानी सफेद, बैंगनी और रंगों के ब्लू रंग प्राप्त किए गए थे। पेंट पेंटिंग सोने के उपयोग के साथ, मोती और चांदी के इनले जापानी मास्टर्स द्वारा विभिन्न उत्पादों को खत्म करने का सबसे शानदार तरीका है।

सिरेमिक उत्पाद जापानी सजावटी और लागू कला के विषय भी थे। चीन और कोरिया से कई प्रौद्योगिकियां ली गई हैं। हालांकि, जापानी सिरेमिक इस तथ्य से विशेषता है कि मास्टर्स ने न केवल इस तरह के मानकों को एक फॉर्म, आभूषण और रंग के रूप में अधिक ध्यान दिया, लेकिन मानव हथेली के साथ संपर्क करते समय एक सिरेमिक उत्पाद का कारण बनता है।

सिरेमिक लेखजापान में, यह विभिन्न प्रकार के व्यंजनों की एक विस्तृत विविधता है, जैसे कि टीपोट्स, साइकिक जहाजों, सजावटी व्यंजन, बर्तन, और अन्य। पश्चिम देशों में चीनी मिट्टी के बरतन पतली दीवार वाली वास अभी भी मांग में हैं।

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