Skaistums, slēpts lietās, japāņu atvēra IX-XII gadsimtiem, Ephuhuian (794-1185) un pat identificēja to ar īpašu koncepciju "Mono-bet Astore" (Yap. ???? (??? ?)) Ko nozīmē "skumjš lietu šarms". "Lietu šarms" ir viens no visvairāk agri japāņu literatūrā par skaisto skaisto, tas ir saistīts ar sintēzes ticību par to, ka viņa dievība ir noslēgta katrā lietā - un tās unikālo šarmu. Avar ir iekšējā būtība, kas izraisa prieku, uztraukumu.

Vasi (Wasi) vai Vagami (Wagami).
Manuāla papīra izgatavošana. Viduslaiku japāņu vērtēja Vasi ne tikai tās praktiskajām īpašībām, bet arī skaistumu. Viņa bija slavena ar savu smalkumu, gandrīz pārredzamību, kas tomēr nezaudēja savu spēku. Vasi ir izgatavots no Kodzo koka (zīdkoka) garozāta un dažiem citiem kokiem.
Vasi papīrs tiek saglabāts gadsimtu laikā, pierādījumi par veco japāņu kaligrāfijas albumiem un apjomiem, gleznām, ekrānu, gravēšanu, kas nāk pie gadsimta līdz šai dienai.
Wasi papīrs ir šķiedrains, ja paskatās uz mikroskopu, nepilnības būs redzamas, caur kuru gaisa un saules gaismas iekļūšanu. Šo kvalitāti izmanto SHIRC un tradicionālo japāņu laternu ražošanā.
Vasi suvenīri ir ļoti populāri eiropiešu vidū. Daudzi mazi un noderīgi priekšmeti ir izgatavoti no šī dokumenta: maki, aploksnes, ventilators. Tie ir pietiekami spēcīgi un vieglāki.

Comono.
Kas paliek no Kimono, pēc tam, kad tas kalpoja viņa terminu? Domāju, jūs to izmetat? Nekas tāds pats! Japāņi to nedarīs. Kimono lieta ir dārga. Tātad, vienkārši mest to neiedomājamu un neiespējamu ... kopā ar cita veida sekundāro izmantošanu Kimono, amatnieki darīja mazus suvenīrus no mazām lūpām. Tie ir gan mazi rotaļlietas bērniem, lelles, piespraudes, vītnes, sieviešu rotājumi un citi produkti, vecais kimono tiek izmantots nelielu gudru mazo lietu ražošanā, kas ir vispārinātas "Comono". Mazās lietas, kas dzīvos savu dzīvi, turpinot Kimono. Tas nozīmē vārdu "kopīgs".

Midzohiki.
Analogais macrame. Tas ir senais japāņu lietišķais māksla dažādu mezglu sasaistīšanai no īpašām auklām un radot to modeļus. Šādiem mākslas darbiem bija ārkārtīgi plašs lietojumu klāsts - no dāvanu kartēm un burtiem pirms frizūras un rokassomas. Pašlaik Midzohiki ir ļoti plaši izmantota dāvanu nozarē - dāvana, austi un izklāta pilnīgi noteiktā veidā, balstās uz katru dzīves notikumu. Midzohika mākslā ir ārkārtīgi daudz mezglu un kompozīciju, nevis katrs japāņu zina tos visu sirdi. Protams, ir visizplatītākie un vienkāršākie mezgli, kas tiek izmantoti visbiežāk: kad apsveikumi par bērna dzimšanu, kāzām vai piemiņu, dzimšanas dienu vai uzņemšanu universitātē.

Gokhei.
Papīra sloksnes talisman. Gokhei ir Shinto priestera rituāls stienis, uz kuru pievieno papīru zigzaga sloksnes. Tādas pašas papīra sloksnes tiek atlikta pie ieejas Shinto templī. Papīra loma sintoisms tradicionāli bija ļoti liela, un tā produkti vienmēr pievienoja esoterisko nozīmi. Un ticība tam, ka katra lieta, katra parādība, pat vārdi, satur Kami - dievība - izskaidro šāda veida lietišķās mākslas izskatu kā Gokhei. Sintoisms ir ļoti līdzīgs mūsu pagānismam. Par shintoists, Kami apmetas īpaši labprātīgi viss, kas ir neparasts. Piemēram, papīrā. Un vēl jo vairāk, Gokhei savukārt gudrajā Zigzagā, kurš uzkaras un šodien priekšā ieejas Shinto Sanctoes un norāda klātbūtni dievība templī. Ir 20 iespējas nolokāmām Gokhei, un tie, kas ir salocīti īpaši neparasti piesaistīt Kami. Gokhei balta priekšrocība, bet ir arī zelta, sudraba un daudzi citi toņi. No IX gadsimta Japānā dzīvo ieradums, lai stiprinātu Gokhei uz Sumo cīkstoņu jostām pirms cīņas.

Anesama.
Tas ir papīra lelles. 19. gadsimtā Samuraju sievas darīja lelles no papīra, kurā bērni spēlēja, pārvietoja tos dažādās drēbēs. Laikā, kad nebija rotaļlietu, Anesam bija tikai bērniem, kas ir vienīgais sarunu biedrs, "izpildīt" mātes lomu, vecāko māsu, bērnu un draugu.
Lelle ir salocīta no japāņu papīra Vasi, mati tiek izgatavoti no tvaika papīra, krāsots tinti un ir pārklāti ar līmi, kas dod tai spīdīgu. Īpaša iezīme ir jauka deguna uz iegarena sejas. Šodien, tas vienkārši, neprasot neko citu kā prasmīgas rokas, tradicionālā rotaļlieta formā turpina ražot tādā pašā veidā kā iepriekš.

Origami.
Senā māksla saliekamās papīra figūras (j. ???, burti: "salocīts papīrs"). Origami māksla sakņojas senajā Ķīnā, kur papīrs tika izgudrots. Sākotnēji Origami tika izmantots reliģiskos rituālos. Ilgu laiku šāda veida māksla bija pieejama tikai augstāko īpašumu pārstāvjiem, kur labas tonnas pazīme bija locīšanas tehnikas īpašumtiesības no papīra. Tikai pēc Otrā pasaules kara Origami devās ārpus Austrumiem un nonāca Amerikā un Eiropā, kur viņš uzreiz ieguva savus fanus. Klasisks origami veido kvadrātveida papīra lapu.
Lai izdarītu vienmērīgāko produktu izvilkšanas shēmu, kas nepieciešamas noteiktas nosacītas pazīmes. Bo? Plašāku daļu no nosacīto pazīmju tika ieviesta praksē vidū 20.gadsimta ar slaveno japāņu meistars Akira Yosidzavava.
Klasiskā origami nosaka vienas kvadrātveida vienmērīgi krāsotas papīra loksnes bez līmes un šķērēm. Mūsdienu mākslas veidlapas dažreiz atiet no šī kanona.

Foto avots: http://sibanime.ru/2152-yaponskie-tradicii-origami.html

Kirigami.
Kirigami ir māksla, kā vairākas reizes griezt šķiedru papīra gabalu ar šķērēm. Origami veids, kurā ir atļauta šķēres un griešanas papīra izmantošana modeļa ražošanas procesā. Tā ir galvenā atšķirība starp Kirigami no citām papīra locīšanas metodēm, kas ir pasvītrotas nosaukumā:? (Kira) - sagriezti ,? (GAMI) - papīrs. Mēs visi mīlam samazināt sniegpārslas bērnībā - Kirigami versija, jūs varat samazināt šādā tehnikā ne tikai sniegpārslas, bet arī dažādus skaitļus, ziedus, vītnes un citus gudrus papīra gabalus. Šos produktus var izmantot kā trafaretus izdrukas, albumu, pastkaršu, foto rāmju apdare apģērbu, interjera un cita veida dekorēšanai.

Ikebana.
Ikebana, (Yap ??? vai ????) tulkots no japāņu valodas - Ike "- dzīve," aizliegums "- ziedi vai" ziedi, kas dzīvo. " Japānas mākslas vienošanās māksla ir viena no skaistākajām Japānas cilvēku tradīcijām. Izstrādājot Oscaban, kopā ar ziediem, sagriež zarus, lapas un dzinumus. Izsmalcinātu vienkāršības princips tiek izmantots, lai sasniegtu, ko viņi cenšas uzsvērt augu dabisko skaistumu. Ikebana ir izveidot jaunu dabisku formu, kurā ziedu skaistums un vedņa dvēseles skaistums, kas rada kompozīciju, ir harmoniski apvienota.
Šodien Japānā ir 4 lielākās IKEBAN skolas: Ikenobo, Koryu (Koryu), Ohara (Ohara), Sogetsu. Papildus tiem ir aptuveni tūkstošiem dažādu virzienu un tendences, kas atbilst kādai no šīm skolām.

Oriban.
17. gadsimta vidū no Ikenobo (Galvenā forma Ikebany - Oriban) un Kori (galvenā forma - valde). Starp citu, Okhar skola joprojām studē tikai Oribanu. Kā Japānas saka, tas ir ļoti svarīgi, ka Origami neieslēdzas origomi. Jomi japāņu valodā nozīmē atkritumus. Galu galā, kā tas notiek, es salocīju papīra gabalu, un tad ko darīt ar to? Oriban piedāvā daudz ideju par pušķiem par iekšējo apdari. Oribana \u003d Origami + Ikebana

Oshiban.
Tēlotājas mākslas parādīšanās dzimusi floristikā. Mūsu floristika parādījās pirms astoņiem gadiem, lai gan Japānā ir vairāk nekā seši simti gadu. Reiz viduslaikos Samurai cieta karavīra ceļu. Un Oshiban bija daļa no šī ceļa, tas pats kā rakstīšana hieroglifu un īpašumtiesības uz zobenu. Oshiban nozīme bija tā, ka valstī ar kopējo klātbūtni šobrīd (Satori), kapteinis izveidoja žāvētu ziedu attēlu (izpildītas krāsas). Tad šis attēls varētu kalpot kā atslēga, diriģents tiem, kas bija gatavi ieiet klusumā un izdzīvot, ka ļoti sēdēja.
"Oshiban" mākslas būtība ir tā, ka, vāc un izžūst zem preses ziediem, garšaugiem, lapām, mizām un uzlīmējot tos, autors rada patiesi produktu "glezniecības" ar augiem. Citiem vārdiem sakot, Oshibana ir augu glezna.
Floristu mākslinieciskais darbs ir balstīts uz augu kaltētu materiālu formas, krāsas un faktūru saglabāšanu. Japāņi ir izstrādājuši metodiku, lai novērstu "Oshiban" gleznas no izdegšanas un tumšuma. Tās būtība faktu, ka gaiss un attēls tiek sūknēts gaiss un tiek izveidots vakuums, kas nedod augiem pasliktināties.
Tas piesaista ne tikai šīs mākslas tradicionālumu, bet arī iespēju parādīt fantāziju, garšu, zināšanas par augu īpašībām. Floristi veic rotājumus, ainavas, vēl dzīvības, portretus un zemes gabalu gleznas.

Tamari.
Tās ir tradicionālās japāņu ģeometriski izšūtās \u200b\u200bbumbiņas, ko veic vienkāršākie šuves, kas reiz kalpoja kā bērnu rotaļlieta, un tagad ir kļuvusi par lietišķās mākslas formu, kam daudziem faniem ne tikai Japānā, bet arī visā pasaulē. Tiek uzskatīts, ka jau sen, šie produkti tika ražoti ar samuraju sievām izklaidei. Sākumā viņi patiešām tika izmantoti kā bumba, lai spēlētu bumbu, bet soli pa solim sāka iegūt mākslas elementus, pagriežot vēlāk dekoratīvus rotājumus. Maigs skaistums šīm bumbiņām ir pazīstama visā Japānā. Un šodien, krāsaini, rūpīgi ražoti produkti ir viens no Japānas tautas veidiem.

Jubles.
Japāņu uzgaļi, ar manuālu šūšanas vai izšuvumu, tie tiek likts uz vidējo Phalanx no vidējā pirksta no darba roku, izmantojot pirkstu galiem, adatai ir dota vēlamo virzienu, un adatas gredzeni uz vidējā pirksta nospiests darbā. Sākotnēji Japānas salāti pļāvēji bija diezgan vienkārši - sīpolu blīvu audu vai ādas apmēram 1 cm plata dažos slāņos cieši pagriezās ap pirkstu un tika nostiprināts kopā ar vairākiem vienkāršiem dekoratīviem šuvēm. Tā kā Jubiops bija nepieciešamais priekšmets katrā mājā, viņi sāka izrotāt ar ģeometrisko izšuvumu ar zīda pavedieniem. No aust dūrieniem tika izveidoti krāsaini un sarežģīti modeļi. Mow no dzīvības vienkāršas dzīves ir arī kļuvis par tēmu "mīlošs", dekorējot ikdienas dzīvi.
Jubiops joprojām tiek izmantotas, kad šūšana un izšuvumi, bet turklāt tie var atrast un vienkārši valkāt uz rokām uz jebkura pirksta, piemēram, dekoratīviem gredzeniem. Izšūšana stilā sēņu rotā dažādus objektus formā gredzeniem - gredzeni par salvetes, aproces, apzīmē tech, dekorēts ar izšuvumiem Jubios, pat tādā pašā stilā ir izšūti adatas. Yubinuki Willows var būt lielisks iedvesmas avots izšuvumiem obsemi.

Kanzashi.
Dekorēšanas matadata māksla (visbiežāk dekorēts ar ziediem (tauriņiem un tā tālāk) no auduma (galvenokārt Schölk). Japāņu Kanzashi (Kanzashi) ir garš tradicionālā japāņu sieviešu frizūra. Viņi bija izgatavoti no koka, lakas, sudraba, bruņurupuču apvalks, ko izmanto tradicionālajās ķīniešu un japāņu frizūrās. Aptuveni pirms 400 gadiem, sieviešu frizūras stils mainījās Japānā: sievietes pārtrauca matu ķemmēšanu tradicionālajā formā - Taragami (ilgi taisni mati) un sāka tos ievietot sarežģītos un dīvainos veidos - Nihongami. Matu veidošanai mēs izmantojām dažādus priekšmetus - kniedes, nūjiņas, grēdas. Tas bija tad, ka pat vienkārša ķemme Kushi pārvēršas elegantā neparastā skaistumkopšanas piederumā, kas kļūst par reālu mākslas darbu. Japāņu sieviešu tradicionālais kostīms neļāva plaukstas acis un kaklarotas, tāpēc frizūra rotājumi bija galvenā skaistums un lauks pašizpausmei -, kā arī demonstrācijas garšas un biezuma seifa Olya īpašnieki. Par gravējumiem jūs varat redzēt - ja paskatās uz japāņu valodu, tas bija viegli ievietot to frizūrās līdz divdesmit dārgiem Kanzashi.
Pašlaik ir atdzimšana tradīciju izmantot Kanzashi jauniešu japāņu sievietēm, kas vēlas pievienot izsmalcinātību un eleganci saviem frizūrām, mūsdienu matadatas var dekorēt tikai ar vienu vai diviem elegantiem adatu ziediem.

Kumikimo.
Kumichimo ir japāņu aušanas mežģīņu-bizītes. Kad tiek iegūti aust diegi, ribels un mežģīnes. Šīs mežģīnes steidzas uz īpašām mašīnām - Marudai un Takaday. Miruday Machine izmanto aušanai apaļās kurpju, un Takaday - Flat. Kumikhimo tulkots no japāņu nozīmē "virves aušana" (Kumi - aušana, locīšana kopā, Himo ir virve, mežģīnes). Neskatoties uz to, ka vēsturnieki pastāvīgi uzstāj, it kā šāds aušana var atrast Skandināvijas un Andu iedzīvotājiem, Japānas Kumichimo māksla ir patiesi viens no senākajiem aušanas veidiem. Pirmais pieminēt viņam attiecas uz 550, kad budisms izplatījās visā Japānā un īpašās ceremonijas pieprasīja īpašus rotājumus. Vēlāk, cumsho shoelaces sāka izmantot kā lapu jostu klateris uz sieviešu kimono, kā virves "iepakošanai" visa Samurai ieroču arsenāla (Kumikhimo samurai izmanto dekoratīvos un funkcionālos nolūkos, lai sasiet savus bruņas un zirgu bruņas), kā arī smagiem priekšmetiem.
Dažādi modeļi modernā cumihimo aust ļoti viegli uz mājās gatavotu mašīnas no kartona.

Suibokuga vai Sumie.
Japāņu tušu krāsošana. Šo ķīniešu glezniecības stilu aizņēmās japāņu mākslinieki XIV gadsimtā, un līdz XV gadsimta beigām. kļuva par galveno glezniecības virzienu Japānā. Sumybokuga monochrome. To raksturo melnu karkasa (SUI), masīvkoka ogles vai izgatavotas no ķīniešu carcashe, kas ir iesaldēta tēraudā, tiek atšķaidīts ar ūdeni un tiek uzklāts ar suku uz papīra vai zīda. Monochromicity piedāvā maģistra nebeidzamu tonālo iespēju izvēli, kuras ķīnieši jau sen ir atzinuši liemeņu "ziedi". Sumybokuga dažreiz ļauj mums izmantot reālas krāsas, bet ierobežo to ar plāniem, caurspīdīgiem insultiem, kas vienmēr paliek pakārtotās līnijas, kas veiktas automašīnā. Glezniecība liemeņos dalās tādus būtiskus raksturlielumus ar kaligrāfijas mākslu, kas cieši kontrolēta izteiksme un formas tehniskās prasmes. Gleznas kvalitāte Mascarā nāk uz leju, tāpat kā kaligrāfijā, integritāti un izturību pret tintes vadīto līniju, kas, it kā viņš saglabā mākslas darbu, tāpat kā kauli turēt audumus.

Etigami.
Zīmētie pastkartes (e - attēls, tagi - burts). Pastkaru izveide ar savām rokām parasti ir ļoti populāra darbība Japānā, un pirms brīvdienas, tā popularitāte ir vēl pieaugošāka. Japāņu mīlestība, lai nosūtītu apsveikuma kartiņas saviem draugiem, un saņemt viņiem pārāk mīlestību. Tas ir sava veida ātra vēstule par īpašiem sagatavēm, to var nosūtīt pa pastu bez aploksnes. ETEG nav īpašu noteikumu vai metožu, tas var kāds bez īpašas apmācības. Stāsti palīdz precīzi izteikt savu garastāvokli, iespaidus, šo pastkarti, ko jūsu pašu rokas sastāv no attēla un īsa vēstule, nosūtot sūtītāja emocijas, piemēram, siltumu, kaislību, aprūpi, mīlestību utt. Vārti šie pastkartes brīvdienām un tāpat kā, kas attēlo sezonas, darbības, dārzeņus un augļus, cilvēkus un dzīvniekus. Vieglāk šis attēls ir sastādīts, jo vairāk interesanti izskatās.

Furoshiki.
Japānas iepakojuma iekārtas vai auduma izvelkamais māksla. Furoshiki ilgu laiku ienāca japāņu dzīvē. Kamakuras-Muromati (1185-1573) periodu scorrolls tiek saglabāti (1185 - 1573) ar sieviešu attēliem, kas iepakoti apģērbu audos. Šī interesanta tehnika radās 710 - 794 mūsu laikmetā Japānā. Vārds "Furoshiki" ir burtiski tulkot kā "vannas paklājs" un ir kvadrātveida auduma gabals, kas tika izmantots jebkādu formu un izmēru apvalkam un pārvadāšanai.
Vecajās dienās japāņu vannās (Furo) bija ierasts staigāt kokvilnas Kimono plaušās, kuras apmeklētāji tos radīja no mājām. Batcher arī celta īpašu paklāju (šiks), uz kura viņš stāvēja, kamēr izģērbies. Mainīts "vannā" Kimono, apmeklētājs iesaiņoja savas drēbes ar paklāju, un pēc vannas iesaiņots mitrā kimono paklājā, lai atvest viņu uz māju. Tādējādi vannas paklājs pārvērtās par daudzfunkciju maisiņu.
Furoshiki ir ļoti ērts lietojumprogrammā: audums izpaužas kā jūs wrap, un rokturi padara to viegli nodot kravu. Turklāt dāvana iesaiņota nav cietā papīra, bet mīkstā, daudzslāņu audumā, iegūst īpašu izteiksmi. Jebkurā gadījumā ir daudzi fooling shēmas, ikdienas vai svētku.

Kinusayiga.
Pārsteidzošs skats uz izlejdarbiem no Japānas. Kinusayiga (Kinusaiga, ???) ir kaut kas šķērslis starp kaujas un patrona notekūdeņiem. Galvenā ideja ir tas, ka no veciem zīda kimonos gabalos viņi savāc jaunas gleznas - patiesus mākslas darbus.
Pirmkārt, mākslinieks veic skici uz papīra. Tad šis zīmējums tiek nodots koka dzīvoklim. Attēla izcirtņu kontūra rievās vai rievās, un pēc tam no vecās zīda kimono tiek sagrieztas mazas, piemērotas krāsas un tonim, un šo atloku malas ir piepildītas ar rievām. Kad paskatās uz šādu attēlu, ir sajūta, ka jūs skatāties uz fotoattēlu vai pat skatītu ainavu ārpus loga, ir tik reālistiski.

Amigurumi.
Japāņu adīšanas māksla adīšanas vai tamborētiem maziem mīkstiem dzīvniekiem un cilvēka līdzīgiem radījumiem. Amigurumi (yap. ????, burti: "trikotāžas vārīti") - tas ir visbiežāk gudrie dzīvnieki (piemēram, lāči, zaķi, kaķi, suņi utt.), Vīrieši, bet tas var būt nenoteikti priekšmeti, kas apveltīti ar cilvēku īpašības. Piemēram, cupcakes, cepures, rokassomas un citi. Amigurum adījums vai adīšana vai tamborēšana. Nesen ar tamborumu, kas saistītas ar tamborumu, ir kļuvušas populārākas un biežāk sastopamas.
Adīt no dzijas vienkāršā adīšanas veidā - uz spiriks un, atšķirībā no Eiropas adīšanas metodes, aprindas parasti nav savienotas. Viņi arī adīt mazāku tamborētu, salīdzinot ar dzijas biezumu, lai izveidotu ļoti blīvu audumu bez trūkumiem, caur kuru polsterējuma materiāls var izkļūt. Amigurums bieži tiek izgatavoti no detaļām un pēc tam tos apvieno, izņēmums ir daži amigurīni, kuriem nav ekstremitāšu, bet ir tikai galva un rumpja, kas veido vienu veselumu. Ekstrēm dažreiz ir piepildītas ar plastmasas gabaliem, lai dotu viņiem dzīvu svaru, bet pārējais ir piepildīts ar šķiedru pildvielu.
Estētikas amiguruma izplatība veicina viņu klātbūtni ("caudayness").

Bonsai.
Bonsai, kā parādība, parādījās vairāk nekā tūkstoš gadu Ķīnā, bet viņa attīstības maksimums Šī kultūra sasniedza tikai Japānā. (Bonsai - Yap.? Burti. "Augu pot") - māksla aug precīzu kopiju reālā koka miniatūrā. Šos augus audzē budistu mūki, dažu gadsimtu pirms mūsu ēras un pēc tam pārvēršas par vienu no vietējās muižības stundām.
Bonsai rotā japāņu mājas un dārzi. Tokugawa laikmetā parka dizains saņēma jaunu stimulu: Azali un Clin audzēšana kļuva par bagātīgo cilvēku konditorejas izstrādājumu laiku. Dwarfsky augkopība (HUT-NO-KI - "TREE POT"), taču bonsai no šī laika bija ļoti liels.
Tagad bonsai izmanto parastos kokus, nelieli tie kļūst par pastāvīgu apgriešanu un dažādu citu metožu dēļ. Tajā pašā laikā sakņu sistēmas lieluma attiecība, kas ierobežota ar platformas apjomu, un bonsai zemes daļa atbilst pieaugušo koku proporcijām.

Sērijas ziņojums "":
1. daļa - Japānas rokdarbu veidi

Japānas dekoratīvās un lietišķās mākslas darbi tradicionāli ietver laku, porcelāna un keramikas izstrādājumus, koka griešanu, kaulus un metālu, mākslinieciski dekorētus audumus un apģērbu, ieroču mākslas darbus utt. Dekoratīvās un lietišķās mākslas darbu specifika ir šāds : Viņiem parasti ir tikai praktisks, utilitārs lietojums, bet tajā pašā laikā viņi arī spēlē tīri estētisku lomu, apkalpojot personas ikdienas dzīvi. Japāņu apkārtējo priekšmetu estētika bija svarīga ne mazāk kā to praktiskais mērķis: pamudiniet skaistumu. Turklāt par japāņu tradicionālo apziņu, īpaša attieksme pret skaistumu ir viena no Visuma noslēpumiem. Skaistums Japānas ir parādība pār mūsu ikdienas pasaules robežām, ko var aprakstīt vārdos un saprast iemeslu. Mūsdienu rietumu kultūra tālāk, jo vairāk mēģina samazināt cilvēka dzīvi saistībā ar racionālu, ikdienas pasaules uztveri, kur dominē likumi tā saukto "veselo saprātu". Japānas, neskatoties uz to ārkārtīgi praktiskuma un pragmatismu ikdienas, parastā, materiālā pasaule, protams, tika uztverta kā iluzors un pārejošs. Un ka aiz viņa sejas ir vēl viena, atklāta pasaule, kas ir būtiski neiespējami ar "veselā saprāta" standartiem un ko nevar aprakstīt vārdos. Augstākās radības dzīvo tur, dzīves un nāves noslēpums ir saistīts ar viņu, kā arī daudziem noslēpumiem, tostarp skaistuma principiem. Šī pasaule ir atspoguļota mūsu, kā mēness ūdens strloit, runā par cilvēku dvēselēm ar asu un noslēpumainu sajūtu skaistu un noslēpumainu. Tie, kas nespēj redzēt un novērtēt šo plāno un daudzpusīgo nozīmi skaistuma nozīmi un toņos, japāņi tiek uzskatīti par bezcerīgiem, rupjš barbariem.

Lai izveidotu sevi viņa attiecībās starp pārpasaulīgo pasauli, japāņu (pirmkārt - elites, aristokrātija), kas ir liela nozīme rituālu rīcību, un it īpaši to estētisko pusi. No šejienes ir ceremonijas, lai apbrīnotu Sakura krāsu, Almy Maples, pirmo sniegu, saulrietu un saulrietus, kā arī poētiskos konkursus, krāsu izkārtojumu (iKetubānu), teātra izrādes utt. Pat tik vienkāršas ikdienas situācijas, piemēram, tējas vai Sacke, viesu sanāksme vai iebraukšana intīmā tuvumā, Japāņi deva nozīmi mistisku rīcību. Dzīves objekti vienlaikus spēlēja rituālu atribūtu lomu. Masters, kas radīja šādus priekšmetus, centās dot viņiem nevainojamu estētisko izskatu. Piemēram, daudzi bļodas par tējas ceremoniju, pēc pirmā acu uzmetiena, rupja un nevienmērīga, tika novērtēti neparasti ļoti galvenokārt par to, ka viņi veica "otherworldly" skaistuma zīmogu, viņiem šķiet, ka viņiem ir visa visums.

Tas pilnībā attiecas uz daudziem citiem dekoratīvās un lietišķās mākslas darbiem: skaitļi, Netzke, kastes - intro, lakas, elegantas teritorijas (kimono īsās piedurknes) ar izsmalcinātu un pieaugošo dekoru, Slēpts, ventilatori, laternas, un jo īpaši tradicionālie japāņu ieroči. Praktiskais iemiesojums tradicionālo estētisko principu Japānas dekoratīvās un lietišķās mākslas mēs uzskatām par piemēru Japānas mākslas zobenu.

Jebkuram japāņu valodā zobens ir gandrīz reliģisko dievkalpojumu, kas ir mistiski saistīts ne tikai ar pašreizējā īpašnieka likteni, bet arī visām karavīru paaudzēm, kuri tos pazīst. Turklāt daudzi zobeni tiek uzskatīti par animētiem - viņiem ir sava dvēsele, viņu griba, savu raksturu. No seniem laikiem zobens kalpoja kā varas simbols, Samurai kaujas gara simbols un bija saistīts gan ar sintēzes un budistu kultu. Par kalšanas zobens process ir vienāds ar reliģisko sakramentu, sintēzes noslēpumu. Blacksmith-gunsmith, sākot ar zobena kalšanu, veic stingrus rituālus pasākumus: saglabā amatu, veic tīrīšanas ablitūras, vilcinās lūgšanas dieviem, kas neredzami palīdz un nosūta savu darbu. Izveidotajā zobenī Kami gars ir filmēts, tāpēc zobenam ir jābūt nevainojamam visos aspektos.

Patiešām, japāņu tradicionālajiem zobeniem ir īpašas īpašības, gan kaujas un estētikas; Nedzīva un apbrīno labu ekspertu zobenu, var nebeidzami ilgi, kā īstu mākslas darbu ar daudzām unikālām detaļām. Tiek uzskatīts, ka Japānas zobens ir "četru veidu skaistums": 1) elegants perfekts forma (ir daudz variantu formas zobenu; kā likums, japāņu lāpstiņām ir viens asmens un elegants līkums; tomēr ir dubultgriezes asmeņi un taisni asmeņi; 2) speciāla tērauda konstrukcija, kas veidota kalšanas laikā (piemēram, dažos asmeņos, veidojas zīmējums, kas atgādina kristāla vai koka slāņaino struktūru, mazos vai lielos "graudus" parādās uz citiem, pārredzamības ilūzija); 3) īpaša spīdoša līnija (Hamon), kas veidojas gar asmeni kā asmens sacietēšanas rezultātā (ir daudz šķirņu Hamon - daži līdzīgi asas kalnu virsotnes, citi - gludi nikns viļņi, trešais - dīvaini mākoņi, utt.); 4) rūpīga pulēšana, kas nodrošina asmens īpašu mirdzumu un spīdumu. Dažos asmeņos tika izgriezti arī pūķu reljefs, samuraju ģerbonis, atsevišķi hieroglifi utt. Uz daudzu asmeņu krastiem, to veidotāji izgrieza kaligrāfijas uzrakstus, dažreiz inkrustējiet dārgmetālus.

Tika pievienota arī zobena dziedāšana, kas sastāv no diezgan liela atsevišķu daļu skaita, no kurām daudzi ir neatkarīgi mākslas darbi. Zobena rokturis tika izgriezts no magnolijas koka, tad viņa bija pārklāta ar slidas vai haizivju ādu un mazgā ar zīda vai ādas vadu. Gardas zobens (Tsuba) kalpoja kā galvenā roktura apdare. Zuba varētu būt atšķirīga forma (apaļa, ovāla, kvadrātveida, trapecveida, forma chrysanthemum ziedu uc), tie tika ievainoti no dzelzs, vara, bronzas, daudzi tika dekorēti ar sudraba, zelta vai specifiskiem japāņu sakausējumiem. Katram kubam bija savs unikāls dekors (spraugu silueti, gravēšana, inlay, odere no dažādiem metāliem, kas ir pūķi, zivis, visu veidu dzīvnieki, cilvēki, dievi, ziedi, koki), un patiesībā bija rotaslietu darbs māksla. Tāpat kā asmeņi, daudzi Zubs tika dekorēti ar hieroglifiem, veidojot savus meistarus. Papildus ZEUB, rokturis bija vairāki dekoratīvi elementi, tostarp mazie metāla skaitļi - Menuki, kas atrodas zem vadu. Mesuki, bieži dekorēts ar sudrabu un zeltu, var būt visdažādākās formas: pūķis spēlē ar pērli; Mēness mākoņos; cilvēks guļ uz ziedu Pavlonia; dēmons - tengu; Jūras vēzis vai kukainis. Menamki spēlēja amuletu lomu, turklāt viņi nesniedza zobenu, lai slīdētu no karavīra palmas. Liela uzmanība tika pievērsta apvalka estētikai. Apvalki parasti tika izgriezti no koka un pārklāti ar laku - melni, sarkani, zeltu. Dažreiz tie tika pievilkti ar pulētām slidotām ādas vai metāla plāksnēm; Dažreiz - izgrieziet no ziloņkaula vai ievainotas pērļu, zelta vai sudraba iecirtuma māte utt. Utt. . Uz apvalku varētu apmeklēt ar rotājumiem līdzīgi tam, ko viņi bija uz rokturiem, tādējādi radot vienu stilu dekoratīvu dizainu zobenu - piemēram, motīvs tika izplatīts ar pūķiem vai jūras iedzīvotājiem. Turklāt daudzu zobenu kliedzēšana (īpaši Tati, kas valkā īpašus asmens kulonus, atšķirībā no Katana, kas piecēlās ar asmens jostu uz augšu), tika dekorēti ar grezniem zīda aukliem ar sukām un dekoratīviem mezgliem. Uz apvalka krāsu, formu un apdari, bija iespējams spriest par samuraju; Turklāt dažos gadījumos etiķete noteica īpašu apvalku veidu: piemēram, samuraju bēres nāca ar zobeniem vienkāršos melnās apvalkos, kuriem nav nevienas rotājumi. Augstākā aristokrātijas pārstāvjiem bija zobeni zelta apvalkos, bagātīgi dekorēti ar dārgakmeņiem.

Japānā, bija daudzām ģimenes skolām, kuras nodarbojas ar asmeņu kalšanas, to pulēšanas, apvalku un rotaslietu izgatavošanu zobenā, sīpolu, bultiņu, drebušu, bruņu un ķiveres ražošanā. Par daudzu ieroču prasmi (piemēram, Masamune, kas dzīvoja XII-agrīnas gadsimta beigās), bija leģendas, viņi tika uzskatīti par burvjiem, kas sazinās ar gariem, un viņu rokas tika attiecinātas uz to roku darbiem.

Ar dziļu senatni, lakas produkti ir pazīstami Japānā, to atlikumi ir atrodami arheoloģiskajos pieminekļos DZEMON ERA. Karstā un mitrā klimatā lakotas pārklājumi tika aizsargāti ar koka, ādas un pat metāla izstrādājumiem no iznīcināšanas. Lakas Japānā atrada visplašāko pieteikumu: ēdieni, mājās piederumi, ieroči, bruņas utt. Lakas produkti arī kalpoja interjeru dekorēšanai, jo īpaši mājokļos muižniekiem. Tradicionālās japāņu lakas - sarkana un melna, kā arī zelta; Līdz EDO perioda beigām sākās dzeltenā, zaļa, brūna laka ražošana. Līdz XX gadsimta sākumam. Tika iegūts balts, zils un purpura laka. Laku tiek uzklāta uz koka pamatnes ar ļoti biezu slāni - līdz 30-40 slāņiem, pēc tam pulēta uz spoguļa mirdzumu. Ir daudzas dekoratīvās metodes, kas saistītas ar laku lietošanu: Maki-e - zelta un sudraba pulvera izmantošana; URUSI-E - LACO Glezniecība; Himons - kombinācija; Lacin glezna ar zelta, sudraba un pērļu inlay. Japānas mākslinieciskie lakas ir ļoti novērtēti ne tikai Japānā, bet Rietumos, to produkcija uzplaukst līdz šai dienai.

Īpaša atkarības pārbaude japāņu keramikas izstrādājumiem. Agrākie no tiem ir pazīstami ar arheoloģiskiem izrakumiem un pieder pie Dzemonas perioda. Japānas keramikas un vēlāk, porcelāna, ķīniešu un korejiešu tehnoloģiju attīstība, jo īpaši, cepšana un krāsaina glazūra. Japānas keramikas īpatnība - apgūt uzmanību ne tikai uz formu, dekoratīvo rotājumu un krāsu produkta, bet arī taktīvās sajūtas, kas izraisa kontaktu ar cilvēka palmu. Atšķirībā no rietumu japāņu pieeja keramikai, formas forma, virsmas raupjums, plankumi, plaisas, glazūras plūsma, kapteiņa pirkstu nospiedumi un materiāla dabiskās tekstūras demonstrēšana. Artistic keramikas izstrādājumi vispirms ietver bļodas ceremonijas traukus, tējkannas, vāzes, podi, dekoratīvie ēdieni, kuģi, utt. Porcelāna produkti galvenokārt ir plānas vāzes ar izsmalcinātu dekoru, tējas un vīna komplektiem un dažādiem figūriņām. Ievērojama daļa no japāņu porcelāna tika speciāli ražots eksportam uz rietumu valstīm.

Raksta saturs

Japāņu māksla.No seniem laikiem bija aktīvs radošs sākums bija raksturīgs japāņu mākslai. Neskatoties uz atkarību no Ķīnas, kur pastāvīgi radās jauni mākslinieciskie un estētiskie virzieni, japāņu mākslinieki vienmēr veica jaunas funkcijas un mainīja viņu skolotāju mākslu, dodot viņam japāņu izskatu.

Japānas vēsture kā tāda sāk iegūt dažas veidlapas tikai 5 V. beigās Objekti, kas saistīti ar iepriekšējiem gadsimtiem (arhaiskam), ir atklāti salīdzinoši nelieli, lai gan daži atrod izrakumu laikā vai būvdarbu laikā, viņi runā par brīnišķīgu mākslas talantu.

Arhaisks periods.

Japānas mākslas vecākie darbi ir māla podi, piemēram, jūrs (vadu iespaids). Nosaukums nāk no virsmas virsmas ar vadu spirālveida izdrukas, kas ietīts ap nūjām, ko izmanto kuģa ražošanā. Iespējams, ka sākumā kapteiņa nejauši atklāja pinumu drukāt, bet tad viņi sāka pielietot apzināti. Dažreiz bezvadu māla cirtas, radot sarežģītāku dekoratīvu efektu, gandrīz reljefs tika iestrēdzis uz virsmas. Zemon kultūrā radās pirmā japāņu skulptūra. Personas vai dzīvnieka sunim (burtiem "māla attēls"), iespējams, bija kāda veida reliģiska nozīme. Attēli cilvēku, galvenokārt sievietēm, ir ļoti līdzīgi māla dievietēm citu primitīvu kultūru.

Radio oglekļa analīze liecina, ka daži konstatējumi no Zemon kultūras var attiekties uz 6-5 tūkstošiem BC, tomēr šāda agrīna iepazīšanās nav vispārpieņemta. Protams, šādi ēdieni tika veikti uz ilgu laiku, un, lai gan precīzi datumi nedrīkst uzstādīt, ir trīs periodi. Vecākajiem paraugiem ir vērsta bāze un ir gandrīz nenosaukts, izņemot Gefles pistoles pēdas. Vidējā perioda kuģi ir bagātāki ornamenti, dažreiz ar skaistākiem elementiem, kas rada iespaidu par tilpumu. Trešā perioda kuģu veidlapas ir ļoti daudzveidīgas, bet dekors atkal tiek aizstāts un kļūst ierobežots.

Aptuveni 2 V. Bc. Keramika Zemon deva ceļu uz Jayoi keramiku, ko raksturo grace formu, vienkāršību zīmēšanas un augstu tehnisko kvalitāti. Kuģa pārgājiens ir kļuvis plānāks, ornaments ir mazāk dīvains. Šis veids dominēja 3 V. Reklāma

No mākslinieciskā viedokļa ir iespējams, ka labākie darbi sākumā ir Haniva, māla cilindri, kas iepazīšanās no 3-5 gadsimtiem. Reklāma Šī laikmeta raksturīgie pieminekļi ir milzīgi kalni vai pilskalni, personīgo struktūru imperatoru un spēcīga muižniecība. Bieži vien ir ļoti liels, tie ir pierādījumi par imperatora ģimenes spēku un bagātību un tiesām. Šādas struktūras veidošana imperatora Nintoku-dīvainajam (apm. 395-427 AD) pieprasīja 40 gadus. Visbūtiskākā šo kurgāna iezīme bija tās, piemēram, māla cilindru žogs, Haniva. Parasti šie cilindri bija pilnīgi vienkārši, bet dažreiz dekorēti ar cilvēka skaitļiem, retāk - zirgu, māju vai gailju skaitļi. Viņu iecelšana bija divreiz: novērst zemes milzīgo masu eroziju un piegādās mirušo, ka viņam vajadzēja to, ko viņš baudīja zemes dzīvē. Protams, cilindri tika veikti nekavējoties lielos daudzumos. Dažādas tādas pašas cilvēku un žestu izteiktie savus skaitļus lielā mērā ir maģistra improvizācijas rezultāts. Neskatoties uz to, ka tas ir drīzāk amatnieku, nevis mākslinieku un tēlnieku produkts, viņiem ir liela nozīme kā japāņu mākslinieciskā forma. Ēkas, kas slēgtas zirgu popponos, Prim dāmas un karavīri ir interesants priekšstats par Japānas agrīnās atgriešanās militāro dzīvi. Varbūt šo cilindru prototipi parādījās Ķīnā, kur dažādi priekšmeti tika ievietoti tieši apbedīšanā, bet Haniva izmantošanas izpilde un metode pieder vietējai tradīcijai.

Arhaisku periods bieži tiek uzskatīts par augstu mākslinieciskā līmeņa darbiem, lietām, kas dominē galvenokārt arheoloģisko un etnoloģisko vērtību. Tomēr jāatceras, ka šīs agrās kultūras darbiem kopumā ir liela dzīvotspēja, jo viņu veidi izdzīvoja un turpināja pastāvēt kā japāņu mākslas īpašās valsts iezīmes vēlākos periodos.

Assukas periods

(552-710 AD). Budisma ieviešana 6. gadsimta vidū. Būtiskas izmaiņas japāņu dzīvesveidā un domāšanā un kļuva par stimulu šī un turpmāko periodu izstrādei. Budisma ierašanās no Ķīnas, izmantojot Koreju, tradicionāli iepazīšanās 552 AD, tomēr, iespējams, bija zināms iepriekš. Pirmajos gados budisms sadūrās sadūrās ar politisku opozīciju, ar COTO nacionālās reliģijas pretrunu, bet tikai dažu desmitgažu laikā jaunā ticība saņēma oficiālu apstiprinājumu un beidzot apstiprināja. Pirmajos izplatīšanas gados Japānā budisms bija salīdzinoši vienkārša reliģija ar nelielu cilvēku skaitu, kas vajadzīgi attēlus, bet cauri simts gadiem viņš ieguva spēku, un Panteons augs ļoti.

Šajā laikā baznīcas pamatoja, kas kalpoja ne tikai uz ticības propagandas mērķiem, bet bija mākslas un izglītības centri. Khoryuji templis klosteris ir viens no svarīgākajiem mācību priekšlaicīgas mākslas studijām. Papildus citām dārgumiem ir Xiak-Neray lielās triādes statuja (623 AD). Tas ir Tori BusiSi darbs, pirmais zināms Japānas tēlnieks, kas mums zināms, ir stilizēts bronzas attēls, kas ir līdzīgs līdzīgām grupām lielajās alu baznīcās Ķīnā. Sēdē Syaki (Japānas vārda "Shakyamuni", vēsturiskā Buddha) un divi skaitļi, kas stāv uz sāniem, tiek novēroti ar stingru frontālu. Cilvēka attēla formas ir paslēptas ar smagiem simetriskiem shematiski pārnēsāto apģērbu krokām, un sapņains pašpeļņas un kontemplācija ir jūtama gludās iegarenās personas. Šī pirmā budistu perioda skulptūra ir balstīta uz stilu un prototipiem ar cietzemi piecdesmit gadus veco ierobežojumu; No tā izriet no Ķīnas tradīcijām, kas bija Japānā, izmantojot Koreju.

Daži no svarīgākajiem šā laika skulpturālajiem attēliem tika izgatavoti no bronzas, bet tika izmantots koks. Divas slavenākās koka skulptūras ir dievietes lielgabala statujas: Yumadono Cannon un Kojars Cannon, gan Khoryuji. Viņi pārstāv pievilcīgāku objektu pielūgt nekā syaks triāde, ar viņu arhaisku smaidiem un sapņainām indivīdu izteicieniem. Lai gan kanona skaitļi ietver drēbju krokām arī shematisks un simetriski simetriski, tie ir vieglāk un pilni kustību. Augsti tievi skaitļi uzsver cilvēku garīgumu, to abstraktu laipnību, tālu no visām pasaulīgām rūpēm, bet jutīgi pret daudz plaušu. Tēlnieks pievērsa zināmu uzmanību uz Kage Kannona, slēpto apģērbu slēpto krokām, un atšķirībā no Gear Silhouette no Yumedono kustības un formu, un audums ir vērsts uz dziļumu. Karātu profilā lielgabaliem ir eleganti S-formas kontūras.

Vienīgais konservēts paraugs glezniecības, sniedzot priekšstatu par sākuma sākuma 7. gadsimtā, ir glezna Tamamousty Dzusi, "spārnotais svētnīca". Šī miniatūra svētnīca tika saukta no varavīksnes spārniem, kas ievietota perforētā metāla apmalojumā; Vēlāk tas tika dekorēts ar reliģiskiem kompozīcijām un individuālo rakstzīmju skaitļiem, kas izgatavoti ar krāsainu laku. Tāpat kā šī perioda skulptūra, daži attēli norāda lielu brīvību zīmēšanas.

Nara periods

(710-784). 710 kapitālā tika nodota NARA, jauna pilsēta, kas celta saskaņā ar paraugu Ķīnas galvaspilsētas Changan. Tur bija plašas ielas, lielas pilis, daudzi budistu tempļi. Ne tikai budisms visos tās aspektos, bet visa ķīniešu kultūras un politiskā dzīve tika uztverta kā paraugs. Neviena cita valsts, iespējams, nav jūtama sava kultūras deficītu un nebija tik uzņēmīgs pret ārpuses ietekmi. Zinātnieki un svētceļnieki tika pārvietoti starp Japānu un kontinentu, un vadība un pils dzīve balstījās uz paraugu, kas pastāvēja Ķīnā, Tang dinastija. Tomēr jāatceras, ka, neraugoties uz tanskis Ķīnas paraugu imitāciju, jo īpaši mākslā, uztverot savu ietekmi un stilu, japāņu gandrīz vienmēr pielāgojās citu cilvēku veidiem.

Skulptūrā iepriekšējā asūdu perioda stingrais un simetrija deva ceļu uz vairākiem bezmaksas veidiem. Ideju attīstība par dieviem, augstākas tehniskās prasmes un materiālu īpašumtiesību brīvība ļāva māksliniekiem izveidot tuvākus un pieejamus reliģiskus attēlus. Jaunā budistu sektas pamatā tika paplašināta Panteona, kurā tika iekļauti pat svētie un budisma dibinātāji. Papildus bronzas skulptūrai ir zināms liels skaits no koka, māla un lakas. Akmens bija reti un gandrīz nekad nav izmantots skulptūrai. Sausā laka bija īpaši populāra, varbūt tāpēc, ka ar visu darba sastāva sagatavošanas sarežģītību tas izskatījās iespaidīgāks nekā koka un bija spēcīgāks par vienkāršāku māla izstrādājumu ražošanā. Lakas skaitļi tika veidoti uz koka vai māla, kas pēc tam tika noņemti vai uz koka vai stiepļu veidgabaliem; Tie bija viegli un izturīgi. Neskatoties uz to, ka šī metode diktēja kādu stīvumu, indivīdu tēlā ļāva daudz brīvības, kas daļēji veicināja to, ko varētu saukt portreta skulptūrā. Divine sejas attēls tika veikts saskaņā ar stingriem budistu kanoniem, bet dažu dibinātāju un ticības sludinātāju popularitāte un pat paziņojums sniedza lieliskas iespējas portreta līdzības nodošanai. Šādas līdzības var izsekot sausas laku dievkalpojumu Japānā Ķīnas Patriarha Gandzina, kas atrodas Temondi Temondi. Gandžins bija akls, kad viņš ieradās Japānā 753. gadā, un viņa nepamatotās acis un apgaismoto iekšējās domājēšanas stāvokli lieliski nosūtīja nezināms skulptors. Šī reālistiskā tendence bija skaidri izteikta ar koka skulptūru sludinātāja, ko izraisīja skulptors no Suga 13-14 gadsimtos. Sludinātājs ir tērpies kā klīstošs ubags ar personālu, gongu un beateru, un maz buddha figūriņas iznāk no viņa pusi atklātā mutes. Nav apmierināts ar dziedāšanas mūku tēlu, tēlnieks mēģināja izteikt savu vārdu visdziļāko nozīmi.

Nākamajā laika periodā buddha perioda attēli ir atšķirti. Izveidots arvien pieaugošajam tempļu skaitam, tie nav tik mierīgi auksti un ierobežoti, jo to priekšgājēji, ir elegantāka skaistuma un muižniecība un adresēti tiem, kas pielūdza cilvēkus ar lielāku labumu.

Saglabāti ļoti mazi šoreiz attēli. Par daudzkrāsainu zīmējumu uz papīra, pagātne un reālā dzīve Buddha ir attēloti. Tas ir viens no nedaudzajiem senajiem eamakomono paraugiem vai krāsošanas uz ritināšanu. Ritina lēnām Rewound pa labi pa kreisi, un auditorija varētu baudīt tikai vietni attēla, kas bija starp atklāto ritināšanu ar rokām. Ilustrācijas bija tieši virs teksta, atšķirībā no vēlāk ritināšanu, kur teksts tekstu miesā ar paskaidrojošu tēlu. Šajos senajos konservētajos sviedru glezniecības paraugos kontūrā noteiktie skaitļi atrodas pretī tikko plānoto ainavu, un centrālā pārstāvja, šajā gadījumā XIAC parādās dažādās epizodēs.

Agri Hayan

(784-897). 784. gadā kapitāls tika uz laiku nodots Nagaoka, daļēji, lai izvairītos no Nara budistu garīdznieka dominēšanas. 794 viņa pārcēlās uz Heans (tagad Kioto) ilgāku laiku. 8. un 9. gadsimtā. Bija periods, kad Japāna veiksmīgi pielīdzināja, pielāgojoties savām īpatnībām, daudziem ārvalstu inovācijām. Budistu reliģija arī pieredzējusi laika periodu, jaunu ezotēriskā budisma izraisīšanai, ar attīstīto rituālu un etiķeti. No tiem, Sects Teny un Singon, kas radās Indijā, visvairāk ietekmēja vislielākā ietekme, sasniedza Ķīnu, un no turienes tika ievesti Japānā ar diviem zinātniekiem, kuri atgriezās savā dzimtenē pēc ilga studenta. Singon Sects ("patiesie vārdi") it īpaši patika tiesai un ātri ieņēma dominējošu stāvokli. Viņas galvenie klosteri atradās Koya Mount netālu no Kioto; Tāpat kā citi svarīgi budistu centri, viņi kļuva par milzīgu mākslas pieminekļu kolekciju krātuvi.

Skulptūra 9. Tas bija galvenokārt koka. Par dievību attēli tika atšķirti ar smagumu un nepieejamas lielumu, kas tika uzsvērts ar svinībām savu izskatu un masu. Drapets prasmīgi izgrieza standarta paraugus, viļņi novieto šalles. Šāda stila piemērs ir Syaki, kas atrodas Syaki no Temple in Murodji. Par šo un līdzīgiem attēliem 9. vietā. Raksturo grūts griešana ar dziļākiem skaidriem krokām un citām detaļām.

Dievu skaita pieaugums radīja lielas grūtības māksliniekiem. Grūti, līdzīgi kā Mandalas kartes (ģeometriskais modelis ar burvju vērtību), kas atrodas saskaņā ar hierarhiju, atradās ap Budu, kas atrodas centrā, kas bija tikai viena no absolūtas izpausmēm. Šajā laikā, jauna veida attēlus, ko ieskauj dievības aizbildņu skaitļu liesma, briesmīgi, bet labdaris dabā. Šīs dievības tika iestrādātas asimetriski un tika attēlotas kustīgajās pozās, ar milzīgu personu iezīmēm, kas nikni aizsargā ticību no iespējamām briesmām.

Vidējais un vēlu sekss, vai periods Fujiwara

(898-1185). Kapitāla nodošana Heianam, kuram bija mērķis izvairīties no garām garīdznieku prasībām, izraisīja pārmaiņas un politiskā sistēmā. Lai uzzinātu, bija dominējošais spēks, un visvairāk raksturīgākie pārstāvji Fujiwara ģimenes kļuva par raksturīgākajiem pārstāvjiem. 10-12 gadsimtu periods. Bieži ir saistīta ar šo nosaukumu. Īpašo iestāžu periods sākās, kad reālie imperatori "stingri informēja" atstāt malā stāvokli labvēlīgāku dzejas un glezniecības profesiju. Līdz vairākuma vecumam imperators vadīja stingrs Regents - parasti no Fujiwara ģimenes. Tas bija gadsimtu luksusa un ievērojamu sasniegumu literatūrā, kaligrāfijā un mākslu; Visā, tomostnionālā un emocionālā jutās, kas reti sasniedza dziļumu, bet kopumā bija burvīgs. Elegants izsmalcinātība un lidojums no realitātes ietekmēja šoreiz mākslu. Pat budisma piekritēji meklēja vieglākas veidus, un debesu Budas pielūgšana bija īpaši populāra, amida. Idejas par līdzjūtību un taupīšanas žēlastību Budas Amida dziļi atspoguļojas glezniecībā un skulptūru šajā periodā. Statuju masu un ierobežošanu 9 V. Gados 10-11. Gados. Deva ceļu uz NEGE un šarmu. Dievības ir attēlotas sapņot, pārdomāti mierīgi, griešana kļūst mazāk dziļa, virsma ir krāsaināka, ar bagātīgi attīstītu tekstūru. Šā perioda svarīgākie pieminekļi pieder pie tēlnieka ZETO.

Mākslinieku darbi arī ieguva mīkstākas iezīmes, atgādinot rasējumus uz auduma, un pat briesmīgas dievības - ticības aizstāvji kļuva mazāk nobijies. Sutras (budistu teksti) rakstīja zeltu un sudrabu dziļā zilā tonī papīra, skaista teksta kaligrāfija bieži pirms neliela ilustrācija. Populārākie budisma virzieni un saistītās dievības atspoguļo preferences aristokrātiju un pakāpenisku izbraukšanu no skarbajiem ideāliem agrīnā budisma.

Šā laika atmosfēra un tās darbi ir daļēji saistīti ar oficiālu attiecību pārtraukšanu ar Ķīnu 894. Budisms Ķīnā tajā laikā tika vajāts, un korumpētais Tang pagalms bija samazinājās stāvoklī. Slēgtā sala pastāvēšana, kas sekoja šim pārtraukumam, lika japānas vērsties pie savas kultūras un izstrādās jaunu, tīrāku japāņu stilu. Patiešām, laicīgā glezna 10-12 gadsimtā. Tas bija gandrīz pilnīgi japāņu - gan mākslā, gan kompozīcijās un zemes gabalos. Šo japāņu ritināšanu īpatnība, ko sauc par Yamato er, bija ENGI parauglaukumu pārsvars (izcelsme, vēsture). Kaut arī ķīniešu ritināšanu, milzīgo apbrīnojamo dabu, panorāmas no kalniem, plūsmām, akmeņiem un kokiem, un cilvēki bija salīdzinoši nenozīmīgi, par stāstījuma ritināšanu japāņu valodā attēlā un teksts Galvenais bija cilvēks. Ainava spēlēja tikai stāsta stāsta fona lomu, kas ir pakļauta galvenajai darbības personai vai personām. Daudzi ritināšanu tika izstrādāti slavenu budistu sludinātāju vai vēsturisko skaitļu dzīvības hronikas, viņu ceļojumi un militārās kampaņas. Citi runāja par romantiskām epizodēm no muižniecības un tiesu dzīves.

Acīmredzot savdabīgs agrīno ritināšanas stils notika no vienkāršām tintes skicēm budistu piezīmjdatoru lapās. Tie ir prasmīgi zīmējumi, karikaturely pārraidot cilvēka uzvedību, izmantojot dzīvnieku attēlus: pērtiķis klostera drēbēs, pielūdza varde, konkurss starp zaķiem, pērtiķiem un vardēm. Šie un citi novēloti Hayan scrolls kalpoja par pamatu sarežģītākiem stāstījumiem, kas ir izstrādāta 13-14 gadsimtu stilā.

Kamakura periods

(1185-1392). Beigas 12 V. Es radīju nopietnas izmaiņas Japānas politiskajā un reliģiskajā dzīvē un, protams, viņas mākslā. Kioto pagalma eleganci un estētisms mainījās vai, tradīcijā "īpašais" noteikums "saņēma papildinājumu" jaunas, skarbas un drosmīgas valdes veidā - Sögunat Kamakura. Lai gan kapitāls nomināli palika Kioto, Sögun Minamoto-bet Yorito (1147-1199) izveidoja savu galveno mītni Kamakura pilsētā un tikai 25 gadus vecā ir izveidojusi stingru militārās diktatūras sistēmu un feodālismu. Budisms, kas ir kļuvis tik sarežģīts un ritualizēts, kas bija maz ticams par parasto burtu, arī tika veikta būtiskas izmaiņas, nekādā ziņā daudzsološa māksla. Sekža IODO ("tīra zeme"), Budas Amida tips, vadībā Honan Sönina (1133-1212) reformēja budas un dievību hierarhiju un deva cerību uz pestīšanu visiem, kas tikko ticēja Amida. Šī doktrīna viegli sasniedzama paradīze vēlāk tika vienkāršota ar citu mūku, sinhrorn (1173-1262), X sin sektas dibinātājs, atzīstot, ka Amida, ir tik liels, ka nav nepieciešams izdarīt reliģiskus aktus, tas ir pietiekami Atkārtojiet pareizrakstības "Imide Buts" (pirmais vārds nozīmē "Obey"; otrais divi - "Buddha Amida"). Šāds vienkāršs veids, kā glābt dvēseli, bija ļoti pievilcīgs, un tagad viņiem patīk miljoniem. Paaudze vēlāk kaujinieku sludinātājs Nitiren (1222-1282), kura vārdu sauc par sektu, noraidīja šo vienkāršoto reliģijas formu. Viņa sekotāji lasīja Lotus Sutra, kas nav apsolījis tūlītēju un beznosacījumu glābšanu. Jo sprediķi, viņš bieži attiecās uz politiskajām tēmām, un viņa uzskatiem un ierosinātajām reformām Baznīcas un valsts bija saistīts ar jauno militāro klasi Kamakurā. Visbeidzot, Zen filozofija, kas radās 8. gadsimtā, sāka spēlēt arvien lielāku lomu budistu domā par šo periodu. Zen uzsvēra meditācijas un nicinājuma nozīmi jebkuriem attēliem, kas varētu novērst personu savā vēlēšanā sazināties ar Dievu.

Tātad, tas bija laiks, kad reliģiskā ideja ierobežoja glezniecības un skulptūru darbu skaitu, kas iepriekš vajadzīgs kulta darbiem. Tomēr Kamakura periodā tika izveidoti daži no skaistākajiem japāņu mākslas darbiem. Stimuls kalpoja mīlestībai mākslas, kas raksturīga Japānas, bet atslēga uz Rentering ir saistībā ar cilvēkiem uz jauniem ticības, nevis dogmas kā tādu. Patiešām, paši darbi liecina par to radīšanas cēloni, jo daudzi no šiem pilnīgajiem dzīvniekiem un skulptūru un gleznaino darbu enerģija ir portreti. Lai gan Zen filozofija varētu apsvērt reliģiskās kulta parastos objektus šķēršļos ceļā uz apgaismību, skolotāju godbijības tradīcija bija diezgan pieņemama. Portrets pats nevarēja būt dievkalpojumu priekšmets. Šī attieksme pret portretu bija raksturīga ne tikai Zen-budisms: Daudzi tīrās zemes sektāju ministri tika godināti gandrīz kā budistu dievības. Pateicoties portretam, pat parādījās pat jauna arhitektūras forma - miadda vai portreta kapela. Straujā reālisma attīstība bija pilnīgi garā laika.

Neskatoties uz to, ka gleznainās priesteru portreti, protams, bija tiešām konkrētu cilvēku attēli, viņi bieži pārstāvēja gleznas ar tēlu Ķīnas budisma dibinātāju. Tie bija krāsoti sludināšana, mutes ir atvērtas, rokas ir gestulējošas; Dažreiz attēloti ubagi mūki, kas rada sarežģītu veidu, kā svinēt ticību.

Viens no populārākajiem zemes gabaliem bija Rigo (vēlams ierašanās), kur Buddha Amida tika attēlota ar saviem biedriem, dilstošā mākonī, lai glābtu ticīgā dvēseli viņas nāves gultnē un nodotu viņu uz debesīm. Krāsas Šādi attēli bieži tika nostiprināti ar gaisu zeltu, un viļņveida līnijas, fluttering Capes, whining mākoņi deva sajūtu kustības uz ietvaros Budas.

Neizmantojiet, kas strādāja 12. un 13. gadsimta otrajā pusē, bija inovācijas autors, kas atviegloja koka griešanu, kas paliek Camacaur tēlnieku mīļākā materiāla. Agrāk kapteinis bija ierobežots līdz klāja vai žurnāla lielumam un formai, no kura tika samazināts skaitlis. Drēbju rokas un elementi tika uzlikti atsevišķi, bet pabeigtais darbs bieži atgādināja sākotnējo cilindrisku formu. Jaunajā tehnikā desmitiem mazo gabalu tika rūpīgi pielāgoti viens otram, veidojot dobu piramīdu, no kuras substrāžu varētu izgriezt attēlu. Skulptors bija viņa rīcībā vairāk atbalstoša materiāla un spēja radīt sarežģītākas formas. Muskuļu templis apsargi un dievības fluttering vāciņu un apģērbu šķita vairāk dzīvs, pat tāpēc, ka viņi sāka ievietot kristālu vai stiklu savās klasēs; Statujas sāka rotā zelta pārklājumu bronzas. Viņi kļuva vieglāki un retāk krekinga kā koka žāvēšana. Minētā Cyuninas koka statuja, Kosia darbs, UNKEI Dēls, liecina par visaugstāko Kamakura laikmeta reālismu portreta skulptūrā. Patiešām, skulptūra tajā laikā sasniedza apogeju viņa attīstībā, un vēlāk viņa vairs nav ieņēmusi tik ievērojamu vietu mākslā.

Kosmosa krāsošana atspoguļo arī laika garu. Par Lathaian perioda stāstījumiem ierobežotajās krāsās un elegantajās līnijās tika pastāstīts par prinča Genji romantiskajiem escapādiem vai vadošajiem Recovery Recoveryle Lifestyle. Tagad spilgtas krāsas un enerģiskas zvaigznes, Kamakura laikmeta mākslinieki attēloja karojošo klanu cīņas, uz kurām attiecas pilījumu liesma un nobijies cilvēki, kas darbojas no uzbrukuma karaspēka. Pat tad, kad reliģisks stāsts tika atklāts ritināšanā, attēls nebija tik daudz ikona kā vēsturiska liecība par Svēto cilvēku braucienu un to radītajiem brīnumiem. Šo zemes gabalu projektēšanā jūs varat atrast augošu mīlestību pret dabu un apbrīnu par dzimtajām ainavām.

Muromati vai asicag periods

(1392-1568). 1392. gadā pēc vairāk nekā 50 gadu nesaskaņas trešais asicag ģimenes, josimēnu (1358-1408) trešais soguns atkārtoja valsti. Valdības atrašanās vieta atkal kļuva par Kioto nominālo galvaspilsētu, kur Asikag zīmes ceturksnī Muromati veidoja savas pilis. (Šis periods tiek saukts par Muromati, tad Asikag.) Kara laiks neizmantoja daudzus tempļus - japāņu mākslas krātuves, kas tika sadedzinātas kopā ar dārgumiem tur. Valsts bija brutāli izpostīta, un pat pasaule nesniedza daudz atvieglojumu, jo orderis klanos, panākot panākumus, izplata žēlastību par saviem kaprīzēm. Šķiet, ka situācija bija ārkārtīgi nelabvēlīga mākslas attīstībai, bet patiesībā ASICAG sigun viņu patronizēja, jo īpaši 15-16 gadsimtos, kad glezna uzplauka.

Nozīmīgākās šoreiz mākslas parādības bija melnbalto dzejas attēlus, ko veicina Zen-budisms, un to ietekmēja ķīniešu saules un juaņa dinastiju paraugi. Ming dinastijas laikā (1368-1644), kontakti, un rezultāts, savācējs un patrons mākslas tika atsākti ar Ķīnu, veicināja savākšanu un mācīšanos ķīniešu glezna. Viņa kļuva par paraugu un sākumpunktu apdāvinātiem māksliniekiem, kuras ainavas, putni, ziedi, priesteru attēli un gudri krāsoti ar gaismas un suku suku suku. Japāņu glezna šoreiz raksturīga ekonomika līnijas; Šķiet, ka mākslinieks izraksta attēla attēla kvintesence, nodrošinot skatītāja acis, lai to aizpildītu ar detaļām. Pelēkā un izcilā melnā liemeņa pārejas šajās gleznās ir ļoti tuvu Zen filozofijai, kas, protams, iedvesmoja savus autorus. Lai gan šī ticība ir sasniegusi būtisku ietekmi Kamakura militārajās iestādēs, tā turpināja ātri izplatīties 15-16 centros., Kad radās daudzi Zen klosteri. Būtībā sludinot ideju par "Self -Pass", tas nesaistīja pestīšanu ar Budu, bet vairāk paļāvās uz cilvēka skarbo pašdisciplīnu, lai panāktu pēkšņu intuitīvu "apgaismības", apvienojot viņu ar absolūtu. Ekonomisks, bet drosmīgs liemeņu izmantošana un asimetriska kompozīcija, kurā neizmantotiem papīra gabaliem bija nozīmīga loma ideālo ainavu, gudru vīriešu un zinātnieku attēlos, atbilst šim filozofijai.

Viens no slavenākajiem pārstāvjiem virzienā Sumi-E, stilu melnbaltā glezna Mascara, bija Sassu (1420-1506), Zen Priest, kura garā un auglīgā dzīve sniedza viņam ar ilgu godbijību. Dzīves beigās viņš sāka pielietot Habilu Maneru (Fast Carcass), kas, pretēji nobriedušu stilu, pieprasot skaidru, ekonomiju uztriepes, cēla monohroma glezniecības tradīcijas uz gandrīz abstrakciju.

Tajā pašā laikposmā Kano mākslinieku ģimenes darbība un viņu stila attīstība. Lai izvēlētos zemes gabalus un liemeņu izmantošanu, viņš bija tuvu ķīniešiem, bet palika japāņu izteiksmīgām fondiem. Kano, ar atbalstu Sögunat, kļuva par "oficiālo" skolu vai mākslas stilu glezniecības un uzplauka 19 V.

Yamato-E naivā tradīcija turpināja dzīvot Tosa skolas darbos, otro svarīgo japāņu glezniecības virzienu. Patiesībā, šajā laikā, gan skolas, Kano un Tos bija cieši saistītas, viņi bija vienoti interesēs mūsdienu dzīvē. Motonobu Kano (1476-1559), viens no izcilajiem māksliniekiem šajā periodā ne tikai izdeva savu meitu par slaveno mākslinieku Tosa, bet arī rakstīja viņa veidā.

15-16 gadsimtos. Bija tikai dažas pienācīgas pievērstās skulptūras darbiem. Tomēr jāatzīmē, ka Noo drāmas attīstība, ar tās noskaņu un emociju daudzveidību, tika atvērta jauna darbības joma pirms skulptoriem - viņi izgrieza maskas dalībniekiem. Klasiskajā japāņu drāmā, kas veica aristokrātiju un aristokrātiju, dalībniekiem (vienu vai vairākas) valkāja maskas. Viņi nodeva sajūtu no bailēm, nemiers un neskaidrības, lai ierobežotu prieku. Dažas maskas bija tik lieliski izgrieztas, ka vissīkākais no aktiera galvas izraisīja izsmalcinātas izmaiņas jūtas izpausmē. Brīnišķīgi paraugi no šīm maskām tika turēti gadiem ģimenēs, kuru locekļiem tie tika veikti.

Momoyama periods

(1568-1615). 1593.gadā lielais militārais diktators Hideyashi uzcēla savu pili uz Māmiņa, "Peach Hill", un šis vārds tika veikts, lai noteiktu periodu 47 gadu laikā no Sögunate asicag krišanas pirms Tokugawa vai EDO perioda apstiprināšanas 1615. gadā. Tas bija pilnīgi jaunas militārās klases dominēšanas laiks. Kura lielā bagātība veicināja mākslas labklājību. 16. gadsimta beigās tika iekļautas iespaidīgas slēdzenes ar plašām auditorijas zālēm un gariem koridoriem. Un viņi pieprasīja rotājumus, kas atbilst viņu varenim. Tas bija laiks skarbajiem un drosmīgiem cilvēkiem, un jauniem patroniem, atšķirībā no bijušās aristokrātijas, nebija īpaši ieinteresēti intelektuālajā meklēšanā vai intricacies prasme. Par laimi, jaunā mākslinieku paaudze diezgan saskan ar saviem patroniem. Šajā periodā brīnišķīgi skrīninga un kustīgo spilgtu aveņu, smaragda, zaļo, violeta un zilu krāsu paneļi parādījās. Šādas brūnas krāsas un dekoratīvās formas, bieži vien zelta vai sudraba fona, bija ļoti populāri simts gadus, un viņu radītāji bija ļoti godīgi "lieliski dekoratori". Pateicoties izsmalcinātajai japāņu garai, lieliskais stils nepārvērš vulgaritāti, un pat tad, ja ierobežojums un lenativitāte deva cenu greznībai un dekoratīvām pārmērībām, Japānas spēja saglabāt eleganci.

AKELETON KANO (1543-1590), Viens no pirmajiem lielajiem šī perioda māksliniekiem, strādāja Kano un TO stilā, paplašinot idejas par pirmo un apvienojot tos ar otrās krāsas bagātību. Lai gan ir saglabāti tikai daži darbi, kura autors var ar pārliecību nosaukt Eytoka, to uzskata par vienu no māmiņas stila dibinātājiem, un lielākā daļa šī perioda mākslinieku bija viņa mācekļi vai viņa ietekmē .

Edo vai Tokugawa

(1615-1867). Ilgākais pasaules periods, kas atkal nāk uz Japānas locītavu, tiek saukts vai Tokugawa laiks, saskaņā ar valdnieka vārdu vai EDO (Modern Tokija), jo 1603. gadā šī pilsēta ir kļuvusi par jaunu valdības centru. Divi slaveni vispārīgi no Momoyam īsā laika posmā, Oda Nobunaga (1534-1582) un Toyotoma Hideyashi (1536-1598), ar karadarbību un diplomātiju izdevās beidzot saskaņot spēcīgu klanu un kaujinieku garīdznieku. Ar nāvi Hideyashi in 1598, iestādes pārcēlās uz Ieyasu Tokugawa (1542-1616), kas pabeigta notikumi sākās kopīgi. Schigaghara izšķirošā cīņa 1600 valstī nostiprināja IEYAS pozīciju, Oskas pils kritums 1615. gadā pavadīja Hideyashi mājas galīgo sabrukumu un Syogunat Tokugawa nedalītās dominēšanas izveidi.

Tokugawa mierīgā valdīšana ilga 15 paaudzes un beidzās tikai 19 V. Galvenokārt bija "slēgto durvju" politika. Dekrēts 1640 ārzemnieki bija aizliegta piekļuve Japānai, un Japānas nevarēja atstāt ārzemēs. Vienīgais komerciālais un kultūras savienojums bija holandiešu un ķīniešu caur nagasaki ostu. Tāpat kā ar citiem izolācijas periodiem, tika novērota nacionālo jūtu un notikumu pieaugums 17. gadsimta beigās. Tā sauktā žanra glezniecības un gravēšanas skola.

Edo strauji augošais kapitāls kļuva par ne tikai salas impērijas politiskās un uzņēmējdarbības dzīves centru, bet arī mākslas un amatniecības centru. Prasība nirt, provinces feodal, par noteiktu daļu no katra gada bija galvaspilsētā, radīja nepieciešamību pēc jauniem, tostarp pils struktūru, un tāpēc māksliniekiem to dekorēšanai. Tajā pašā laikā, bagāto, bet nepiederību aristokrātiju tirgotājiem sniedza jaunu un bieži neprofesionālu patronāžu māksliniekiem.

Edo agrā perioda māksla daļēji turpinās un attīsta Momanom stilu, stiprina luksusa un krāšņuma tendences. Bizarru attēlu un polihromijas bagātība turpina attīstīties. Šis dekoratīvais stils ir sasniedzis augstāko uzplaukumu 17. gadsimta pēdējā ceturksnī. tā sauktajā ERA GRAKUA Tokugawa periods (1688-1703). Japānas dekoratīvās mākslas, tas nav paralēles par ekstravaganci un bagātību krāsu un dekoratīvo motīvu glezniecībā, audos, lakas, māksliniecisko sīkumi - atribūti greznu dzīvesveidu.

Tā kā mēs runājam par salīdzinoši vēlu vēstures periodu, nav pārsteidzoši, ka tiek saglabāti daudzu mākslinieku un viņu darbu nosaukumi; Ir iespējams zvanīt tikai uz dažiem izcilākajiem. No dekoratīvās skolas pārstāvjiem, kas dzīvoja un strādāja Māmiņas un EDO laikā, Honnova Koecea (1558-1637) un Nonomura Sotatsu (Mind 1643) laikā. Viņu darbs demonstrē brīnišķīgu zīmēšanas, sastāva un krāsu sajūtu. Ārvalstu, talantīgs keramists un lakas izstrādājumu mākslinieks bija pazīstams ar viņa kaligrāfijas skaistumu. Kopā ar Sotatz, viņi radīja dzejoļu modernu brīdī uz ritināšanu. Šajā literatūras kombinācijā kaligrāfija un gleznošanas attēli nebija vienkārši ilustrācijas: tie radīja vai pieņemts noskaņojums, kas atbilst teksta uztverei. Ogata Corin (1658-1716) bija viens no dekoratīvā stila mantiniekiem un kopā ar savu jaunāko brāli Augusta Kandzan (1663-1743) atveda savu tehniku \u200b\u200bpilnībai. Kandzan, labāk pazīstams kā keramists nekā mākslinieks, cīnījās par kuģiem ar savu slavenā vecākā brāļa rasējumu. Šīs skolas atdzimšana 19. gadsimta sākumā. Dzejnieks un mākslinieks Sakai Heita (1761-1828) bija pēdējais dekoratīvā stila splash. Skaisti Scrolls un Shirma Horitz apvienoja sajūtu Corina zīmējumu ar interesi par dabu raksturīga naturālismā Maruyam skolas, kas tika izteikts bagātību krāsu un dekoratīvo motīvu, kas raksturīgs agrāk agrākā periodā, kas bija krāšņums un smēra žēlastība.

Kopā ar polihroma dekoratīvo stilu, tradicionālais skolas Kano rasējums turpināja būt populārs. 1622. gadā Kano Tanuyu (1602-1674) tika iecelts tiesas mākslinieks Sögun un tika uzaicināts uz EDO. Ar savu iecelšanu uz šo pozīciju un izveidi skolas glezniecības Kano Edo, Kobikito, tad pusperiods mākslinieciskās vadības šīs tradīcijas nāca, kurš atgriezās Kano ģimenes izcilu pozīciju un veica darbus EDO periodā nozīmīgākais glezniecībā Kano. Neskatoties uz popularitāti krāsotas ar zelta un spilgtas krāsas, ko rada "lieliski dekoratori" un konkurentiem, dejot, pateicoties viņa talantu spēkam, un oficiālā nostāja varēja padarīt atjaunotā skolas Kano glezniecību. Uz tradicionālajām iezīmēm skolas Kano, danguy pievienoto jaudu un vienkāršību, pamatojoties uz stingru periodisku līniju un pārdomātu sakārtošanu sastāva sastāvu uz lielu brīvu virsmu.

Jaunais virziens, kurā galvenā iezīme bija interese par dabu, tas kļuva dominēt beigās 18. gadsimtā. Maruyama Okoy (1733-1795), jaunās skolas vadītājs, bija zemnieks, tad kļuva par garīdznieku un beidzot mākslinieks. Pirmās divas klases nesniedza viņam kādu laimi, ne panākumus, bet kā mākslinieks viņš sasniedza lieliskus augstumus, un tiek uzskatīts dibinātājs reālistiskās skolas Maruyama. Viņš studējis skolas Kano Isis Yutei maģistra (ok. 1785); Pamatojoties uz importētajiem holandiešu gravējumiem, viņš ir sapratis daudzsološa tēla rietumu tehniku, un dažreiz vienkārši kopējās šīs gravīras. Viņš arī pētīja saules un juaņa dinastiju ķīniešu stilus, tostarp maigu un reālo stilu Chen Suang (1235-1290) un Shen Nanpina; Pēdējais dzīvoja Nagasaki 18. gadsimta sākumā. Okoy veica daudz darba no dabas, un viņa zinātniskie novērojumi kalpoja par pamatu dabas uztverei, kas balstījās uz Maruyama skolu.

Papildus interešu naturāliskumam 18. gadsimtā. No Ķīnas mākslinieciskās tradīcijas ietekme atsāka. Šā apgabala pārstāvji gleznainajai Min (1368-1644) un Qing (1644-1912) gleznaino mākslinieku skolēniem, lai gan tie ir iespējams, ka viņu idejas par pašreizējo mākslas stāvokli Ķīnā bija ierobežotas. Šīs japāņu skolas mākslu sauca bulding (izglītoto cilvēku māksla). Viens no ietekmīgākajiem meistariem strādāja Budžking, bija Ikano Taiga (1723-1776), labi zināms mākslinieks un kaligrāfera. Attiecībā uz tās nobriedušu stilu ir raksturīgas biezas kontūras līnijas, kas piepildītas ar gaismas kvēldiegu triecieniem gaismas toņu un liemeņu; Viņš rakstīja un plaši, bezmaksas stendos no melnā liemeņa, attēlojot bambusa stumbrus vējā un lietus. Ar īsām izliektām līnijām viņš sasniedza efektu, kas atgādina gravējumus, kas atrodas miglainu kalnu attēlā pa ezeru, ko ieskauj mežs.

17. gadsimtā Es radīju vēl vienu ievērojamu EDO perioda mākslas virzienu. Tas ir tā sauktie Ukyo-E (mainīgās pasaules attēli) ir žanra ainas, ko rada vienkāršie cilvēki un viņam. Early ukiyo-E parādījās vecajā galvaspilsētā Kioto un galvenokārt bija gleznaina. Bet to ražošanas centrs drīz pārcēlās uz EDO, un meistaru uzmanību koncentrējās uz gravēšanas uz koka. Cieša saikne gravēšana uz koka ar Ukiyo-e noveda pie nepareizas idejas, ka koksnes gravēšana bija šī perioda atklāšana; Faktiski tas radies 11. gadsimtā. Šādi agri attēli bija enerģiski, tos attēloja budisma dibinātāji un dievišķais, un Kamakura laikā, daži stāstījuma ritinoši ritinājumi tika reproducēti no cirsts blokiem. Tomēr gravējumu māksla kļuva īpaši populāra laika posmā no 17 vidus un līdz 19 V.

Attēla engraving ukyu-e objekti bija skaisti aizkari Priecīgus ceturtdaļas, mīļākie aktieri un ainas no DRAM. Agri, tā sauktie. Primitīvie gravējumi tika veikti melnā krāsā, ar spēcīgām ritmiskām viļņveida līnijām, un atšķīrās ar vienkāršu modeli. Dažreiz tie bija krāsoti ar rokām oranžā sarkanā krāsā, ko sauc par tan-e (spilgti sarkanas gleznas), ar dzeltenām sinepēm un zaļajām zīmēm. Daži no "primitīvie" mākslinieki izmantoja manuālu glezniecību, ko sauc par Urison-E (lakas glezniecību), kurā tika pastiprinātas tumšās teritorijas un kļuva gaišāka līmes pievienošanas dēļ. Agrīnās daudzkrāsainās gravēšana, kas parādījās 1741. vai 1742. gadā, tika saukts par Banjdzuri-E (aveņu gravējumu) un parasti izmanto trīs krāsas - rozā-sarkana, zaļa un dažreiz dzeltena. Patiesi daudzkrāsainu gravēšana, kas izmantoja visu paleti un ko sauc par Nisiki-E (brokādes attēli) parādījās 1765. gadā.

Papildus radot individuālu ietekmi, daudzi no grezniem ilustrē grāmatas un ieguva erotisku ilustrāciju ražošanu grāmatās un uz ritināšanu. Jāatceras, ka Wucki-E gravēšana tika izgatavota no trim pasākumu veidiem: tā bija referenta darbs, kura vārds bija pīlings, asa un printeris.

Par tradīciju radīt radīšanas gravēšanas Ukyo-E tiek uzskatīts par Hisikawa Moronobu (apm. 1625-1694). Citi "primitīvie" šī teritorijas mākslinieki - Kiyomasu (1694-1716) un Kagenezudo Group (mākslinieku dīvainā Sadraudzība, kura pastāvēšanas laiks joprojām nav skaidrs), kā arī Okumura Masanobu (1686-1764).

Mākslinieki pārejas perioda radītā gravēšanas banjdzuri-e bija Isicawa Tyonobu (1711-1785), Torii Kihihiro (strādāja apm. 1751-1760) un Tori kiirimets (1735-1785).

Suzuki Harunobu (1725-1770) darbi atver polihromisko gravīru laikmetu. Izvilkti ar mīkstiem, gandrīz neitrāliem krāsām, ko apdzīvo elegantas dāmas un galantieši mīļotājiem, Harunobu gravējumi bija liels panākums. Aptuveni tajā pašā laikā, Kataukawa Sysso tika strādāts ar viņu (1726-1792), Torii Kienaha (1752-1815) un Kitagawa Utamaro (1753-1806). Katrs no tiem veicināja šī žanra attīstību; Masters deva gravējot ar elegantu skaistumu un slaveno dalībnieku attēlu līdz pilnībai. Vairākus mēnešus 1794-1795, noslēpumainā Tosusai Sarak izveidoja pārsteidzoši spēcīgu un atklāti nežēlīgu portretus dalībnieku šajās dienās.

19. gadsimta pirmajās desmitgadēs. Šis žanrs sasniedza briedumu un sāka samazināties, lai samazinātušanos. Katsusik Hokusai (1760-1849) un Ando Hiroshie (1797-1858) - lielākie meistari no laikmeta, kura radošums savieno saulrieta Gravings 19 V. Un viņa jaunā atdzimšana 20. gadsimta sākumā. Abi bija galvenokārt ainavu spēlētāji, kuri tika fiksēti viņu gravīros notikumus mūsdienu dzīves. Gudru un printeru tehnikas izcilā īpašums ļāva pārvietot kaprīzu līnijas un mazākās saules tortes vai palielinās miglas dawn gravējumā.

Maidzi atjaunošana un mūsdienu periods.

Bieži notiek, ka viena vai cita cilvēka senā māksla ir sliktie vārdi, datumi un konservēti darbi, tāpēc visus spriedumus var pieņemt tikai ar lielu piesardzību un konvencijām. Tomēr nav mazāk grūti spriest laikmetīgo mākslu, jo mums ir liegta vēsturiska perspektīva, lai pareizi novērtētu jebkura virziena vai mākslinieka un tās radošuma mērogu. Japānas mākslas pētījums neatspoguļo izņēmumus, un ne vairāk kā to, ko var izdarīt, ir iepazīstināt ar laikmetīgās mākslas panorāmu un veikt dažus nosacījumus sākotnējos secinājumus.

19. gadsimta otrajā pusē. Japānas ostas tika atkal parādījās, nopietnas izmaiņas notika politiskajā skatījumā. 1868. gadā Sögunat tika atcelts un imperatora Maidzi valde tika atjaunota. Imperatora oficiālais kapitāls un dzīvesvieta tika nodota EDO, un pati pilsēta kļuva pazīstama kā Tokija (Eastern Capital).

Kā tas notika pagātnē, nacionālās izolācijas beigas radīja lielu interesi par citu tautu sasniegumiem. Šajā laikā japāņi veica milzīgu lēcienu zinātnes un tehnoloģiju jomā. Mākslinošajam, MaidZi laikmeta sākums (1868-1912) parāda visu rietumu, tostarp tehniku \u200b\u200bpieņemšanu. Tomēr šī dedzība turpināja ne ilgi, un viņš sekoja asimilācijas periodam, jaunu formu parādīšanās, kas apvieno atgriešanos savās tradīcijās un jaunās rietumu tendencēs.

Starp māksliniekiem ieguva Kano Hogai slavu (1828-1888), Simomara Kandsan (1873-1916), Taketi Sayo (1864-1924) un Tomica Tassay (1836-1942). Pirmie trīs ievērojuši tradicionālo japāņu stilu un zemes gabalus, lai gan viņi centās parādīt noskaņojuma un tehnoloģijas oriģinalitāti. Sayo, piemēram, strādāja mierīgā un konservatīvā Kioto atmosfērā. Viņa agrīnie darbi tiek radīti Maruyam naturālistiskajā veidā, bet vēlāk viņš daudz ceļoja Ķīnā un piedzīvoja dziļu ietekmi uz Ķīnas glezniecības tinti. Viņa apmeklējumi uz muzejiem un vadošajiem mākslas centru arī viņa darbā atstāja pēdu. No visiem izcilajiem šī laika māksliniekiem, tikai viens Tomica Tassay slēgts tuvojās attīstībai jaunu stilu. Savos enerģiskajos un pilnos darbu spēkos rupji izliektas nevienmērīgas līnijas un traipus melnā liemeņa ir apvienoti ar smalki izlādējām krāsām. Vēlākajos gados daži jauni mākslinieki, kas strādāja ar naftu, sasniedza panākumus, kur viņu vectēvi neizdevās. Pirmie mēģinājumi strādāt ar šo neparasto materiālu atgādināja Parīzes audekliem un neatšķiras jebkurā konkrētā vērtībā vai īpaši japāņu velnos. Tomēr pašlaik tiek izveidots ārkārtas pievilcības darbs, kurā japāņu krāsu un līdzsvara sajūta tiek pārvietota pa abstraktām tēmām. Citi mākslinieki, kas strādā ar dabiskāku un tradicionālo liemeni un dažreiz izmantojot kaligrāfiju kā sākotnējo motīvu, rada enerģisku abstrakts darbu spīdīgos melnajos toņos ar pelēko toņiem.

Tāpat kā EDO periodā, 19-20 gadsimtos. Skulptūra nebija populāra. Bet šajā jomā, pārstāvji no mūsdienu paaudzes, kas studējis Amerikā un Eiropā, eksperimentēja ļoti veiksmīgi. Mazie bronzas skulptūras, abstrakts formā un dīvaini nosaukumi, demonstrē japāņu līnijas un krāsu īpatnības sajūtu, kas izpaužas kā mīksta zaļa vai silta brūna patina; Koka griešana norāda uz japāņu mīlestību uz materiāla tekstūru.

Khanga Sosaka, japāņu "radošā druka", parādījās tikai pirmajā desmitgadē 20.gadsimta, bet kā īpašu mākslas virzienu, viņa aptumšoja visas pārējās mūsdienu mākslas jomas. Šī mūsdienu gravēšana, stingri runājot, nav vecākā gravēšanas kārtas kārtā; Tie atšķiras pēc stila, zemes gabaliem un veidiem, kā izveidot. Mākslinieki, no kuriem daudzi bija rietumu glezniecības spēcīgajā ietekmē, saprata savu mākslinieciskās mantojuma nozīmi un konstatēja piemērotu materiālu kokā, lai izteiktu radošos ideālus. Hang meistari ne tikai izdarīt, bet arī izgriezt attēlus uz koka blokiem un izdrukāt tos paši. Lai gan šajā mākslas formā visaugstākie sasniegumi ir saistīti ar darbu uz koka, tiek piemērotas visas mūsdienu rietumu gravēšanas metodes. Eksperimenti ar lapām, auklas un "atrasts objekti" dažos gadījumos ļauj izveidot unikālu virsmas tekstūru ietekmi. Sākotnēji šī virziena kapteiņi bija spiesti meklēt atzinību: pat labākie sasniegumi skolā Ukiyo-e mākslinieki-intelektuāļi bija saistīti ar analfabētu pūļa un uzskatīt par Plabeiiešu mākslu. Mākslinieki, piemēram, Onti Kosiro, Chiratsuk Universi un Maekawa Sampan, sniedza daudz atgriezties cieņu pret gravēšanas un apstiprināt šo virzienu kā pienācīgu filiāli tēlotājmākslas. Viņi savās grupā piesaistīja daudzus jaunus māksliniekus, un granulas tagad aprēķina simtiem. Starp šīs paaudzes meistariem, kas ir sasnieguši atzinību Japānā un Rietumos, - Adhesia Uptaro, Munakata Syo, Yamaguchi Gen un Saito Kiyashi. Tas ir kapteinis, kura inovācija un neapstrīdams talants ļāva viņiem veikt cienīgu pozīciju starp vadošajiem Japānas māksliniekiem. Daudzi no saviem vienaudžiem un citiem, jaunākiem hanga māksliniekiem, arī radīja brīnišķīgus gravējumus; Fakts, ka mēs nerunājam viņu vārdus šeit nenozīmē zemu novērtējumu par savu radošumu.

Dekoratīvā un lietišķā māksla, arhitektūra un dārzi

Iepriekšējās sadaļās tas galvenokārt bija par gleznošanu un skulptūru, kas lielākajā daļā valstu tiek uzskatītas par galvenajām tēlotājmākslas sugām. Tas var būt negodīgi līdz raksta dekoratīvās mākslas un tautas amatniecības beigām, dārzu un arhitektūras māksla - formas, kas veidoja svarīgu un neatņemamu japāņu mākslas sastāvdaļu. Tomēr, iespējams, izņemot arhitektūru, viņiem ir nepieciešama īpaša uzmanība sakara ar kopējo periodu Japānas mākslas un ar stila maiņu.

Keramika un porcelāns.

Svarīgākie dekoratīvās un lietišķās mākslas veidi Japānā ir keramika un Ķīna. Keramikas māksla ir dabiski sadalīta divās kategorijās. Skaists Polychry Ķīna Imari, Nabassima un Kakiemons ieguva nosaukumu no ražošanas vietām, un tās bagātīgā krāsošana uz krējuma vai zilganas baltas virsmas bija paredzēta muižniekiem un tiesu lokiem. Šā porcelāna ražošanas process kļuva pazīstams Japānā 16 vai 17 gadu sākumā.; Plāksnes un bļodas ar gludu apledojumu, ar asimetrisku vai atgādina plāksteru modeli, tiek novērtēti gan viņu dzimtenē, gan Rietumos.

Atšķirībā no porcelāna rupjos ēdienos, kas izgatavoti no māla vai zemas kvalitātes akmens masa, kas raksturīga Ķīnas, orilei un Bijsenam, uzmanība ir vērsta uz materiālu, šķiet, šķiet, ka dekoratīvo elementu izkārtojums šķiet neuzmanīgs, bet labi pārdomāts. Zen-budisma jēdzienu ietekmē šādi trauki bija ļoti populāri intelektuālajos lokos un tika plaši izmantoti, jo īpaši tējas ceremonijās. Daudzās kausos, tējkannās un tējas ceremonijas mākslas atribūtiem tika iemiesota Zen-budisma būtība: stingra pašdisciplīna un stingra vienkāršība. Japānas Dekoratīvās mākslas ziedēšanas laikā Corin un Kandzan talantīgie mākslinieki nodarbojas ar keramikas izstrādājumu dekoru. Jāatceras, ka Kandzas godība ir saistīta ar vairāk nekā keramikas talantu, nevis gleznotāju. Daži no vienkāršākajiem veidiem un paņēmieniem kuģu ražošanai notiek no tautas amatniecības tradīcijām. Mūsdienu darbnīcas, turpinot vecās tradīcijas, brīnišķīgi produkti apbrīno savu eleganto vienkāršību.

Lakoti produkti.

Jau 7-8 gadsimtos. Laka bija pazīstama Japānā. No šī laika zārku segumi tiek saglabāti, dekorēti ar cilvēkiem un ģeometriskiem motīviem, ko deponē plānas zelta līnijas. Mēs jau esam runājuši par sausās lakas tehnoloģijas nozīmi 8-9 centnieku skulptūrā; Tajā pašā laikā dekoratīvie priekšmeti, piemēram, burtu vai kastes vīraks, tika veikti vēlāk. EDO periodā šie produkti tika ražoti lielos daudzumos un sulīgs dekors. Luksusa dekorētas kastes brokastīm, kūkām, vīriešiem un narkotikām, ko sauc par intro, atspoguļo bagātību un mīlestību par luksusa raksturīgo šajā laikā. Objektu virsma tika dekorēta ar zelta un sudraba pulvera, zelta folijas šķēlītēm atsevišķi vai kombinācijā ar inkrustācijas izlietnēm, pērli un alvas sakausējumu utt.; Šie modeļi ir kontrastējuši ar lakotu sarkanu, melnu vai brūnu virsmu. Dažreiz laku gleznas bija mākslinieki, piemēram, Corin un Co, bet viņi gandrīz personīgi piedalījās šajos darbos.

Zobeni.

Japānas, kā jau minēts, ievērojamā viņu vēstures periodā bija karavīru iedzīvotāji; Ieroči un bruņas tika uzskatītas par būtiskām lielām iedzīvotāju daļām. Zobens bija cilvēka lepnums; Gan asmens, gan visas pārējās zobena daļas, īpaši rokturis (mazulis), tika dekorētas dažādās metodēs. Zuba no dzelzs vai bronzas tika dekorēts ar ieliktņiem no zelta un sudraba, pārklāti ar kokgriezumiem vai pabeigtiem un otru. Tie tika attēloti ainavas vai cilvēku, ziedu vai ģimenes ģerboņa (mon). Tas viss papildināja zobenu ražotāju darbu.

Audumi.

Rich rakstainu zīda un citi audumi, pagalms un pārpilnība, mīļotā ar pagalmu un garīdzniekiem, kā arī vienkāršiem audumiem ar gandrīz primitīvu modeli, kas raksturīga tautas mākslas, ir arī izpausme nacionālā japāņu talantu. Sasniedzot augstāko uzplaukumu bagātīgā žanra laikmetā, tekstilizstrādājumu mākslā ziedēja mūsdienu Japānā. IT, idejas un mākslīgās šķiedras no rietumiem ir veiksmīgi apvienotas ar tradicionālajām krāsām un dekoratīviem motīviem.

Dārzi.

Pēdējās desmitgadēs interese par japāņu dārziem un arhitektūru palielinājās, pateicoties rietumu sabiedrības plašākam iepazīties ar šīm mākslas formām. Dārzi Japānā ieņem īpašu vietu; Tie ir izteiksme un simbols augstu reliģisko un filozofisko patiesību, un šīs neskaidras, simboliskas overones, apvienojumā ar acīmredzamo dārzu skaistumu, izraisa interesi par Rietumu pasauli. Nevar teikt, ka reliģiskās vai filozofiskās idejas bija galvenais iemesls dārzu radīšanai, bet plānojot un veidojot dārzu, plānotājs, plānotājs pārdomāja šādus elementus, kuru pārdomā vadīs skatītāju domāt par dažādiem filozofiskiem patiesības. Šeit zen-budisma kontemplatīvais aspekts ir saistīts ar neparastu akmeņu grupu, izlīdzinātas smiltis un grants viļņiem, apvienojumā ar kūdru vai augiem, kas atrodas tādā veidā, ka plūsmas aiz tām pazūd, šķiet atkal, - Tas viss mudina skatītāju patstāvīgi pabeigt būvniecības dārza idejas. Priekšroka priekšroka neskaidru mājienu, kas ir saprotama skaidrojuma, ir raksturīga Zen filozofijai. Šo ideju turpināšana tagad ir kļuvusi populāra Rietumu punduru kokos pundurkociņi un sīkie dārzi podos.

Arhitektūra.

Japānas galvenie arhitektūras pieminekļi ir tempļi, klostera kompleksi, feodālās pilis un pilis. No ilgu laiku līdz šai dienai koks ir galvenais būvmateriāls un lielā mērā nosaka strukturālās iezīmes. Vecākās reliģiskās ēkas ir COTO nacionālās japāņu reliģijas svētnīca; Spriežot pēc tekstiem un zīmējumiem, tie bija salīdzinoši vienkāršas ēkas ar salmu jumtu, piemēram, seno mājokli. Temples ēkas, kas būvētas pēc budisma izplatīšanās un ar to saistītā stilā un izkārtojumā, balstījās uz Ķīnas prototipiem. Budistu templis arhitektūra mainījās atkarībā no laika, un ēku novietne un ēku atrašanās vieta dažādās seko. Japānas struktūras izceļas ar plašām zālēm ar augstiem jumtiem un sarežģītu sistēmu konsolēm, un to dekors atspoguļo garšu savu laiku. Vienkāršā un majestātiskā arhitektūra Khoryuji kompleksa, kas celta netālu no NAR sākumā 7. gadsimtā, ir tikpat raksturīgs ASUK periodā, kā skaistumu un eleganci proporcijām par Hoodo, "Phoenix Hall" Udi, kas atspoguļojas Lotus ezerā, Hayan laikmetam. Sarežģītākas ēkas EDO periodā iegādājās papildu rotājumi formā bagātīgi krāsas bīdāmās durvis un Slēpts ar tiem pašiem "lieliem dekoratoriem", kas rotā interjeru ieskauj rips pilīm un pilis feodal.

Japānas arhitektūra un dārzi ir tik cieši saistīti, ka tos var uzskatīt par viena no otras daļu. Tas jo īpaši attiecas uz ēkām un dārza mājām tējas ceremonijai. Viņu atvērtība, vienkāršība un rūpīgi pārdomāta komunikācija ar ainavu un izredzes ir liela ietekme uz mūsdienu arhitektūru Rietumu.

Japānas mākslas ietekme uz rietumiem

Visā gadsimta laikā Japānas māksla kļuva pazīstama Rietumos un būtiski ietekmēja viņu. Bija arī agrākie kontakti (piemēram, Nīderlandes LED tirdzniecība ar Japānu caur nagasaki ostu), bet priekšmeti, kas ir sasnieguši Eiropu 17. gadsimtā, galvenokārt bija lietišķās mākslas darbi - porcelāna un lakotie produkti. Viņi bija nepacietīgi savākti kā Wondermen un kopēti dažādos veidos, bet šie dekoratīvās eksporta priekšmeti neatspoguļoja Japānas mākslas būtību un kvalitāti un pat radīja Japānas nepamatotu priekšstatu par rietumu garšu.

Pirmo reizi Rietumu glezniecība piedzīvoja tiešu japāņu mākslas ietekmi Eiropā 1862. gadā milzīgā starptautiskā izstādē Londonā. Prezentēts Parīzes izstādē piecus gadus vēlāk, japāņu gravējumos uz koka atkal atvēra lielu interesi. Nekavējoties parādījās vairākas privātas gravēšanas kolekcijas. Degas, Mana, Monets, Gaugugen, Van Gogh un citi uztver Japānas krāsas gravīrus kā atklāsmi; Bieži vien ir gaisma, bet vienmēr atpazīstamas japāņu gravīru ietekmi uz impresionistiem. Amerikāņi Whistler un Mary Cassat piesaistīja līnijas un spilgtu krāsu plankumu gravīru un gleznošanu Ukiyo-E.

Japānas atklāšana ārzemniekiem 1868. gadā radīja aizraušanos ar visām rietumu lietām pēc kārtas un piespieda japāņu, lai noņemtu savu bagāto kultūru un māksliniecisko mantojumu. Šajā laikā daudzi skaisti gleznaini darbi un skulptūras tika pārdotas un atrodamas Rietumu muzejos un privātajās kolekcijās. Šo objektu izstādes ieviesa Rietumus ar Japānu un stimulēja interesi ceļot uz Tālajiem Austrumiem. Protams, Japānas okupācijas ar amerikāņu karaspēku beigās Otrā pasaules kara atklāja plašāku nekā agrāk, iespējas paziņu un dziļāku pētījumu par japāņu tempļiem un to dārgumiem. Šī interese tika atspoguļota amerikāņu muzeju apmeklējumā. Interese austrumos vispār izraisīja japāņu mākslas darbu izstāžu organizēšanu, kas izvēlēti no Japānas valsts un privātajiem kolekcijām un ieveda Amerikā un Eiropā.

Pēdējo desmitgažu zinātniskie pētījumi sniedza daudz, lai atspēkotu viedokli, ka Japānas māksla ir tikai ķīniešu pārdomas, un daudzas japāņu publikācijas angļu valodā ieviesa rietumus ar austrumu ideāliem.



Japānas dekoratīvais un lietišķais māksla metāla mākslas darbu jomā iekļauti tempļa skulptūras un piederumi, ieroči un dekoratīvie priekšmeti, ko izmanto ikdienas dzīvē, daudzveidība un tradicionālo metālu (bronzas, dzelzs, vara, tērauda) pārstrādes pilnība tika apvienota ar Kompleksu sakausējumu izmantošana, kas atšķiras ar krāsu toņu un plastmasas īpašību bagātību. Tur bija Syakto kopīga starp tiem, kas deva dažādus melno, brūnu, zilu un purpura ziedu toņus un sibuci, kas kalpoja kā gandrīz neizsmeļams pelēko toņu avots .

Sakausējumu ražošanā bija profesionāla noslēpums un no kapteinis tiktu nodots studentam. XVII-XVIII gadsimtā. Par Rich Pilsoņu pasūtījumiem, skulpturālie attēli tika veikti mājas altāriem, kā arī attēlus ar labvēlīgu nozīmi un apsardzes ģimenes kamīnu. Starp tiem - Daruma, leģendārais mūks, kura nosaukums Japānā ir saistīts ar tējas izcelsmi, dambi - laimes un bagātības dievība - laimes un ilgmūžības dievība.

Līdztekus tam, daļa no mājsaimniecības priekšmetiem kalpoja dekoratīviem mērķiem. Tie bija smēķētāju telpas, vāzes, trauki, kastes, paplātes, par kurām tika raksturots dažādu metālu savienojums vienā produktā, atlasu pavedienu izmantošana, gravēšana, griezumi, inkrustēts. Emaljas dekoru piemērošanas tradīcija XVI gadsimta beigās ieradās Japānā no Ķīnas. Emaljas tehnika bija 4 šķirnes: sefodētais, kas iegravēts un krāsots. Emali sauc par "Siplo" - septiņi dārgakmeņi: zelts, sudrabs, smaragds, koraļļi, dimants, ahāts, pērles, kas ticēja cilvēkiem laimi.

Japānas Septo emaljas XVII-XVIII gadsimtā daudz paļaujoties uz ķīniešu paraugiem, atšķīrās ar ierobežotu paleti nedaudz klusināto toņi, skaidrs ģeometriskais raksts, dziļi tumši zaļš fons. XIX gadsimta vidū. Emaljas tehnika izdzīvoja otro dzimšanu. Tika iegūti daudzus izcilus emaljus, kas tika cieši pielīmēti uz metāla pamata un bija labi slīpi.

Septo emalja mākslas ziedēšana XIX gadsimta beigās. Tas bija saistīts ar slavenā Master Namikawa Yasoyki nosaukumu. No viņa semināra tika publicēti mazie produkti, pilnībā pārklāti ar emaljām, ko piemēro ar rotaslietu aprūpi. Krāsu, putnu, tauriņu, pūķu un phoenixes attēli, daudzi tradicionālā ornamenta veidi atrada vietu sarežģītajā austs mežģīņu rakstā. Zelta folija ir radījusi dzirkstošo nomas mirdzošo glitter no pulētas virsmas produkta.

Ieroču ražošanai un dekorēšanai ir senas tradīcijas Japānā. Zobens tika uzskatīts par svētu priekšmetu, ko prezentēja saules Amateras dieviete viņa mazdēls, kuru viņa nosūtīja valdīt uz Zemes un izskaustu ļaunumu. Taisnā līnija ar divpusēju asināšanas zobenu (Ken vai Tsurugi) kļuva par piederību Sintosoy Ogļu un kļuva starp Imperial Regalia. Viduslaikos zobens kļuva par karavīru klases simbolu, iemiesoja spēku, drosmi, samuraju cieņu. Tas bija arī, ka mirušo senču dvēseles dzīvo Viņā.

VII gadsimtā Zobena forma ar nelielu līkumu vienpusēja asināšanas asmeņu aizmugurē, kas ir gandrīz nemainīga uz XIX gs. Un ieguva vārdu "niuonto" (japāņu zobens). No XVI gadsimta Aristokrāti un militāro īpašumu pārstāvjiem bija pienākums valkāt divus zobenus: ilgi - "Katana" un īss - "Vakidzasi", kas bija paredzēts, lai izdarītu rituālu pašnāvību. Gados, ja tiek pārkāpts goda kodeksa, amatnieku pārkāpums Un zemniekiem īpašai atļaujai bija atļauts valkāt tikai wakidzasi vai zobenu bez Garda "Aikuti". Garais un laikietilpīgais ražošanas process asmens tika mēbelēts kā svinīgs rituāls, kopā ar īpašām lūgšanām, viļņiem, kalēja rūsu ceremonijas apģērbu.

Lāpstiņa tika metināta no vairākām joslām, tie uzstāja vismaz piecas reizes, pulētas un pulētas. Ar XII gadsimta beigām. Asmeņi sāka rotā ar rievām, saules attēliem, mēness, zvaigznēm, pūķiem, krustojuma viļņiem, kas izgatavoti ar gravēšanu un padziļinātu atvieglojumu. Sīkāka informācija un RIM zobens no XVI gs. Izveidots ar speciāliem meistariem - ieroču juvelieri.

Blade tika ievietota rokturī, kuras pamatā bija divu koka stieņu pamats, kas bija savienots ar metāla gredzenu "FUTI" un Casiras padomiem, rokturis bieži tika iesaiņots ar haizivju vai slidošanas ādu, ko sauc par "sama" ( haizivs). Bija pārliecība, ka šāds rokturis saglabāja zobena rituālu un aizsargātu īpašnieku. Neliela reljefa metāla detaļas "Menuki" tika piestiprinātas rokturim abās pusēs, kas nodrošināja ilgāku zobena uztveršanu ar divām rokām.

Papildus tam rokturis tika iesaiņots ar vadu vai pīti, izveidojot pīti par virsmu. Svarīga detaļa zobenu bija "Tsub" (Garda) - aizsargājoša plastmasa, kas atdala asmeni no roktura, mazie zobenu apvalki bieži tika dekorēti ar rūpīgi iekārtotu metāla plāksni "COCZUK", kas bija neliela naža rokturis ievietota īpašā kabatā apvalkā. XVII-XIX gadsimtā. Ieroči, zaudēja savu praktisko vērtību, pārvērtās par vīriešu kostīmu dekoratīvo papildinājumu.

Savā apdarē, tika izmantoti dažādi materiāli un paņēmieni, atlasu pavedieni, inkrustēts sakausējums, dažādas metodes reljefu kompozīciju, emalju un laku izveidei. Īpaša mākslinieciskā pabeigšana iegādājās Cubus, kas sāka uzskatīt par neatkarīgu mākslas darbu. Tradicionālie motīvi, kas raksturīgi citiem mākslas veidiem: ziedi, putni, ainavas, budistu līdzekļi, vēstures leģendas pat pilsētas dzīves aplēses. Viena zobena detaļas tika apvienotas atbilstoši izpildes stilam un bieži pārstāvēja viena stāsta attīstību.

Starp ieročiem, kas specializējas zobenu apdarē, īpaši zināma tika dibināta XV gadsimtā. Skolas goto, septiņpadsmit paaudzes, kuru meistari atbalstīja savu slavu vairāk nekā 400 gadus.

Ko mēs darīsim ar iegūto materiālu:

Ja šis materiāls ir izrādījies noderīgs jums, jūs varat to saglabāt savā sociālā tīkla lapā:

Čivināt

Vairāk kopsavilkumu, kursa darbs, darbs par šo tēmu:

DOPAREROVKAYA Krievijas dekoratīvā un lietišķā māksla
Tomēr šis punkts nebija iespējams, bez izšķirošās atbrīvošanas no Baznīcas atklāšanas mākslas, neieviešot laicīgu pamatu, kas .. Parasti koka skulptūra bija polihroms. Lokalizēts ar temperatūras krāsām, kas tai tuvāk ikonai. Šī tuvums tiek pasliktināts, ka reljefi nerunāja ..

XVIII vēlu XIX gadsimta beigās dekoratīvā un lietišķā māksla
Abi stili raksturo Napoleona Bonaparte valdīšanu. Kopš 60. gadu XVIII gadsimtā. Franču meistari pievērsās klasicismam. Savā veidošanā 1719. gada izrakumi tika spēlēti ar lielu lomu HeroCubulanum un 1748 Pompejā. Klasicisms (no latiem.

Dekoratīvā un lietišķā māksla Kazahstānā
Piemēram, māksla ražošanas sēdekļiem, siksnai nepieciešama ne tikai prasme, bet arī spēja piemērot dažādus materiālus. Seddles ražošanai neaprobežojās ar sēdekļu ražošanu un .. Dienvidu Sibīrijas tautām bija liela ietekme uz Kazahstānas tautas kultūras attīstību. Nozīmīgi augstumi ..

Dekoratīvā un lietišķā māksla
Atsevišķu amatniecības mākslas atšķirīgas un tradīcijas. Gandrīz visi akmens apstrādes centri ir salīdzinoši jauni vēsturiski. Daži no tiem ir izstrādājuši .. Iet cauri posmiem meklējot savu klāstu, vednis auga atrada savu .. brūns kalcīts par tēlu jenots, zelta medus selenite - vāveres vai balta anhidrīta - par polāro ..

Dekoratīva un lietišķā māksla, batika

Dekoratīvā un lietišķā māksla. Batika
Dekoratīvā lietišķā māksla no LAT Decoro rotā dekoratīvās mākslas sadaļu, kas aptver mākslas produktu izveidi. Darbi Dekoratīvi lietišķā māksla atbilst vairākām prasībām, kurām ir estētiskā kvalitāte.

Dekoratīvā un lietišķā māksla - tautas amatniecība
Dekoratīvajā un lietišķajā mākslā tautas mākslas amatniecība aizņem ievērojamu vietu. Tiek parādīta tautas māksliniecisko nodarbību māksla. Dažas izcelsmes zemnieku mājsaimniecībā, kas saistīta ar .. Piemēram, daudzu veidu keramikas, galdniecības griešanai, klintis uz audiem jau sen ir vietējo aktivitātes joma.

Dekoratīvā un lietišķā māksla
Bet Staļina režīms steidzās aizstāt ģēnus no amatniecības valsts monopola un tirānijas deficīta. Tomēr Krievijas mākslinieciskā ražošana. Urālos un urālos, rīkles-somu cilts, pirmais no koka un akmens, un tad .. Šīs tradīcijas vajāja uz ilgu laiku Krievijas tautas mākslā. Daudzi gadsimti, līdz 20. gadsimta 20s ..

Lietišķā māksla "Batik"
Pirmkārt, iepazīstot ar senajām civilizācijām, es esmu atvēris sev pārsteidzošu kultūru Maya, kas pārstāv milzīgu sakausējumu dabisko .. Pieminekļi senās mākslas semantisko nozīmi daži no mums ... mūsdienu mākslā, mēs redzam Mākslinieku vēlme izmantot tos pašus principus, veidojot dekoratīvo ..

Moldovas lietišķā māksla
Tas nav nejauši, ka Moldova, neliela kvadrātveida Republika ir īsts arheoloģiskais eldorado, kas ir neizsmeļams nenovēršams valsts kases. Moldova. Īpaši pazīstams ar couguresht dārgumiem saistībā ar laiku ..

0.041

Japāņu tradicionālā māksla Pamatojoties uz oriģināliem un savdabīgiem principiem. Japānas gaumes un vēlmes ir ļoti atšķirīgas no citu valstu rezidentu estētiskajām prioritātēm. Dekoratīvā un lietišķā māksla Japānā ir arī savas īpašības.

Dekoratīvie darbi Izveidots šajā valstī jau daudzus gadsimtus. Tie ir keramikas un porcelāna izstrādājumi, dekorēti audumi un apģērbi, koka griešana, metāla un kauli, skaisti ieroči un daudz ko citu.

Kopumā dekoratīvā un lietišķā māksla ir zināma uzmanība. Dažādi produkti tiek izveidoti ne tikai, lai estētiski izbaudītu viņu kontemplāciju, bet arī pieteikties ikdienas dzīvē.

Un japāņiem ir ļoti svarīgi ne tikai izmantot šādas mākslas darbus, bet arī izrotāt savu dzīvi, apbrīnot savu skaistumu. Japānas iedzīvotāji vienmēr izturējās pret skaistumu. Šķita, ka krāšņums un žēlastība varētu tikt nodota vārdiem. Tomēr skaistums bija ārpus ikdienas pasaules. Visa cilvēka dzīve bija pārejoša, pēc dvēseles nāves pārcēlās uz skaistu un noslēpumainu pasauli.

Visas uzskaitītās funkcijas Japānas Worldview tika atspoguļotas darbus dekoratīvās un lietišķās mākslas darbiem. Jebkura darbība kopā ar speciāli ražotiem produktiem.

Piemēram, tēja vai maiss Vārīti no rupjiem un nevienmērīgām kausiem. Tomēr tie tika novērtēti par savu skaistumu, kas pastāvēja otraworldly pasaulē.

Lieliski japāņu meistari Izveidoti objekti, dodot viņiem estētisku izskatu. Skaitļi - Netzke, kastes - Inro, lakas produkti, eleganti pelni, SHIRMA, viesmīlis - tas viss tika dekorēts ar māksliniecisku garšu un žēlastību.

Nezke - miniatūras skulptūra

Miniatūras skulptūras izmantoja vīrieši valkāt dažādus priekšmetus. Tube, klausule vai maka tika piestiprināta ar Netzke palīdzību Kimono jostu.

Katrs miniatūrais statuete Simboliskas piezīmes, kas pašas par sevi, t.i. Kaut kas nozīmēja.

Izpildes profesionalitāte Guessing japāņu skulptūrās. Starp citu, NEZKE radīšanas māksla radies salīdzinoši nesen, \\ t 1603. - 1868. gadāgadā. Šo laika periodu Japānā tiek saukta par titulu Edo.

Slavenākie šī perioda meistari bija Dorakusai (XVIII gadsimtā), \\ t Sumin. (XVIII gadsimta beigas), \\ t Tomotada (XVIII gadsimtā), \\ t Masatsugu (XIX gadsimtā), \\ t Goekumīns(XIX gs.) Un citi.

Kādi attēli netiek izmantoti, lai izveidotu NEPCE. Un iedzīvotāju ikdienas profesijas un reliģiskās pārstāvniecības un dzīvnieku attēlus. Masters mīlēja attēlot literāro darbu varoņus, pasakas, slavenos japāņu karavīrus.

Ja līdz brīdim, kad XIX gadsimtā varēja pamanīt skulptūras formu disproporcija Un derīgu attēlu neatbilstība, tad vēlāk japāņu meistari precīzāk mēģināja attēlot rakstzīmi, nosūtot savas īpašības. Dabas pasaule ir kļuvusi pievilcīgāka speciālistiem Nepe.

Daudzu desmitgažu laikā ir uzlabota miniatūru skaitļu radīšanas tehnoloģija.

Ja šāda virziena izcelsmes sākumā Japānas dekoratīvajā un lietišķajā mākslā kā biežāk izmantots materiāls koks vai ziloņkauls, XIX gadsimtā meistari sāka pieteikties porcelāns, koraļļu, metāla, agat Un citi materiāli. Koka netzakes vienmēr pulēta ar ogļu pulveri, berzēt eļļu no linu, skatījās ar zīdu. Sarežģītāks ceļš pieņēma skaitļu krāsošanas procesu.

Inro - lodziņš pareizai lietai

Visvairāk izsmalcināta lieta japāņu dekoratīvās lietišķās mākslas tiek uzskatītas par kastes -, vairāk līdzīgas miniatūras kastēm.

Tie bija daļa no sievietes vai vīriešu kostīms. Ja vīri karājās inro kā Nutzke, Kimono jostu, tad sievietes valkāja viņus piedurknē.

Tulkots inro - tas kaste blīvēmkas tika izmantots, lai valkātu dažādas lietas. Viņai bija vairāki interjera biroji. Masters, kas padarīja šāda veida produktu, tika meklēts, lai atdalītu intro, lai atdalītu žēlastību un mākslas garšu. Tika izmantoti lakas glezniecība un inlair no pērļu mātes, un tika izmantota ziloņkaula, dārgakmeņu un dažādu intro apdares iekārtu apdare.

Kostoe - Kimono Short Sleeve

Kodeksskā japāņu apģērbu priekšmets ir pazīstams uz ilgu laiku. Tomēr tikai Edo Kimono laikmetā ar īsām piedurknēm sāka spilgti rotā, izmantojot jaunas krāsošanas audumu tehnoloģijas.

Aspilāts kļuva par dekoratīvas un lietišķās mākslas objektu. Jāatzīmē, ka atkarībā no personas dzīves gadījumiem Japānas nodeva noteiktā veidā deklarētos norādījumus. Zīda dziju daudzveidīgajai lietošanai bija satriecošs rezultāts. Katrs costera bija dekoratīvā māksla Japāņu cilvēki.

Ventilators kā Japānas dekoratīvās mākslas darbs

Ventilators Arī piesaistīja japāņu meistaru uzmanību un kļuva par mākslas priekšmetu. Ventilators - sans ieradās Japānā, visticamāk no Ķīnas. Un jau japāņu meistari deva viņam savu unikālo, eleganto izskatu.

Skats uz veterinārārstu - vijums Tas tiek uzskatīts par tīri japāņu izgudrojumu. Tas ir tāds ventilatora ziedlapiņa, kas ir izgatavots no cieta koka gabala, pēc tam izraisīja dārgu zīdu vai papīru, uz kura tika izmantoti skaisti zīmējumi.

Zemes zīmējumi bija atšķirīgs raksturs. Japānas tradīcijas bija redzamas uz neapbruņotu aci katrā šādā mākslā kā ventilators.

Starp citu, japāņi ir izveidojuši šādu versiju, kas tika izmantota cīņas jomā. Kā paņēma, šāds objekts tika izmantots ar norādījumu atgriešanu kaujas laukā. Noteikta veida apdare kopā ar šo VESER. Biežāk uz tā tika attēlota sarkanā apļa uz dzeltena fona ar vienu pusi, un dzeltens aplis uz sarkanā fona - uz otru.

Japāņu mākslas zobens

Japānas dekoratīvās un lietišķās mākslas estētiskie principi tika pilnībā izteikti māksliniecisko zobenu ražošanā un dekorēšanā.

M. ex - Tas ir īpašs priekšmets, lai pielūgtu Japānas, un tās izveidi, dažādi materiāli un paņēmieni tika izmantoti.

Japāņu zobens Ne tikai tiek ievēlēts formā. Tērauda īpašā struktūra, asmens spīdošā līnija, kuras virsma tika rūpīgi pulēta, raksturo šādu objektu kā augstāko japāņu mākslas produktu. Daži asmeņi tika dekorēti arī ar pūķu reljefiem, samuraju ģerboni tika atdalīti ar hieroglifiem.

Japānā pastāvēja ieroču skolās meistarikas veica dažādus kaujas zobenus, kas specializējas ieroču mākslinieciskajā dekorācijā. Tik labi pazīstams šāvējs kā Masamune (beigasXIII. Gadsimtā - sākumsXiv. gadsimtā) Tas bija slavens ar visu Japānu ar savu prasmi. Iegādājieties savu zobenu viņa darba sapņus par daudziem mūsu laikabiedriem-cienītājiem Japānas ieroču mākslas.

Lakas un keramikas izstrādājumi

Lakoti produkti Lieto Japānā visur. Tas ir trauki, un mājās piederumi, un dažādas nepieciešamās lietas aprūpei par sevi, bruņas un pat ieročus. Noble daļu mājas tika dekorētas ar līdzīgiem produktiem.

Tradicionālās lakaskas tika izmantoti japāņu meistari, bija sarkans, melns un zelts. Elders Edo nodarbina atzīmēti ar zaļo, brūnu un dzeltenu laku ražošanu. Un 20. gadsimta sākumā japāņi ieguva baltas, purpura un zilas krāsas lakas. Krāsas glezna Izmantojot zelta, pērļu un sudraba inlejas, ir lielākais veids, kā pabeigt dažādus produktus ar japāņu meistariem.

Keramikas izstrādājumi Arī bija Japānas dekoratīvās un lietišķās mākslas priekšmets. Daudzas tehnoloģijas tiek veiktas no Ķīnas un Korejas. Tomēr japāņu keramiku raksturo fakts, ka meistari pievērsa lielu uzmanību ne tikai šādiem parametriem kā formu, ornamentu un krāsu, bet kādas sajūtas radīs keramikas izstrādājumu, sazinoties ar cilvēka palmu.

Keramikas izstrādājumijapānā tas ir dažāda veida dažāda veida ēdieni, piemēram, tējkannas, dēļ, sakaru kuģi, dekoratīvie ēdieni, podi un citi. Porcelāna plānās sienas vāzes joprojām ir pieprasītas rietumu valstīs.

Uzmanību! Izmantojot vietnes materiālus, ir nepieciešama aktīva atsauce!